La sustancia: crítica a la película de Demi Moore

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«La Sustancia» es una película impactante y no apta para todos los públicos. Su último acto es especialmente difícil de ver, con imágenes gráficas que requieren un buen estómago. Sin embargo, la película transmite un mensaje claro y directo sobre los peligros de la obsesión por la juventud eterna.

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Protagonizada por Demi Moore y Margaret Qualley, y dirigida por la cineasta francesa Coralie Fargeat, la película narra la historia de una estrella de televisión que lucha por recuperar su juventud perdida para mantenerse relevante en su exitoso programa.

La premisa de La Sustancia es clara: una mujer que, al envejecer, ve cómo se reducen sus oportunidades, por lo que acepta cualquier método que le prometa la juventud eterna.

El problema surge cuando este «remedio» ofrece la solución deseada, pero sin advertir de las terribles consecuencias.

La Sustancia explora el enfrentamiento entre una versión joven y una anciana de la protagonista, rompiendo el equilibrio necesario entre juventud y experiencia.

Cuando ese equilibrio se quiebra, la película exagera los efectos de la obsesión por la eterna juventud, llevando la trama al extremo.

El acto final es una sucesión de imágenes gráficas: sangre, vísceras y líquidos viscosos que no son aptos para todos los públicos. Esto rompen completamente con el tono de la primera mitad de la película.

La historia parece buscar reflejar cómo la obsesión por la juventud puede llevar a la locura, donde no existe la posibilidad de un final feliz o agridulce, solo una pérdida total de la racionalidad.

LO QUE NO ES LA SUSTANCIA

Es importante destacar que La Sustancia se centra en la lucha interna de la protagonista, entre su versión joven y anciana. No en criticar las presiones sociales que impulsan a las mujeres a recurrir a métodos extremos para verse jóvenes, incluso en las etapas finales de sus vidas.

El tema principal de la película es retratar la locura que puede desatar la búsqueda de la belleza eterna.

El final de la película me hizo recordar a la comedia, La muerte le sienta bien de 1992, protagonizada por Meryl Streep, Bruce Willis y Goldie Hawn. La cinta tiene la misma premisa, aunque esta va más por el camino de la diversión.

El trabajo de Demi Moore es especialmente destacable, interpretando a una mujer desesperada por verse cada vez más joven.

Hay escenas donde su frustración frente al espejo muestra a un personaje vulnerable, incapaz de mantener el equilibrio emocional.

La película ganó el premio al Mejor Guion en el Festival de Cannes. Esto confirma su enfoque original e interesante, aunque no apto para todos los espectadores.

No hables con extraños: crítica a la película de terror

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No hables con extraños es una película de terror psicológico que nos dice que desconfiemos de la perfección y la sonrisa halagadora.

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Inspirada en la película danesa del mismo nombre, esta propuesta norteamericana cuenta la historia de una pareja que conocen a otra en unas vacaciones realizadas en Italia.

Hay una química inmediata, gracias a Paddy quien parece ser una persona demasiado agradable y bien intencionada. La perfección masculina en escena.

Bien dicen que los mayores no siempre hacen caso de lo que predican y terminan aceptando la invitación de estos extraños a pasar un fin de semana entero en su casa en Italia.

¿Quién acepta esta invitación de gente que recién conocen? Pues gente ingenua estimulada por el primer contacto y en esa primera impresión Paddy hace muy bien su papel.

La película te va soltando de a pocos lo que en verdad está sucediendo con Paddy, su esposa e hijo.

Al inicio da la impresión que los paranoicos son los invitados y no los huéspedes. Parece una película de problemas de parejas más que de terror.

Sin embargo hacia el final suelta todo y lo ejecuta bien. Con una tensión dosificada y uniendo todas las pistas sembradas a lo largo de la película.

CAMBIAN LOS ROLES FEMENINOS

Lo interesante, como ha venido sucediendo en películas como Tornado y Alien: Romulus, es que los personajes femeninos terminan por resolver la historia.

El epílogo cede protagonismo a madre e hija quienes terminan salvando a su familia. De esta manera estas cintas están dando otra mirada a los roles femeninos. Estos anteriormente esperaban al hombre para resolver el conflicto, ahora es al revés.

Otro punto importante de la película es la interpretación de James McAvoy, a quien vimos protagonizando Fragmentado y personificando a un joven profesor X en X-Men. El actor, en el papel de Paddy, trabaja bien sus gestos, miradas e incluso su cuerpo.

Ofrece el papel de un villano relajado, por momentos, divertido, y violento.

No hables con extraños cuenta con todos los ingredientes necesarios para entretener como una película de terror. No es violenta, ni mucho menos sangrienta, sino sutil para armar el rompecabezas de esta historia.

Beetlejuice 2: Crítica a la película con Jenna Ortega

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Beetlejuice 2 es una película divertida. No tenía muchas expectativas sobre esta secuela dirigida por Tim Burton, pero las críticas escritas desde el Festival de Venecia, primer espacio en que fue estrenada al público, me animaron a verla en el cine. En realidad es una cinta entretenida.

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Es una cinta imperfecta, tiene sus fallas. Pero su objetivo va más por revivir este éxito de los ’90 y entretener a las audiencias.

Comparándola con la primera película, puedo decir que esta secuela está un poquito mejor.

En Beetlejuice 2 se trabaja un poco más las motivaciones de los personajes. En esta segunda parte, las protagonistas son Lydia (Wynona Rider) y Astrid (Jenna Ortega), madre e hija, separadas por la muerte del padre.

Sin embargo este contacto con el más allá será una oportunidad para estrechar nuevamente lazos e intentar reparar la familia, con la ausencia del progenitor.

UNA AUSENCIA CREATIVA

Una decisión creativa en esta película es cómo incluyeron al personaje del padre de Lydia, interpretado por el actor Jeffrey Jones en la primera Beetljuice.

Este actor no aparece en la cinta debido a que fue acusado por posesión de pornografía infantil y registrado como agresor sexual. Entonces por obvias razones se prescindió de su presencia en esta película.

Más no de su personaje.

Y la forma cómo resolvieron este «inconveniente» fue bastante creativo. No se trató de darle una muerte y recordarlo, sino que tiene presencia a lo largo de la cinta y protagoniza una línea secundaria que le da más diversión a la historia.

LA MUERTE PARA TIM BURTON

Otro detalle que se mantiene en las dos Beetljuice es el punto de vista de Tim Burton sobre la muerte. Es que para el director el más allá es divertido y una oportunidad para tomarse licencias.

Pero también señala que uno queda como congelado en una escena, si la muerte es traumática. Y no hay «descanse en paz», si el fallecimiento fue accidental. Así que esta situación es una oportunidad para resolver y saldar cuentas pendientes.

En general, la película quedó bien para los objetivos que fue creada. Así que buscarle tres pies al gato, no tiene sentido. Siéntese en el cine, como pop corn y gaseosa y goce de esta nueva aventura de Tim Burton.

Alien Romulus: Crítica a la nueva película de la franquicia

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Alien: Romulus refresca la franquicia y se queda en lo básico, con algunos toques de la fórmula inicial para captar nuevamente el interés de las audiencias.

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En esta película dirigida por Fede Álvarez no hay nada nuevo, exceptuando el final en que se intenta incluir una nueva propuesta de alien que queda un poco raro.

Para que conozcan un poco el trabajo de Fede Álvarez tenemos que decir que es un director uruguayo. Su trabajo está más ligado al terror. Hizo películas como Posesión Infernal y la buena cinta No respires (también hay una segunda parte)

En su nuevo planteamiento para alien vemos nuevamente un personaje femenino fuerte que hace gala de sus dotes de supervivencia hacia el epílogo de la historia.

También el personaje varón desubicado que vive en un constante episodio de adrenalina gritando incoherencias y retando a la fuerza alienígena.

No faltaron los aliens rompiendo costillas y vientres, así como la abrupta salida de escape para que el extraterrestre salga disparado de la nave. O la boca amenazante del extraterrestre acercándose a la mujer en peligro.

EL FACTOR ANDROIDE

Del mismo modo el androide cumple un papel ambiguo como ha ocurrido en casi todas las películas de la franquicia.

En este caso parece un aliado humano, pero en cada reinicio de su sistema se transforma en un ser frío, carente de emociones y lealtad, que está al servicio de un objetivo corporativo.

Esto me hace pensar que el enemigo no necesariamente son los terribles extraterrestres, sino los tripulantes de la nave quienes en un afán experimentador no miden sus límites y quedan presos en estas pruebas de ensayo espaciales.

Por lo menos la primera parte de Alien: Romulus está bien. Pero cuando ingresa hacia el final se presenta una propuesta rara de alienígena evolucionado que probablemente volverán a repetirlas en las siguientes películas.

Ese momento de la película se sintió extraña. Aplicando la fórmula se construía un camino interesante. Sin embargo, el ingreso de este elemento no termina de cuajar.

Pero en general la cinta es muy entretenida. Se parece por lo menos a las dos primeras películas de la franquicia, estrenadas por la década de los 80. No tengan dudas que gracias a la buena recepción en la taquilla se vendrán nuevas secuelas en los siguientes años.

 

Reinas: Crítica a la película de Klaudia Reynicke

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Reinas de Klaudia Reynicke cuenta la historia de Carlos, un joven padre que intenta acercarse a sus dos hijas en momentos en que están preparándose para abandonar el Perú obligadas por la crisis económica y la presencia terrorista de Sendero Luminoso en el país.

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En la primera parte de la película observamos a Carlos intentando acercarse a sus pequeñas accediendo a sus caprichos.

La estrategia no es nueva. A este joven padre le conviene acceder a los requerimientos de sus hijas, convertirse en su cómplice y ganar algunas sonrisas.

Sin embargo esta falsa ilusión, este momento engañoso, hace creer a los tres que es posible vivir juntos como la familia que probablemente inventaron en sus cabezas.

Por eso es que el viaje para escapar de la falta de dinero y los ataques terroristas está en peligro. Por lo menos dos de los protagonistas asumen que viviendo juntos serán felices y podrán compensar los años perdidos.

UNA HISTORIA SUTIL

Pero para poner sus pies en la tierra aparece el factor terrorismo. Este que se cuenta con mucha sutileza y efectividad en la película. Quizás sea lo más novedoso e interesante que se retrata en Reinas.

Para los que vivieron esa época esta narración es un viaje en el tiempo por aquellos años de toque de queda impuesto para salvaguardar la vida en las casas. O los apagones provocados por Sendero Luminoso en momentos inoportunos. Incluso los montones de intis entregados para recibir unos cuántos dólares de los cambistas.

Fueron momentos dolorosos, aún en nuestra memoria, que hoy parecen risibles, pero que en su momento motivaron a muchos peruanos dejar su país en busca de un mejor bienestar.

Es este factor lo que hace aterrizar a padre e hijas y los empuja a tomar una decisión final. No obstante el acuerdo previsible, los personajes crecen y, pese a las pocas vivencias, parecen terminar esta historia más conectados y perdonados que al principio.

Reinas pudo haber sido una historia más de un padre reconciliándose con sus hijas, pero creo que la narración de una época oscura para el Perú eleva la película y la hace más interesante, por momentos entretenida, e incluso reflexiva.

Vale la pena dar una mirada a esta buena película y recordar en el cine aquellos tiempos que quedaron atrás, pero que están bien presentes en nuestros días.

Tatuajes en la memoria: Crítica a la película de Luis Llosa

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El director, Luis Llosa, adaptó al cine el libro de Lurgio Gavilán, Memorias de un Soldado Desconocido, bajo el nombre de Tatuajes en la Memoria.

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Con el guion del premio nobel de Literatura, Mario Vargas Llosa, la película cuenta la increíble historia de Lurgio, un joven que siguió a Sendero Luminoso, luego fue capturado por el Ejército Peruano y asimilado a sus filas. Salió de esta institución y se convirtió en un sacerdote franciscano. Finalmente, con grado académico de doctor, terminó ejerciendo la docencia en la Universidad de Huamanga.

Había un buen material para rodar un peliculón, sin embargo Tatuajes en la Memoria quedó a medio camino.

ACTUACIONES Y PRISAS

Hay un problema en las actuaciones. El corazón de toda película son sus interpretaciones porque el trabajo de los actores nos hacen creer las historias, incluso estas se desarrollen con presupuestos mínimos.

En este caso no hay fuerza en las interpretaciones. Se notan sus limitaciones, salvo aquellos con experiencia cuyos papeles son más anecdóticos que relevantes.

Otro problema es que hacia el final de la película corre rápido. Se cierra la historia con mucha prisa y eso se nota.

UN POCO INTERESANTE

La primera parte parece interesante y es la que se dedica más tiempo. Esta está enfocada en el paso de Lurgio por Sendero Luminoso, pero no por convicción, sino por estar con su hermano, luego de la muerte de sus padres.

Este momento se aprovechó para graficar el extremismo y las contradicciones de esta organización. Ellos eran frontales con los militares y pobladores, pero también con su misma gente a quienes trataban con mucha dureza.

A Lurgio solo se le ve como testigo de este triste episodio ya que como mencionamos su objetivo era estar junto a su hermano.

Luego la segunda parte, o redención del personaje, hay una búsqueda del personaje por alejarse de la violencia y encontrar un camino de paz.

Aparentemente la encuentra cuando ejerce el sacerdocio, pero no queda claro, porque la película corre tan rápido hacia el final que este detalle queda en el aire. Más bien quisieron abarcar mucho cuando el tiempo ya se les acababa.

Había un buen material para hacer una película interesante, pero no cuajó bien el producto final.

Ojalá esta sea una buena oportunidad para que la gente lea el libro de Lurgio Gavilán y conozca otro punto de vista de este trágico episodio de la historia del Perú.

La Casa del Dragón: los dragones salvaron la segunda temporada

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La segunda temporada de La Casa del Dragón llegó con grandes expectativas tras el impactante debut de hace dos años, pero el resultado ha sido solo aceptable.

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La audiencia esperaba un espectáculo de mayor envergadura, lo que hizo que el final decepcionara a muchos seguidores. El problema radica en la inevitable comparación con Juego de Tronos. Aunque se insista en que son productos distintos, las conexiones entre ambas series refuerzan estas comparaciones.

La nostalgia por los diálogos memorables y las actuaciones destacadas de las primeras temporadas de Juego de Tronos es palpable. Aquellos inicios, antes de que el fan service dominara la narrativa, se sostenían en interpretaciones sólidas más que en caminantes blancos o dragones.

COMPARACIONES INEVITABLES

Momentos icónicos como «El poder es poder» de Cersei o «El caos es una escalera» de Meñique dejaron una huella que La Casa del Dragón no ha logrado replicar. Sin las peleas de dragones, la serie se siente limitada, plana y, en ocasiones, aburrida.

Las batallas de dragones han sido el salvavidas de la temporada. En especial, la muerte de Rhaenys, uno de los personajes más cautivadores, cuya actuación destacaba por sus sutilezas. Su aparición al final de la primera temporada sigue siendo uno de los momentos más recordados.

LOS FANS NO SIEMPRE TIENEN LA RAZÓN

El resto de los episodios cumple, pero sin deslumbrar. Además, los creadores parecen haber tomado partido, presentando al bando de la reina Rhaenyra como los «buenos» de la historia, algo evidente en la conexión con Daenerys, un personaje muy querido en Juego de Tronos.

Las redes sociales reflejan un claro favoritismo por este bando, y la serie lo refuerza. Sin embargo, complacer demasiado a la fanaticada no garantiza un buen camino, solo algunos «likes» efímeros de una audiencia que podría olvidar la serie rápidamente.

Ojalá la tercera temporada traiga mejoras, aunque sinceramente lo dudo.

Deadpool & Wolverine: A romper la taquilla con el multiverso

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Parece que Deadpool necesita de Wolverine para cerrar esta trilogía iniciada el 2016. La apuesta Deadpool & Wolverine funcionó ya que las proyecciones estiman que esta película cerrará por encima de los mil millones de dólares recaudados a nivel mundial. Las anteriores cerraron en 700 millones de dólares.

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Sin la ayuda de Hugh Jackman quien sabe si hubiera superado la marca de los 700 millones de dólares.

Pero para concretar esta dupla soñada por Deadpool en varias de sus películas echaron mano al multiverso. El multiverso ha caído como anillo al dedo para romper con toda lógica y cumplir los sueños añorados de los fans.

A Hugh Jackman se le dio una buena despedida como Wolverine en Logan, filme que consiguió una nominación al Oscar a mejor guion adaptado el 2017.

Sin embargo cuando el multiverso vino apoderarse de los guiones de las películas de superhéroes se lo trajo de vuelta a este mundo (no es spoiler decir que Wolverine murió en Logan; y de una forma épica).

Pero su regreso fue épico y en esta oportunidad vestido del clásico traje amarillo del personaje. Un servicio perfecto para el fan enamorado de este género.

No podemos negar que la toma donde aparece Hugh Jackman vestido con este traje es perfecta y le cae a pelo.

Pero también es cierto que el multiverso ya no juega a favor de la historia, sino del fan service que hoy apuntala el género de superhéroes.

Por eso es que vimos a los tres hombres arañas en una película o a Flash con el Batman de Michael Keaton. De esta manera el multiverso se ha convertido en una herramienta para el espectáculo.

Un espectáculo nutrido de múltiples cameos de películas que hicieron disfrutar a la generación de los 90, dando una nueva oportunidad a personajes que nos le fue bien ni en la crítica ni en la taquilla.

No hay nada más que agregar, sino que el cine de superhéroes ha sido totalmente entregado al público….y les ha funcionado. Bien por ellos.