Netflixconfirmó que Iron Fist no tendrá una tercera temporada. Se acabó la historia del superhéroe más joven de Los defensores. Y la verdad es que la plataforma tomó una decisión correcta. Iron Fist no merecía una nueva oportunidad.
Iron Fist, o Danny Rand, ha sido planteado como el miembro más débil de Los defensores desde la primera temporada. Pese a que tiene un superpoder, y que podría ponerlo en ventaja sobre el resto de sus compañeros, es el eslabón débil del equipo.
Siempre tiene dudas, nunca sabe qué hacer. Incluso me sorprendió que en esta segunda temporada defendiera una banda de extorsionadores solo por buscar un «balance» o «equilibrio» en su tierra.
Su rival, Davos, también considerado un hermano por el «Puño de Hierro», quiere combatir frontalmente la corrupción de la ciudad, sin embargo termina siendo el malo de la historia. ¿Acaso Iron Fist apoya a los corruptos por no perder el poder? Por qué está emitiendo un mensaje equivocado. E ahí esa indecisión que lo llevó a cederlo a su novia.
Esta fórmula del chico débil e inocente que no sabe nada pudo funcionar en la primera temporada, pero repetirla en la segunda es demasiado. Por eso mejor no prolongar más historia y dejar el personaje a disposición para una nueva serie de Los defensores.
El amor y talento se encuentran en un bar. Dos personas se conocen por primera vez, pero hablan como si se hubieran visto toda la vida. Ambos admiran el talento del otro, y solo dejan que el amor lo empuje.
Nace una estrella (A star is born) es la historia de dos talentosos enamorados. Una mesera tiene la suerte que un famoso cantante la escuche cantar y se convierta en el estímulo para demostrarle al mundo su voz.
No es el negocio lo que motiva a esta pareja, sino el amor. Ella, salta de los bares, donde canta por pasatiempo, a un concierto abarrotado de miles de fanáticos, porque confía en él. Se aferra a ese sentimiento y lo hace como si ya lo hubiera hecho antes.
Sin embargo una carrera asciende y la otra cae. Como si se tratase de un pase de posta. Una voz se luce y la otra se opaca. Y curiosamente es por amor que uno de los talentos se apaga. Porque no quiere hacerle más daño es que decide desaparecer.
La película, Nace una estrella, es buena con un arranque potente gracias a las voces, conciertos y buena química entre los personajes interpretados por Bradley Cooper y Lady Gaga.
A Lady Gaga se le siente como pez en el agua más aún cuando toca Shallow, la canción inicial, y I’ll never love again, el tema final. Pero se nota una buena química con Cooper, experimentado actor, nominado a tres Óscar, y debutante como director en esta película.
Probablemente ambos novatos en oficios que no ejercían hasta esta película se apoyaron y terminaron haciendo una buena pareja.
No obstante el trabajo de Cooper, como el guitarrista destruido por el alcohol es excelente. Gracias a su trabajo asistimos a la progresiva autodestrucción de su personaje. Da lástima ver como el talento se acaba de esa manera tan cruel. Aunque necesaria para que nazca, y se mantenga, una nueva estrella.
Nace una estrella puede resumirse como el ascenso de una joven cantante. Pero creo que más es una historia de amor que soporta ese encumbramiento.
Nos hemos propuesto ver las ganadoras del Óscar desde la primera ceremonia y compartir algunos detalles de la película con ustedes. Empezamos con Alas de 1928. Progresivamente iremos escogiendo las mejores ganadoras del Óscar.
La primera ceremonia del Óscar se desarrolló el 16 de mayo de 1929. Alas fue la primera ganadora de toda la historia de los premios de la Academia.
Alas es una película épica a blanco y negro, muda. La victoria de Alas llegó en momentos en que el cine mudo se apagaba y empezaba a surgir el sonoro.
La historia de esta película tiene como contexto a la Primera Guerra Mundial, aunque como protagonistas a dos jóvenes amigos, rivales de amor.
Ambos deciden participar en este conflicto armado como pilotos, sin imaginar que sus destinos se entrecruzarían y terminarían en un final trágico.
Uno puede imaginar que por esos años se hacía un cine más rudimentario y limitado, una premisa bastante lejana a la verdad. Porque esta producción se hizo copiando lo más cerca posible la realidad sin ayuda de efectos visuales.
En Alas vemos batallas terrestres y persecuciones aéreas. Para esta tarea contaron con el apoyo de las fuerzas militares norteamericanas. Utilizaron 60 aeroplanos y más de 3 mil extras.
LOS PROBLEMAS DEL RODAJE
Al inicio tuvieron problemas, porque el director de esta película, William A. Wellman, no quería grabar en el aire sin nubes. El rodaje se inició en Texas, pero repararon en que no había nubes en el cielo. Así que el rodaje se paralizó por cuatro semanas.
Pero por qué fueron necesarias las nubes. El director sostenía que con la presencia de estos elementos, el espectador podría percibir la velocidad y otros factores de los aviones.
UN ACTOR Y DIRECTOR SABÍAN PILOTEAR UN AVIÓN
Y las batallas áreas se hicieron en el cielo. No como ahora donde muchas se hacen en un set de grabación. Uno de los actores protagonistas sabía pilotear un avión. Se trata de Richard Arlen, quien integró las fuerzas aéreas de Canadá.
Mientras que su compañero Charles «Budy» Rogers no. Tuvo un entrenador llamado Hoyt Vandenberg quien manejaba el avión. Vandenberg manejaba el avión en el asiento trasero, mientras Rogers simulaba hacerlo adelante para las grabaciones. Aunque al final Rogers terminó aprendiendo manejar un avión.
Pero el director de la película también sabía pilotear. Integró las fuerzas áreas de Francia y le atribuyen tres ataques efectivos al enemigo y otros cinco probables.
Tuvo un accidente. Su avión cayó, sobrevivió, pero al recuperarse presentó una cojera. Su experiencia militar la volcó en esta película.
Para las tomas de cerca (close up) colocaron cámaras en la zona del motor.
LOS PREMIOS E INVERSIÓN
La película costó 2 millones de dólares, aunque en el 2017 hubiera costado 27 millones de dólares.
Ganó dos Óscar: mejor película y mejores efectos de ingenería. Aunque se llevó la victoria con el premio mayor, las películas Sonrisa, también llamada Amanecer, (Sunrise: A song of two humans) y 7Th Heaven obtuvieron tres. Aquella ceremonia solo duró 15 minutos y no se transmitió por ningún medio de comunicación en Estados Unidos. La radio recién llegaría un año después.
La música y voces son una fortaleza de la película Nace una estrella (A star is born). El filme protagonizado por Lady Gaga y Bradley Cooper tiene una variedad de temas que elevan, en varios momentos, la cinta. Las canciones de Nace una estrella son una de las fortalezas de la cinta.
En el repertorio aparecen clásicos como La vie en Rose de Edif Piaf cantada por Lady Gaga. Con esta canción su personaje se enamora de Jack, personaje interpretado por Bradley Cooper.
También escuchamos, al inicio de la película, la canción de la película, El mago de Oz, Somewhere over the rainbow. Este tema es un clásico.
Destaca también Shallow, que incluso tiene un videoclip colgado en Youtube. Hasta el momento tiene 30 millones de reproducciones. Con esta canción Ally, el personaje de Lady Gaga, inicia su meteórica carrera musical, en la película.
Las voces son extraordinarias. Pero a Lady Gaga se le ve con el pez en el agua. Además que le da más valor a su personaje. Toda una sorpresa ha sido la cantante.
Aquí te dejamos las canciones de Nace una estrella incluidas en Spotify.
Todo inicia con extrañas desapariciones de niños. Los principales sospechosos: los lobos.
Una madre, rara, y que habla suavecito, contrata a un especialista en estos animales. Dizque quiere encontrar la verdad de la desaparición de su pequeño.
Pero la actitud de la progenitora nos una idea que no estamos ante un drama cualquiera del muchacho que se hace humo. Sino que hay algo más en esta historia.
EL PADRE
Y por otro lado está el padre quien participa en una de las tantas guerras de Estados Unidos. Gracias a los flashback sabemos que adora a su hijo. Pero tiene una personalidad bastante fría.
Quiere asemejarse a un justiciero, principalmente, cuando ve que uno de sus compañeros está violando a una mujer. Le dispara y lo deja a merced de su víctima.
Pero la investigación por la desaparición toma un giro cuando identifican a la madre como la responsable de la muerte del pequeño.
Desde ese momento ingresa el padre en acción, quien envalentonado con sus armas, se convierte en asesino en serie matando al que se le presente en su camino.
Él no saluda. Mata y mata, y en ese ínterin aparece su amigo, quien (qué creen) también mata, a diestra y siniestra, a los dizque responsables de la desaparición de su hijo.
En esta matanza ingresan las leyendas de lobos y las maldiciones, hasta llegar a un epílogo que te deja raro. El camino de sangre parecía que iba a tener un final obvio. Pero no. Optó por uno más positivo.
Hold the dark está dirigida por Jeremy Saulnier y protagonizada por Jeffrey Wright así como Alexander Skarsgård. Disponible en Netflix. No la recomiendo, pero véanla y saquen sus conclusiones.
22 de julio, la nueva película Paul Greengrass, retrata los ataques terroristas ocurridos en Noruega en el 2011. Estos atentados segaron la vida de 77 ciudadanos. El filme explora este acontecimiento hasta el juicio del responsable de estas muertes.
La primera media hora de 22 de julio impacta, y es lo mejor de la película, porque se centra en el ataque terrorista. Combina acciones. Por un lado vemos al terrorista preparándose y al otro un campamento de jóvenes, sin sus padres, bromeando, jugando y participando de las actividades.
El ritmo de la historia te tiene atento esos minutos, más aún porque plasma la crueldad de esta loco quien creyó en las armas para imponer sus pensamientos. Greengrass no tiene la necesidad de ser explícito para describir esta tragedia. El sonido de los balazos y los gritos de pánico de las víctimas nos transmiten esa desgracia.
En esta media hora Greengrass demuestra su talento como lo ha hecho en otras películas similares como Vuelo 93 o Capitán Phillips. Mantenerse tenso y atento es su trabajo.
Luego se enfoca en la recuperación de los sobrevivientes. Principalmente se centra en un joven que vuelve a la vida por un milagro aplicado por la ciencia. Su «resurrección» parecía imposible, pero su voluntad de hierro lo dejó con los pies en la Tierra.
Con la aparición del adolescente se inician dos historias paralelas. Por un lado el lado el joven magullado, moreteado, recuperándose de las secuelas físicas y psicológicas que dejó el atentado. Con su historia conocemos, también, el drama de otras víctimas.
Y por otro, un terrorista frío, sin arrepentimiento ni con empatía por el dolor de los familias de los jóvenes caídos. El villano no da tregua a sus sentimientos. Se mantiene en sus trece hasta el final. Sonríe, se burla. Cree que su acción fue necesaria para llamar la atención de la comunidad y virar sus ideas: expulsar a los migrantes de Noruega. Esta representación lo hace insoportable.
EL BIEN CONTRA EL MAL
Estas dos historias coinciden en la última media hora, cuando se desarrolla el juicio final. El bien se enfrenta al mal. Solo el joven puede vencerlo, porque el resto parece no quitarle esa sonrisa burlona la malvado de la historia.
El superhéroe se siente golpeado, pero se prepara para enfrentar al villano. Palabras bien dichas, sazonadas con una broma, el bien al final se impone. Aunque el mal continúe en sus trece.
El terrorista quería eliminar a los migrantes con balas y bombas. Este episodio ocurrió en el 2011. Desafortunadamente estas intenciones se mantienen en la actualidad. Porque hay una corriente antimigrantes que hace lo posible por enemistar a locales con visitantes. Incluso en Perú donde políticos avivan los temores de la población hacia venezolanos que huyeron de la crisis generada por el gobierno de Nicolás Maduro. No es necesaria la violencia para agredir, las palabras y leyes también maltratan.
22 de julio está disponible en Netflix. Altamente recomendable. Dura dos horas y media.
Cuenta que por la mañana dejaba la voz grabada de Venom y luego interpretaba a Eddie Brook.
Cuando grababa escuchaba una de las voces en su oído, pero también quienes estaban a su alrededor.
Y es el sonidista estaba debajo del set difundiendo la voz del villano.
Lo mejor de la película Venom, es el trabajo de Hardy, aunque no es suficiente para salvar el filme.
Pero lo mejor de la carrera de Tom Hardy es su voz.
LA MEJOR VOZ
Su voz es su principal fortaleza. Le pone intensidad, cambia de dialecto en cada película e incluso la transforma.
Su mejor presentación fue con Bane en El caballero de la noche asciende.
Cada palabra tenía una intensidad a tal punto que Christopher Nolan, director de esa película, reveló que le ponía la carne de gallina.
Aunque tuvieron que mejorar su voz porque en la primera presentación no se escuchó bien. Luego pulieron su trabajo.
El actor confesó luego que se inspiró en la voz de Richard Burton, legendario actor de Hollywood, y también del campeón de box, Bartley Gorman.
Volvió a repetir lo mismo en Dunkerque donde interpretó a un piloto británico. Llevó una máscara en toda la filmación.
En Leyendas interpretó a gemelos y cada uno tenía su voz. Por ejemplo en la película Warrior, donde interpreta a un luchador, tenía entrenamiento físico para el papel.
Pero le puso más énfasis a la voz. Así lo reveló su entrenador, Don Wadsworth.
Tom tenía entrenamientos físicos muy serios todos los días para prepararse para los combates de las artes marciales, pero estaba concentrado en los «entrenamientos orales
The Hollywood Reporter consultó al entrenador en dialectos, Erik SInger, quien alabó el trabajo de Hardy.
Estoy realmente impresionado por la forma que interpreta con entonación, la música de un acento. Pienso que se escucha de forma penetrante y sospecho que primero hunde su dentadura , si trabaja de una fuente de la vida real o más de su imaginación y pastiche
Incluso cree que el trabajo desarrollado en Bane fue brillante.
Pienso que Bane es una brillante interpretación vocal que agrega más a la película. La cosa que hace la voz de Bane original e irresistible, más que la máscara, es su entonación. Sus infecciones y entregas. El increíble uso expresivo del rango de tono y una variedad de juguetonas inflexiones
Lo curioso es que fuera de las cámaras su voz es más suave y juvenil. Sin embargo su dicción en el cine es lo mejor.
Venom es otra comedia de superhéroes. Se supone que el personaje es uno de los archivillanos del mundo de Spiderman. Pero la película va por otro camino.
Eddie Brock es un agudo periodista que investiga a una poderosa corporación. Pero en este proceso se topa con una sustancia marciana que le otorga superpoderes.
A diferencia de muchos aliens que hemos visto en el cine, este extraterrestre solo tiene la intención de regresar a su planeta natal. Por eso utiliza a Brock para retornar a esa empresa, ubicar una nave y llegar a su hogar.
En esa misión se presentan diálogos algo esquizofrénicos donde Brock habla con Venom, aunque en realidad se habla solo, se retan y se cuentan chistes. Se forma una especie de dúo dinamita, aliados y cómicos para aliviar la tensión de este cruzada.
Venom no es malo, ni ambicioso, solo quiere regresar a su planeta. Es un extraterrestre raro. No odia a la humanidad.
La película quiere plantearlo como un antihéroe, como Deadpool, pero se queda en el camino. Deadpool es un personaje irreverente, honesto, con una fuerte motivación: el amor de su novia. Mientras que Venom es ligero, tiene poderes, pero nada más. Solo es una sustancia que se apodera de un cuerpo y vaga por las calles de una ciudad. Brook es solo la vía, ni siquiera se combinan las personalidades.
Y al final su motivación ni siquiera es fuerte porque se convierte en otra más noble, convirtiendo al villano en superhéroe.
Mientras que los efectos especiales son bastante raros, sobre todo, al final.
Si hay algo que destacar en esta película es el trabajo de Tom Hardy, quien interpreta por segunda vez un rol en una película de superhéroes. Anteriormente lo hizo con Bane en El Caballero de la noche asciende.
Y el humor que parece haber tenido aceptación en el público. Porque después, solo es una película para mirar y olvidar.
