Gladiador II: Crítica a la película de Ridley Scott

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Gladiador II es un espectáculo. Uno bueno, por cierto.

Cuando anunciaron la secuela de la película protagonizada por Russell Crowe en el 2000 me puse a pensar en la historia que podrían trabajar en esta segunda parte, y aunque hay ciertos tramos en que este filme funciona como un homenaje, la mayor parte tiene alma propia.

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Es cierto que Ridley Scott se deja llevar y propone detalles increíbles como tiburones en el coliseo romano o monos completamente descontrolados, pero igual funciona porque su propuesta busca entretener a las audiencias y no dar una clase de historia.

Quizás estas licencias motiven al público a indagar un poco más en los libros y sacar sus propias conclusiones, pero como historia de entretenimiento y espectáculo funciona bien.

La secuela también parece una oportunidad para concretar el sueño de Máximo: sacar del caos a Roma y construir un gobierno más estable y justo, apartado del exceso de sus gobernantes.

Así lo que inicia como una venganza termina por enrrumbar hacia un gobierno más democrático y abierto a resolver las necesidades de las masas.

Sobre las actuaciones, Paul Mescal está bien al igual que Denzel Washington, pero nada sobresaliente, más bien son interpretaciones correctas y construidas para dar un mejor espectáculo a las audiencias.

Como mencionamos al inicio el homenaje a Gladiador I está presente a lo largo de la película. Hay escenas que se parecen a la primera película.

Con todo ello Gladiador II es una interesante propuesta para pasarla bien en el cine. Si entretenimiento quieren, entretenimiento tendrán con esta película.

 

Wicked: Crítica al musical de Ariana Grande

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Wicked es una película musical protagonizada por Cynthia Erivo y la cantante Ariana Grande. Esta es una adaptación de una obra musical estrenada el 2003.

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La película cuenta la historia de la Bruja Mala del Oeste en la Tierra de Oz. Si vieron el clásico El mago de Oz, entonces estos hechos son anteriores a esta película de 1939.

Pero para quienes no conocen este filme, y para hacerlo sencillo, Wicked presenta los orígenes de esta villana en un relato dividido en dos partes. La primera se estrenó este año y la segunda llegará el 2025.

Qué podemos decir de este musical.

Pues que es una película musical clásica que por momentos, principalmente, en la mitad se hace larga. Aunque ofrece un final contundente.

No hay muchas coreografías ni presentaciones musicales para destacar. Es una obra correcta sin caer en mucho riesgo.

Se pierde el tiempo en profundizar en una amistad forzada que al final no tiene mucho sentido. Se supone que contamos los orígenes de una villana, pero la antagónica parece otra.

No obstante, ese momento se aprovecha para hablar del rechazo a las minorías y sus diferencias, una idea bastante tocada en el cine de Hollywood.

UN BUEN FINAL

No obstante, el epílogo es muy bueno. No podemos negar que la presentación del clásico Desafiando la gravedad (Defying Gravity) interpretado por las actrices protagonistas es excelente. Hay buena actuación y un despliegue de talento vocal.

A ello se suma una buen nivel técnico. Parece que la producción se esforzó más por este momento ya que incluso la mejor fotografía de la cinta está reservada para esta escena. A lo largo de la cinta se observan tomas demasiado blancas; no se sentía el efecto de la luz natural.

EL CASO ARIANA GRANDE

Llama la atención el caso de Ariana Grande. No había dudas sobre su voz, pero su interpretación actoral ha sido una sorpresa. Se mueve muy bien en la comedia y no se nota alguna limitación al momento de interpretar este papel.

Algunos expertos en Hollywood hablan de una nominación al Oscar a mejor actriz secundaria por este papel y no sería una sorpresa que consiga su primera candidatura al premio de la Academia.

Por el resto, la película es un musical clásico que seguramente gustará a los seguidores de Wicked y los musicales. Para los demás mortales probablemente los deje indiferentes.

Kinra: Crítica a la película de la película de Marco Panatonic

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Kinra se aparta del molde de las películas rodadas en regiones del Perú, que suelen retratar las problemáticas sociales con un tono de denuncia pesimista. Este filme cusqueño opta por un enfoque diferente.

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La historia sigue a Atoqcha, un joven de una comunidad campesina que llega a la ciudad de Cusco en busca de oportunidades laborales y educativas. Sin embargo, su camino está lleno de obstáculos. Uno de los más significativos es no contar con su partida de nacimiento, un documento indispensable para obtener el DNI, un problema que aún afecta a miles de peruanos.

Lo interesante es que, lejos de caer en el drama, Atoqcha enfrenta sus dificultades con creatividad y el ingenio característico del «criollismo» peruano. Su evolución a lo largo del filme es evidente, mostrando cómo enfrenta los desafíos con optimismo y determinación. Esto da lugar a momentos memorables y hasta cómicos, como la escena del techamiento, llena de humor y camaradería.

UN PERÚ DISTINTO

Kinra también se distingue por retratar un Perú distinto al que suele mostrarse en el exterior. No es el país del “milagro económico” ni del crecimiento vertiginoso. Es un Perú rural, de construcciones grises y sin revestimientos, donde las oportunidades son limitadas para quienes viven lejos de las grandes ciudades.

Atoqcha no la tiene fácil, pero su ímpetu por cambiar su destino es más fuerte. Su viaje refleja el deseo de construir un futuro diferente al de sus padres, aunque el final queda abierto a la interpretación: ¿es un regreso a las raíces o una rendición ante un país que lo ignora?

El elenco de actores realiza una interpretación destacable, aportando naturalidad y credibilidad a la historia. Las tomas de la comunidad y de la ciudad de Cusco son hermosas y reveladoras, especialmente la escena en la que Atoqcha ingresa a la universidad, cargada de simbolismo.

Además, la película permite conocer mejor los hábitos y costumbres de las comunidades rurales, como la escena del techamiento, donde se mezcla tradición y gastronomía en un ambiente festivo.

En resumen, Kinra es una película interesante y novedosa que muestra un Perú real y poco explorado, un Perú que existe pero que a menudo permanece oculto a los ojos de muchos.

Heartstopper: Crítica a la serie con Joe Locke

La tercera temporada de Heartstopper pone el foco en la salud mental, destacando el trastorno alimentario de Charlie (Joe Locke), una preocupación constante para su novio Nick (Kit Connor) y su familia.

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Lo interesante de este tramo de la historia es cómo aborda el tema con sensibilidad, brindándole el espacio que merece para mostrar las consecuencias de esta enfermedad.

A lo largo de la temporada, los personajes secundarios se ven llevados al límite, sintiéndose impotentes al no poder ayudar eficazmente a Charlie.

El tratamiento de una enfermedad mental no es sencillo ni se soluciona únicamente con apoyo emocional. La serie deja claro que es necesaria la intervención profesional para que el paciente pueda mejorar, y lo hace sin restarle importancia al optimismo que caracteriza a Heartstopper.

El final de la temporada es particularmente intrigante. Aunque Charlie muestra una evolución positiva, aún no enfrenta su mayor reto: la posible separación de Nick, quien está considerando estudiar lejos.

Las ambiciones de Nick comienzan a surgir, junto con sus dudas, ya que el camino hacia su futuro podría significar un quiebre en la relación. La tercera temporada cierra con esa pregunta en el aire: ¿podrá Charlie superar la decisión de su novio?

Si bien parece que Charlie ha logrado cierto control sobre su trastorno alimentario, surge la duda sobre qué pasará cuando enfrente situaciones traumáticas, como la partida de alguien clave en su proceso de recuperación.

Es interesante pensar cómo la cuarta temporada abordará este dilema.

Por otro lado, los personajes secundarios también enfrentan sus propios desafíos, resolviéndolos a través del diálogo y la confrontación, sin quitarles protagonismo a los personajes principales.

Heartstopper se mantiene fiel a su tono optimista, pero eso no le impide tratar temas complejos. Lo hace de manera profunda, evitando soluciones simplistas y manteniendo el equilibrio entre el drama y la esperanza.

Robot Salvaje: Crítica a la nueva película de Dreamworks

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La animación de los últimos años nos ofrece historias contundentes, como la de Robot Salvaje. Los mismos creadores de Shrek, El gato con botas y la trilogía de Cómo entrenar a tu dragón presentan esta nueva historia de maternidad, solidaridad y valentía en la pantalla grande.

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Una robot llamada Roz se ve en la obligación de criar a un pato en una isla salvaje. Durante esta misión, no solo aprenderá a ser una madre sustituta, sino también a reconocer sus propias emociones.

El personaje central experimenta una evolución que se desarrolla de manera sencilla, lúdica y divertida.

En el tramo final, la película añade una dosis de adrenalina, elevándose a un clímax inesperado.

La aparición de un personaje antagónico contribuye a cerrar de manera notable esta excelente cinta de animación.

Este epilogo obliga a los personajes secundarios a crecer y encontrar su propósito dentro de la historia.

Además, se destacan las bellas escenas ilustradas que enriquecen la narrativa de Robot Salvaje, como aquella en la que los patos migran o cuando Roz descubre la fragilidad y el color de las mariposas.

Los colores y la iluminación contribuyen a resaltar mejor la misión de Roz.

UNA FÓRMULA CONOCIDA

De alguna manera, vuelven a hacer funcionar la fórmula aplicada en Cómo entrenar a tu dragón.

En esa película, dos personajes completamente diferentes se complementan, hacen un sacrificio, superan sus diferencias y luchan juntos por un objetivo en común. Al final, los dos protagonistas unifican una isla que estaba más centrada en sus prejuicios hacia los dragones que en su propio progreso.

Algo similar ocurre en Robot Salvaje. Aquí, Roz debe demostrar que está dispuesta a sacrificar su naturaleza para adaptarse a una comunidad hosca, incómoda tanto con ella como entre ellos mismos, logrando así una alianza frente a un enemigo común.

La maternidad experimentada por Roz solo es una excusa para reconocer su verdadera misión y dar un paso hacia adelante.

Es, sin duda, una de las mejores cintas animadas del año, y esperemos que no le ocurra lo que pasó con la excelente trilogía Cómo entrenar a tu dragón, que en su momento no recibió el reconocimiento que merecía. Altamente recomendable.

Will y Harper: Crítica al documental de Netflix

Netflix estrenó el documental Will y Harper, que sigue la transición de uno de los mejores amigos del actor Will Ferrell hacia su identidad como mujer transexual.

La película está planteada como un viaje a través de los estados más conservadores de Estados Unidos, con el objetivo de explorar las reacciones de la ciudadanía, plantear preguntas incómodas y, al mismo tiempo, promover la reflexión personal.

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Hollywood a menudo recurre a historias de viajes que permiten a los personajes descubrirse a sí mismos, alcanzando al final una transformación positiva.

Will y Harper sigue este esquema. Will Ferrell aprecia profundamente a su amigo, con quien ha trabajado durante años en cine y televisión, pero no conoce esta nueva faceta de su vida.

Este viaje le brinda la oportunidad de entender mejor su decisión y aprender más sobre lo que implica una transición de género.

Para Harper Steele, guionista ganador del Emmy por Saturday Night Live, el documental también es un momento para abrirse más, enfrentando sus propios desafíos internos en busca de una transición pacífica.

El viaje no solo sirve para la introspección personal, sino también para observar la reacción del público ante la presencia de una mujer transexual.

Aunque el rechazo no es abiertamente hostil, se manifiesta de manera cortés y sutil, como se muestra en una escena grabada en un restaurante de Texas.

La tensión es palpable cuando Harper se encuentra entre un público conservador, con gestos que revelan incomodidad: palabras mal elegidas, miradas esquivas.

Sin embargo, la situación no escala debido a la presencia de Will Ferrell, cuya fama actúa casi como una barrera protectora para su amiga Harper.

En esencia, el documental parece más centrado en el autodescubrimiento y en profundizar sobre el proceso de transición.

Will y Harper es en momentos educativa, y en otros, conmovedora e inspiradora. Sin embargo, la historia está tan bien contada y narrada con tanta sinceridad que es difícil perder el interés.

Joker 2: Crítica a la película de Todd Phillips

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Parece que Todd Phillips quiso presentar un Joker redimido en su secuela, o al menos eso es lo que se percibe al terminar de ver Joker 2, también titulada Joker: Folie à Deux.

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En esta segunda parte, el Joker encuentra en Harley Quinn una oportunidad para amar. Ella llega a su vida seducida por las acciones caóticas del payaso y esa atracción la lleva a iniciar una relación con él.

Los sentimientos de ambos personajes se expresan a través de coloridas escenas musicales.

El Joker parece haber encontrado un propósito en la vida, creyendo en la posibilidad de amar y construir algo nuevo.

¿UN GUASÓN ARREPENTIDO?

Sin embargo, un episodio violento en la cárcel donde está recluido lo desvía de ese camino. Elige la redención: acepta sus pecados, paga sus culpas y busca integrarse de manera útil en la sociedad.

Este giro resulta repentino, ya que todo parecía conducir hacia un desenlace más caótico. No obstante, inesperadamente, el personaje da un giro hacia la redención.

Incluso hay una escena en la que recorre los barrios grises que vimos en la primera película, cargando con la tristeza de un hombre que lleva un gran peso en sus hombros como en la toma inicial de la cinta del 2019.

El final deja entrever que este aparente arrepentimiento es, en realidad, una traición a sus seguidores.

La misma escena violenta que desencadena el triste final del Guasón 2, en la película del 2019 hubiera provocado una reacción desenfrenada. Pero en esta secuela, el protagonista parece estar cansado de la violencia y en cambio pide paz para esta guerra.

¿Está Todd Phillips arrepentido de su creación? ¿Intentaba frenar al personaje?

NO SUPERA A LA PRIMERA

Esta secuela se siente más sencilla que la primera. Aunque tiene buenos momentos técnicos, especialmente en las escenas musicales, no logra superar la fotografía ni la banda sonora de la película original. Estos elementos fueron clave para contar de manera impactante los orígenes del Joker.

La energía de esta segunda entrega parece inferior, sin tener en cuenta el alto estándar que dejó la primera parte.

UNA MALA DECISIÓN HACER UN MUSICAL

Un aspecto controvertido fue la decisión de presentar esta historia como un musical, un género que solo agrada a una minoría. La mayoría de las audiencias no disfruta de películas cantadas, a menos que incluyan temas icónicos o muy conocidos.

Aunque Joaquín Phoenix mantiene un buen nivel de interpretación, no encuentra una base sólida para alcanzar la brillantez y sorpresa que logró en la primera película.

UN FRENO PARA JOKER 2

Joker 2 se siente simple, frustrante, por momentos gris e incoherente. En la primera película había una dirección clara, pero aquí no queda claro si se debía desatar aún más la locura del personaje o refrenarlo para buscar una aceptación social.

Es posible que al concebir esta secuela, Todd Phillips haya dado más importancia a las críticas que al gusto del público y a la verdadera naturaleza del Joker. Quizás lo mejor habría sido cerrar su historia con la película de 2019 y embarcarse en un nuevo proyecto.

Monstruos, La historia de Lyle y Erik Menéndez: crítica a la miniserie

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Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez es la nueva miniserie de Ryan Murphy, conocido creador norteamericano (Glee, American Horror Story) interesado en adaptar potentes casos judiciales para la televisión y en este caso para Netflix.

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En sencillo los hermanos Lyle y Erik Menéndes asesinaron a sus padres en 1989 en Beverly Hills. Ambos fueron sentenciados a cadena perpetua por estos crímenes. Esta pena la vienen cumpliendo en la actualidad.

Monstruos, La historia de Lyle y Erik Menéndez ha levantado polvo por el planteamiento de la historia. No es una simple narración de los hechos, sino que intenta profundizar en los personajes y darle a cada uno de ellos una voz.

LA AUDIENCIA DARÁ SU VEREDICTO

En esta nueva propuesta de Ryan Murphy las víctimas como los victimarios tienen su punto de vista. Aquí podríamos decir que la audiencia funciona como un jurado quienes reciben una cantidad de datos para que dicte su veredicto.

Personalmente la percepción que tengo sobre los criminales es que fueron muchachos frívolos (no fríos), inmaduros, que en ningún repararon en la situación en la que estaban.

Se desenvolvían con tanta torpeza que terminaron jugando en contra de ellos mismos. Es que como si se hubieran juzgado a un par de niños.

Es muy difícil empatizar con estos personajes debido a que su frivolidad termina por socavar sus argumentos de víctimas de sus padres.

Mientras que con las víctimas, sus papás, se les trata con dureza, incluso más con el padre de los muchachos. Queda claro que fue un abusivo, mal esposo, y con una doble vida que da pie a especular sobre su verdadera relación con sus hijos.

PERSONAJES DE CARICATURA

No es una serie violenta como Dahmer, el asesino serial, sino más centrada en las personalidades de los personajes. Ahí la miniserie irrumpe en detalles y los convierte en caricaturas, principalmente, a los dos jóvenes.

Me parece que es una miniserie entretenida, de la que difícilmente se puede sacar lecciones pero que intenta no tomar posiciones, sino que deja a la audiencia dictar su veredicto.

No es un mal producto. Pero si quieren conocer un buen trabajo de Murphy vean American Crimen Story: The People v. O. J. Simpson, el juicio al beisbolista O.J. Simpson que es una demostración de buena dirección e interpretación, y este trabajo mereció muchos premios Emmy. Pueden ver la miniserie en Disney+.