Cien años de soledad, temporada final, estrenada en Netflix, tiene una coincidencia con otras series adaptadas de libros latinoamericanos como La casa de los espíritus o Como agua para chocolate: la voz en off. Estas producciones tienen la vocación de recurrir a un narrador para explicar al espectador las emociones de los personajes observados en las escenas.
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Probablemente este recurso funcione para parafrasear algunas líneas de las obras adaptadas, pero llega un punto en que parece que se ve un videolibro y no una miniserie. Esa «bendita» voz no deja apreciar las interpretaciones e irrumpe una y otra vez en la narrativa.
Cuando Cien años de soledad se desprende de la voz en off, la serie crece. Los actores aparecen para ayudar a conectar con la audiencia, pero cuando la narración se hace reiterativa, se pierde el interés en la historia.
Por ejemplo, la masacre descrita en Cien años de soledad tiene una propuesta interesante. En una primera parte parece construir un poema que identifica a sus víctimas y juega un poco con el estilo del libro, mientras que en la segunda retorna a la narrativa clásica de violencia y drama aplicada a este tipo de episodios. Sin embargo, una vez más aparece el narrador para decirnos lo que obviamente transmite esa secuencia.
Lo mismo sucede en La casa de los espíritus y Como agua para chocolate. Ya no parece una propuesta, sino una fórmula, probablemente diseñada para mantener atado al espectador al libro adaptado.
La voz en off está presente en el cine y la televisión. Martin Scorsese suele emplearla en sus películas, como El lobo de Wall Street, pero en su caso solo agrega información y deja que los actores transmitan las emociones de la secuencia. Además, a veces juega con este elemento para que el personaje central se salga de la escena y, mirando directamente a la cámara, aporte humor a la narración.
En Cien años de soledad, por el contrario, parece sobreescribir los diálogos y subrayarlos con resaltador una y otra vez.
Una arriesgada propuesta visual
Al margen de este detalle, el nivel técnico juega a favor de la serie. Hay propuestas visuales interesantes y estéticamente agradables. Una muestra es la toma en que un admirador de Remedios, la bella, trepa al techo y hace un hueco para verla bañarse en la tina: a través de ese agujero se logra una composición que transmite la belleza del personaje. Esto va a tono con la magia que envuelve a este personaje.
Del mismo modo se observa cuando un inversionista norteamericano prueba por primera vez el plátano o banana y a su alrededor hay cáscaras de la fruta para representar la satisfacción generada en esta figura. Así hay varios ejemplos. A veces las escenas no recurren a los clásicos planos-contraplanos, sino que buscan componer con los dos personajes juntos o captarlos desde arriba. Hay una gran construcción visual en esta nueva entrega.
También le hace bien a esta temporada final centrarse en la historia de los gemelos Buendía. Con ellos se va narrando la transformación de Macondo en contraste con su decadencia. No es que se descuiden los otros episodios del libro (donde más se incide con esa voz en off), sino que estos dos personajes adquieren mayor prevalencia.
La música también juega un papel importante, reinventando boleros clásicos y, en otros momentos, poniéndole sabor a la vida de uno de los gemelos Buendía.
Falta el capítulo final, a estrenarse el 26 de agosto, pero esta temporada, salvo por la locución, termina mejor que la anterior. Ya dirán los literatos si está a la altura de la obra de García Márquez, aunque para ellos existan obras intocables destinadas a quedarse inmortalizadas en el papel.
