Mufasa: crítica al spin off del Rey León

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Las películas de Hollywood que funcionan se estiran como el chicle hasta sacarle todo el sabor posible. El 2019 se estrenó la versión live action del Rey León y cinco años después se proyectó una película basada en uno de sus personajes, Mufasa. Y adivinen qué vendrá luego. Pues si llegaron al final de esta cinta, probablemente otra película del universo del Rey León.

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Si es necesario o no aprovechar el éxito de ciertos títulos, pues es una discusión estéril, porque Hollywood ya decidió que sí es necesario. Si gustan o no, es otro asunto.

Mufasa no es una mala película. Incluso se parece a El Rey León.

Pues resulta que el papá de Simba también tuvo un origen traumático: perdió a sus papás y en solitario tendrá que demostrar sus capacidades para reinar en la selva.

De esta manera enfrentará una serie de obstáculos cuyo final busca decretar si está preparado o no para el cargo asignado por la naturaleza.

En este relato habrá útiles aliados, personajes divertidos y música…sí, muchas canciones. Es como si hubieran puesto el molde del Rey León y colocado encima materia para sacar una copia similar.

El viaje del héroe es conocido. Todo está hecho para elevar a los altares al nuevo monarca que difícilmente escapa o pierde algún desafío.

LA LLEGADA DEL VILLANO

Lo más interesante de la película, a mi juicio, es la construcción del villano, es decir, Scar.

Los villanos, me fascinan, debo reconocerlo, y en este caso me gustó la transformación de este personaje: de hermano y amigo, a cobarde antagónico de esta clásica historia. Incluso hacia el final se ven los gestos del Scar animado de 1994.

Su cambio no es tan complejo. No se explican razones de su cobardía. Pero está dentro de lo que película plantea: una historia correcta, sencilla y sin riesgos. Es decir que el ascenso de este villano se escapa de la fórmula.

Por otro lado, ha sido criticada la animación de los personajes, sin embargo, en esta propuesta, a diferencia del Rey León del 2019, los rostros de los leones y otros animales de la selva son más expresivos. Sus gestos ayudan a entender mejor sus emociones.

En conclusión, si el resto de películas producidas alrededor del Rey León van a ser como Mufasa, lo más probable es que esta franquicia termine agotando al público en desmedro del buen clásico de los ’90.

 

Equipaje de mano: crítica a la película de Taron Egerton

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Hay películas en que los terroristas escogen un personaje para presionarlo e integrarlo en su juego de terror. Más o menos así funciona Equipaje de mano, el nuevo estreno de Netflix, protagonizado por Taron Egerton.

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Un joven agente de la Administración de Seguridad en el Transporte  en un aeropuerto es chantajeado para dejar pasar un sospechoso equipaje a un avión de pasajeros.

Aparentemente el terrorista tiene todo a su favor, sin embargo, este muchacho es inteligente, rápido y con iniciativa.

Entonces el problema para estos planes malvados no es que la maleta llegue a la nave, sino superar a este agente.

CONSTRUCCIÓN DEL PERSONAJE

Lo interesante es cómo la película construye el personaje central interpretado por Taron Egerton. Primero notamos cuáles son sus motivaciones y lealtades. Él ama a su esposa y van a tener un hijo.

Luego está frustrado por no ingresar a la policía y eso lo llevó a mantener un línea recta, sin ascensos, en este trabajo. Sin embargo cuando su pareja le pide no rendirse y crecer laboralmente, toma nota y va a la acción.

No obstante reconoce que tiene buenas habilidades. Por ejemplo, es bueno para identificar fraudes. Su problema es que lo sabe, pero no lo admite de la boca hacia afuera.

Sin embargo, presionado por este terrorista es que saca a relucir todas sus habilidades. Es allí donde la película es buena ya que cada detalle del personaje expuesto al inicio se hace realidad en cada escena. No se deja ni un elemento al aire. Incluso hacia el final, en el momento del clímax, conocemos más sobre las razones de su lealtad hacia las personas que más quiere.

Pero si bien la buena construcción de este personaje es una de las fortalezas de la película, esto hace que se olviden del resto de roles quienes quedan como accesorios, o elementos secundarios en este plan maquiavélico.

Por ejemplo, no conocemos mucho del villano a nivel emocional o psicológico, salvo unos rasgos, que desarrollados a profundidad hubieran quedado bien cuando se enfrenta cara a cara con el protagonista de la película.

Nadie es antagónico por la simple diversión de hacer mal, siempre hay una motivación detrás, sin embargo, aquí solo importa alimentar con información para conocer mejor al protagonista de la película.

No obstante la cinta es interesante y entretenida. La acción llega a su punto máximo hacia el final (aunque el epílogo parece un poco inverosímil). Hay momentos en que Equipaje de mano te deja atento y sin respirar.

Me pareció interesante ese trasfondo de la Navidad, que me hizo recordar a Duro de matar de Bruce Willis, estrenada en 1989. Seguramente muchos dirán que hay muchas diferencias entre ambos productos, pero quizás Equipaje de mano ayude a poner en vigencia ese clásico de acción de los 80.

Anora: Crítica a la película de Sean Baker

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Anora o Ani, como le gusta llamarse, parece una bailarina, interesada en hacer negocios o ¿no? o será una mujer que busca ser amada y bien tratada.

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La película de Sean Baker, ganadora de la Palma de Oro en la última edición del festival de Cannes, cuenta la historia de una joven involucrada en una relación amorosa con un joven, hijo de multimillonarios rusos.

Él la conoce en un local nocturno, hay química y le propone ser su pareja por una semana. Anora acepta. La relación continúa y él le propone casarse, y ella acepta. Entonces empiezan los problemas.

Hasta ese momento parece que Anora fuera una mujer de negocios que acepta buenas oportunidades.

Acepta fingir como novia de este hijo de multimillonarios por 10 000 dólares, durante una semana, y dice sí a convertirse en su esposa porque aparentemente ve una oportunidad de abandonar su controvertida vida nocturna.

Pero conforme transcurre la película la muchacha muestra un interés por mantener esa relación y no necesariamente por dinero.

Solo al final, en los últimos 30 minutos, uno como espectador repara que Anora cayó en una ilusión y creyó que la travesura con un adolescente tenía futuro.

En ese tramo final observamos como ese cascarón que rodeaba a la joven bailarina se resquebraja hasta romperse completamente. Como si el cuento de hadas aterrizara en una dura realidad.

¿Con qué se ilusionó Anora? ¿Amor? ¿Dinero eterno? ¿En verdad creyó que ese romance de días sería eterno? Hacia el epílogo de esta triste historia vemos desesperación por esa ilusión rota.

VARIOS GÉNEROS

La película funciona mejor al inicio como una narración erótica y luego como una comedia. Termina bien como drama, aunque no queda claro en los diálogos hacia dónde quiere llegar, pero el trabajo de Mikey Madison aclara ese panorama.

La interpretación de la joven actriz es muy bueno. Es bastante atrevido, alocado no solo en el erotismo, sino también en la comedia.

Su mirada seduce al principio y hacia la mitad sus ojos transmiten sorpresa, rabia y  hartazgo. Hay cierta locura en el final que desafortunadamente termina en drama.

Justamente su trabajo, alabado por la crítica, es considerado como uno de los mejores del año y favorito a los Oscar de la próxima temporada.

Además la película podría ganar el premio de la Academia a mejor película y no sería raro que así ocurra.

Por momentos la película me hacía recordar a Mi pobre angelito, principalmente, cuando aparece la comedia con muchas ocurrencias y personajes torpes como disparatados. Otros dicen que se parece a la versión adulta de Mujer Bonita de Julia Roberts, aunque no sería la versión rosa.

Pero lo cierto es que Anora no intenta dar un mensaje o reflexiones, sino contar la historia sobre cómo los sueños con finales felices no están hechos para todos.

Cien años de soledad: crítica a la serie de Netflix

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Esperaba el estreno de Cien años de soledad en Netflix más por curiosidad que por ser un lector de la obra de Gabriel García Márquez.

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Siempre hemos crecido rodeados de opiniones de quienes consideran que la obra de García Márquez es inadaptable al cine o a la televisión. Por eso, cuando escuché sobre esta adaptación, me pareció acertado que eligieran el formato de serie, considerando la complejidad y la cantidad de eventos narrados en la historia de Macondo.

Sin embargo, también tenía curiosidad por ver cómo resolverían algunas escenas descritas en el libro que, hoy en día, serían controvertidas, como el romance entre la adolescente Remedios y el coronel Aureliano Buendía.

NO ESTÁ MAL

Luego de ver los ocho capítulos de la serie, debo señalar que el resultado no está mal. Es una serie entretenida y que intenta ser fiel a los eventos narrados en el libro.

Parece que los creadores evitaron generar controversias optando por una adaptación literal, incluso tratando como fantasía aquello que García Márquez construyó con poesía.

¿Por qué arriesgarse, si muchos ya esperaban el estreno con la intención de criticar cualquier licencia creativa? Así que optaron por un camino seguro, adaptando sin interpretaciones lo que está en el texto original.

HAY BUENOS CAPÍTULOS

Lo mejor de la serie se encuentra en los capítulos cuatro, cinco y seis, dirigidos por Laura Mora, ganadora de la Concha de Oro del Festival de San Sebastián por su película Los reyes del mundo (disponible en Netflix).

En estos episodios se narran la locura de José Arcadio Buendía, fundador de Macondo; la muerte de Remedios y la caída en desgracia de Arcadio.

Aquí destaca el trabajo actoral, especialmente en la escena donde Úrsula Iguarán regresa de viaje y encuentra a su marido atado a un árbol. El silencio en esta secuencia es fundamental, potenciado por una notable fotografía. Esa toma quedó particularmente bien lograda.

Además las historias controvertidas adaptadas en estos episodios se desarrollan con respeto y sin morbo.

También, hay que resaltar el nivel técnico de la producción: es excelente. Los interiores están llenos de detalles —paredes, mesas— y los exteriores muestran cómo Macondo evoluciona a lo largo de la historia. Se percibe un lugar colorido, verde, pueblerino y limpio, acorde con el desarrollo narrativo.

LA VOZ EN OFF

No me convenció la voz en off en Cien años de soledad. En ocasiones remarcaba lo obvio de las escenas y, en otras, subrayaba emociones que pudieron transmitirse mejor con diálogos o actuaciones.

En algunos momentos, esta narración parecía tomar más protagonismo que los propios actores. Por fortuna, su uso se dosifica a medida que avanza la serie.

También hubo interpretaciones limitadas o básicas, y algunas escenas recordaban a una telenovela, con silencios largos y miradas hacia la cámara que rompían el ritmo.

LA ESENCIA

Respecto a si la esencia de García Márquez está presente en la serie, eso depende de cada espectador. Personalmente, imaginaba los personajes de cierta forma, y quizás otros lectores los vieron otra perspectiva y producción los representa de otra manera. Es algo subjetivo; cada lector tiene su propia percepción de Cien años de soledad.

Adaptar literatura al cine o a la televisión no es tarea fácil, sobre todo cuando las obras están construidas con figuras literarias y metáforas. Es diferente cuando los textos son más directos y narran una historia puntual, como El padrino de Mario Puzo.

En ese caso, el 90% del libro está en la película, pero la obra de Francis Ford Coppola es superior al texto original. Esto no ocurre con obras poéticas o cargadas de simbolismo, donde es difícil trasladar las sensaciones del escritor a la pantalla.

Algo personal. Cuando veo una película por el libro, no espero la adaptación literal de la esencia de la obra, sino que se respete su historia, personajes o locaciones. Me molesta cuando la obra se va por otro camino dejando atrás las ideas del escritor.

REALISMO MÁGICO LITERAL

En el caso de Cien años de soledad, la serie logra una aproximación fiel al texto de García Márquez e intenta adaptar su realismo mágico de manera más literal que interpretativa.

Con sus limitaciones, la serie cumple y demuestra respeto hacia la obra del autor colombiano, esforzándose por sacar adelante esta historia monumental.

Lo más importante es que esta serie motive a las nuevas generaciones a leer el libro, descubrirlo y disfrutarlo desde su propia perspectiva.

Jurado Nro 2: Crítica a la película de Clint Eastwood

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Por una razón que aún no se conoce Warner decidió apenas estrenar Jurado Nro 2 en unos cines de Estados Unidos y luego venderla online. Luego se pondrá a disposición del público en Max a partir del 20 de diciembre.

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Decimos que esta decisión fue extraña porque la película es muy buena. La crítica la alabó y al público le gustó a tal punto que acudió a los cines a verla y actualmente lidera las ventas online.

Entonces qué pasó. Por qué Warner no le tuvo fe. No lo sabemos.

Recordemos que esta película se anunció como la última en la filmografía de Clint Eastwood y esto llamó la atención de los cinéfilos. Sin embargo, es muy posible que no sea la final y que Jurado Nro 2 sea una muestra de la vitalidad de este director de 94 años.

La película sigue una premisa muy sencilla. El responsable de la muerte de una joven es elegido como jurado en un juicio iniciado por este caso.

Cómo es posible este suceso. Pues hasta en los sistemas de justicia que presumen perfección como la norteamericana sucede y en la película vemos como el verdadero culpable está observando todo el juicio como si nada le pudiera pasar, sin ningún remordimiento de enviar a otro en su lugar a la cárcel.

EL ESTILO EASTWOOD

Las películas de Clint Eastwood van directo al grano. Desde los primeros cinco minutos sabemos de qué trata y con mucha sencillez, apoyado en los diálogos e interpretaciones, se va desarrollando esta trama atrapante.

Hay una clara alusión a Doce hombres sin piedad de 1957 en que el protagonista intenta disuadir al resto de jurados de anular el juicio o declarar inocente al supuesto culpable.

Aunque hay un evidente conflicto moral en el personaje central este no está dispuesto a sacrificarse y entregarse a la justicia porque hay una razón poderosa: su familia. No puede darse el lujo de perder su libertad más aún con la llegada de su hijo.

Tiene clara su meta y en ese sentido es muy astuto. Es un personaje con nervio, humano, pero muy inteligente.

Sin embargo, no es el único con conflictos morales. Sino también la fiscal a cargo de caso.

Para ella este juicio no es uno más, sino la posibilidad de convertirse en la fiscal del distrito, y aunque le advierten de los vicios del proceso parece hacer de oídos sordos ya que al igual que el verdadero responsable de la muerte de esta mujer, sus motivaciones son igual de fuertes.

Por eso es que cuando se da cuenta, ya es demasiado tarde.

Jurado Nro 2 lleva la marca Eastwood a lo largo de la película. Juega mucho con la moralidad de los personajes, utiliza música apenas perceptible para no sobresalir en las escenas y dirige actuaciones importantes como la de Nicholas Hoult y Toni Collette.

Sus finales apuntan a ser más prácticos, controvertidos, que reflexivos o moralistas.

Esta es una muy buena película, con un estilo de los ’90 o de inicios del siglo XXI, que hubiera dominado las conversaciones en la temporada de premios. Altamente recomendable.

 

Emilia Pérez: crítica a la película de Selena Gómez y Zoe Saldaña

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ACTUALIZACIÓN 23/10/2024

Emilia Pérez logró dos premios en la última edición del Festival de Cannes y que Netflix la comprara para distribuirla en cines y su plataforma en Estados Unidos.

La crítica subrayó la película y alabó el trabajo de sus actrices. Mientras los expertos la colocaron como una de las principales apuestas para el Oscar de esta temporada. (Finalmente logró 13 candidaturas al premio de la Academia).

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Las expectativas se elevaron al tope con este bagaje. Cuando las expectativas están altas el cinéfilo espera una obra suprema, sin vicios ni errores. En otras palabras, una buena película.

Al verla no entendí porque recibió tanto reconocimiento. No es una mala película, pero tampoco es extraordinaria.

No me llamó la atención la historia. Emilia Pérez trata de un narcotraficante que se transforma en mujer, es decir, se convierte en una mujer trans, para evadir la justicia y a sus enemigos. Por cierto, esta película es un musical.

¿UNA PELÍCULA O TELENOVELA?

Pero lo que no me cuadra es que este filme dirigido por el francés Jacques Audiard es que a través de esa transformación física, también se plantea un cambio moral.

Es decir que este terrible narcotraficante parece encontrar en esta renovación física una oportunidad para hacer el bien y redimir el mal que ha hecho a muchas personas.

Entonces la película parece más una telenovela que intenta llamar a la reflexión y que juega con esa transformación física para confundir y generar humor con el resto de personajes.

Esta redención se cierra con un final que eleva a los altares a este narcotraficante. Es como si la película nos quisiera decir, de una manera muy simple, que hagamos un cambio de 360 grados para sanar nuestros pecados.

De alguna manera el filme sale de la fórmula de la historia del narcotraficante violento y vengativo, para mostrarnos una historia más positiva y optimista.

EL CASO SELENA GÓMEZ

Por otro lado, el trabajo de Zoe Saldaña es bueno. Su rostro dice mucho. Hay angustia, cansancio y, por momentos, optimismo. Además tiene un buen número musical con el tema «El mal».

La crítica también alabó el trabajo de Selena Gómez. Incluso aparece como una de las favoritas a conseguir su primera nominación al Oscar por este trabajo. Pero con su interpretación tengo un problema: su español.

La mayor parte de la película se habla en español latino y Selena Gómez dialoga con un español básico. Se siente como «una gringa intentando comunicarse en algún país de latinoamérica».

Entonces la película no aclara si este personaje viene de Estados Unidos y establece esta forma de comunicación en México, o es que simplemente Selena Gómez y el director se arriesgaron y presentaron de esta manera al personaje.

Pero si dejamos de lado el diálogo, la interpretación de Gómez no es mala. Tiene buenos momentos dramáticos, sin embargo, su pronunciación del español sobresale y esconde su trabajo.

También hay que recordar que a Ana de Armas la criticaron por su inglés al interpretar a Marilyn Monroe y lo mismo pasó con el actor Wagner Moura al personificar a Pablo Escobar.

Pese a ello Emilia Pérez ha seguido avanzando en la temporada de premios y parece que será una de las animadoras de la temporada. Aunque a unos no nos guste. (Se confirmó que es una de las animadoras de esta temporada de premios).

El pingüino: Crítica a la serie de Max

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Uno de los estrenos interesantes de este año ha sido El pingüino basada en uno de los villanos más populares del mundo Batman.

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Esta historia se construye a partir del personaje presentado en la película The Batman del 2022, interpretado por el buen actor Collin Farrell, completamente irreconocible detrás de un maquillaje que le daba un aspecto desagradable a este antagónico.

La serie de Max apuntó ahondar en los orígenes de este personaje y la construcción de su imperio en Ciudad Gótica.

Tiene un estilo a esas series de mafia en que el protagonista empieza vulnerable, pero conforme pasan los capítulos toma decisiones duras y va encaminándose a obtener su cuota de poder en el hampa.

Así parece funcionar esta serie. El pingüino parece vulnerable y sumiso, sin embargo en el primer capítulo observamos no tener problemas de pasar por encima de todos para alcanzar su objetivo.

Queda claro que es un psicópata, sin embargo hay tramos en que la serie parece blanquear el personaje, es decir, construir cierta conexión para que la audiencia se identifique con él.

Sin embargo, en el episodio final queda claro que es un villano en toda la extensión de la palabra. Toma una decisión controvertida que le da coherencia a la serie.

Personalmente nunca me han gustado esas decisiones de redimir a los villanos para agradar a cierto sector de la audiencia. Prefiero ver malos o malas desde el inicio hasta el final y que mueran en su ley. Ir al contrario le resta credibilidad a la historia y al personaje.

Sin embargo, los creadores de esta serie toman una buena decisión y que ha resultado agradable al público.

La serie tiene buenos capítulos, por lo menos los finales, sin embargo, hay saltos temporales en que pone a tierra el clímax que va creándose en la historia. Pero hacia el final El pingüino termina muy bien.

Esta es una de las mejores series relacionado al mundo de los superhéroes del año. Altamente recomendable.

Cónclave: Crítica a la película de Edward Berger

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Cónclave es una película interesante que no te deja indiferente. El final de esta película podría parecer absurda, pero al profundizar un poco más en su propuesta podría tener sentido.

De qué trata.

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Pues como su nombre lo señala se trata de un cónclave convocado para elegir al nuevo Papa. Está basada en el libro del mismo nombre escrito por Robert Harris.

La elección del heredero no es nada santa. Hay bandos conspirando planes para ganar el papado. Incluso jugadas terrenales y corruptas para dejar atrás al rival de turno.

También es cierto que la elección imita la polarización actual entre derechas e izquierdas cada uno pugnando desde sus sitios por una cuota de poder, añadiendo episodios que favorecen tanto una como la otra.

«No se puede ser centrista», dice uno de los personajes y parece una frase que calza bien en los tiempos actuales en que piden a cualquier ciudadano tener una posición sobre algo o alguien.

¿MANIPULACIÓN?

Lo interesante es como el gran elector, el cardenal elegido para organizar el cónclave y llevarlo de la mejor manera posible, encausa sutilmente las preferencias de los cardenales.

Desde el inicio se plantean las creencias de este personaje y se le atribuye honestidad y coherencia en sus actos. Entonces guiado por estos rasgos de personalidad es que obra y toma decisiones difíciles.

Hay dos momentos claves donde interviene con dos preferidos del cónclave e influye en la elección del nuevo papa.

Al observar el papel de este personaje uno piensa por un momento que está manipulándolo todo para favorecer a su bando, porque lo tiene, o para beneficiarse.

ESE FINAL

Sin embargo el final otorga otra perspectiva.

Ese epílogo también confunde, no en el mal sentido, sino que viene con un giro final completamente inesperado e incluso absurdo. Es como si se tirara abajo todo lo construido en la película.

Sin embargo tiene sentido cuando lo conectamos con el discurso inicial del gran elector pronunciado al inicio del cónclave al hablar de la certeza y la duda.

Ese diálogo define al protagonista y por eso es que actúa como actúa cuando enfrenta a dos favoritos de los cardenales.

Luego hace lo mismo con el papa electo. En ese caso deja que la duda se mantenga y haga lo suyo: dejar preguntas en el aire y crear mitos que muchas veces sostienen las sociedades.

Interesante propuesta de Edward Berger, recientemente conocido por su trabajo al mando de Sin novedad en el frente, película de Netflix, que apunta a tejer con mucha paciencia una elección supuestamente celestial, pero con muchos matices mundanos.