Septiembre 5: crítica a la película sobre el ataque en Munich

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Septiembre 5 retrata el ataque terrorista producido en los juegos olímpicos de Munich de 1972 desde el punto de vista de un grupo de periodistas de la cadena televisiva ABC que transmitieron por primera vez en vivo el desarrollo de unas competencias olímpicas.

Desafortunadamente este hito histórico en la televisión norteamericana significó la transmisión de un evento trágico que hasta la fecha se lamenta: el asesinato de 11 atletas y entrenadores israelís, así como un policía alemán, a manos del grupo terrorista Septiembre Negro.

Entonces Septiembre 5, fecha en que ocurrió este ataque, impregna su historia la adrenalina que genera una transmisión de un evento deportivo tan importante como las olimpiadas y la de esta inesperada tragedia.

De esta manera observamos personajes que hablan de prisa, cortes de edición con golpes de puerta o teléfonos, gente corriendo, etc. para transmitir esa sensación de tensión y estrés al espectador. Esto no aminora cuando inician la cobertura del ataque terrorista.

Solo que a esos momentos les agregan diálogos para discutir sobre el conflicto ético que generaría la transmisión en vivo de esa toma de rehenes.

En ese momento los personajes se preguntan si deben continuar su trabajo a favor de la historia periodística o cortarla para no ser cómplices de los terroristas.

PROBLEMAS COMPLEJOS CON RESPUESTAS SENCILLAS

El problema es que esas preguntas éticas se resuelven con mucha facilidad, por ejemplo, echándole la culpa al anfitrión de las olimpiadas por la incursión de terroristas en la villa olímpica de Munich. O recurriendo a opciones técnicas para desacelerar la transmisión en vivo de los eventos.

No hay una profundidad en esos conflictos éticos que hubieran sido interesantes sembrar en las cabezas de los espectadores.

El guion opta por un camino más sencillo para no cortar la adrenalina de una cobertura en vivo.

¿LA CULPA LA TIENE ALEMANIA?

Otro punto es que hay un tufillo de culpabilidad hacia Alemania en varios diálogos.

No solo se recurre a una supuesta incompetencia alemana para responder una de las preguntas éticas, sino que que hay otros momentos, por ejemplo, en que se cuestiona a una traductora alemana, si en verdad no sabían lo que Hitler hacía a los judíos. Y como estas escenas hay varias.

También hay que decir que Septiembre 5 se apoya en tomas antiguas a blanco y negro para recrear esos eventos trágicos.

No hay un reconstrucción cinematográfica de esos momentos. En esas escenas, la película pasa a convertirse en un documental y ahí es donde la adrenalina baja y pierde interés.

No obstante la cinta es interesante. Aporta desde el punto de vista periodístico, pero es un filme que toma una posición. Eso quedo claro y eso tienen que tomar en cuenta al momento de terminar de verla en los cines.

Memorias de un caracol: crítica a la cinta animada

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La tragedia de Grace en Memorias de un caracol (Memoir of a Snail) bien podrían encajar en los contemporáneos relatos sobre resilencia o en la estructura de una tragedia parecida a la de historia bíblica de Job.

Esta cinta animada, usando la técnica de stop motion, cuenta la triste historia de Grace quien convive con la tragedia desde su nacimiento.

Su madre muere cuando nace ella y su mellizo Gilbert. Quedan a cargo de su padre, un artista sumido en la pobreza y depresión, que al morir sella el triste destino de los hermanos.

Ambos son separados y enviados a familias a territorios tan distantes que solo es posible la comunicación por carta.

A partir de este punto hay una sucesión de eventos trágicos que marcan la vida de Grace. Estos la llevan al límite de su paciencia de soportar todas las desgracias enviadas por la vida.

En ese sentido Grace va relatando su historia a un grupo de caracoles que han sido su principal compañía a lo largo de su vida gris.

LOS CARACOLES EN LA PELÍCULA

Los personajes, como ella, adoptan una imagen similar a los caracoles, desde los ojos, hasta las manos (solo tienen cuatro dedos).

Todos son personajes peculiares. Con manías y vicios que no los hacen perfectos, pero sí un poco peculiares.

Mientras que la personalidad de Grace se asemeja a la un caracol que suele esconderse en su caparazón para protegerse de amenazas externas.

Esto tendría sentido hacia el final cuando la muerte de una aliada muy querida la inspiraría a dejar el fondo en que ha caído para renacer y buscar una nueva oportunidad en esta vida.

Memorias de un caracol combina también temas como el fanatismo religioso y el libertinaje extremo, ambos perjudiciales en la crianza de los mellizos.

Aunque parece que la idea es decirnos que por más que hayamos nacido en la oscuridad y sin aparentes oportunidades, siempre habrá una luz en el camino. Una ocasión para renacer y empezar de nuevo, como hacen los caracoles que cuidaba Grace.

No other land: crítica al documental nominado al Oscar

El documental, No other land (No hay otra tierra), nos ofrece otro punto de vista de este eterno conflicto entre Israel y los palestinos de Cisjordania y la franja de Gaza.

La película está dirigida por cuatro activistas que van describiendo el desplazamiento forzado de familias ubicadas en la aldea de Masafer Yatta, una región de Cisjordania.

Con una pequeña cámara Basel Adra, apoyado por el periodista, Yuval Abraham, va retratando desde el 2019 al 2023 el desalojo de estas familias palestinas por parte de soldados israelís quienes amparados en leyes aprobadas en su país, desplazan a la fuerza a estas familias.

Lo importante de este documental es que tiene material de primera mano. No hay mucha discusión que hacer a las imágenes que observamos, ni una edición tendenciosa. Simplemente están los hechos ahí para darnos cuenta que el otro lado de este conflicto también tiene una versión.

Las imágenes son duras. Vemos, por ejemplo, volquetes destruyendo viviendas y hasta un colegio con niños adentro asustados por el desalojo israelí.

Además hay violencia contra hombres que buscan oponerse a este tipo de medidas. La agresión no solo viene de los soldados, sino también de los denominados colonos, israelís que van avanzado con sus construcciones sobre terrenos que ellos consideran propios, pero que los palestinos alegan titularidad.

UNA PELÍCULA VALIENTE

No other land muestra que el avance israelí no se concentra solo en el desalojo y destrucción de las construcciones, sino que los soldados están respirando en la nuca de estas familias para hostigarlos y presionarlos a abandonar por su propia voluntad sus tierras.

Este es un documental valiente, de largo aliento, que tomó muchos años en rodarse y que ayudaría a dar un contexto más completo sobre este conflicto que viene muchas décadas durando entre políticos y religiosos con intereses, dejando en medio a los civiles, principales víctimas de estas consecuencias.

Recuerden que Basel Adra nunca deja de grabar. Ni aunque los soldados lo agreden y tocan a su familia.  Ni siquiera con el riesgo de perder su libertad. Es un muchacho valiente que tiene la esperanza de encontrar un cambio positivo para su gente.

Capitán América: Un nuevo mundo. Crítica a la película de Marvel

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Marvel intenta recuperar terreno perdido con Capitán América: Un nuevo mundo, aunque con Anthony Mackie, en reemplazo de Chris Evans, protagonizando esta historia.

Pero a la película le importa más abordar los orígenes de otro personaje, que hablar sobre el nuevo relevo del Capitán América.

LLEGÓ EL NUEVO

A Falcon lo hemos visto a la largo de las primeras películas del Capitán América y Los vengadores con Chris Evans a la cabeza, solo que ahora el actor Anthony Mackie tiene la oportunidad de lucirse con el traje del héroe máximo de Marvel.

Por eso hay una recomposición completa del universo del Capitán América con nuevos personajes y evidentemente otros actores.

Capitán América: Un nuevo mundo huele mucho al Capitán América y Soldado de Invierno del 2014, una de las mejores películas del universo Marvel.

En aquella película una conspiración fraguada por las élites mundiales busca controlar a todo aquel rebelde contrario a sus planes de dominio mundial.

En esta nueva Capitán América, hay un presidente de los Estados Unidos con un secreto  que genera tensión con otros líderes mundiales.

Para ello es importante que el superhéroe hile fino para juntar las pistas y develar la trama detrás de esta nueva conspiración, aunque tenga pocas habilidades detectivescas. Por esta tarea es que cederá protagonismo a otro personaje.

También se intenta construir el argumento del personaje que no está preparado para llevar ese traje o no estar listo para la misión.

Sin embargo esta premisa queda en el aire, para tomar protagonismo la construcción de un misterio develado hacia el final o para ser más directos aborda los orígenes de un nuevo personaje para el universo Marvel.

De esta manera la cinta avanza hacia la revelación de este secreto con varias de tomas de acción, en unos casos bien coreografiados, y en otros similares a Capitán América y el Soldado de Invierno.

CAPITÁN AMÉRICA O EL HULK ROJO

Por otro lado a esta película le falta malicia. El antagónico no presiona al protagonista a que empuje sus propios límites, como se observó en Capitán América y El Soldado de Invierno. Incluso en aquella película las tomas de acción ponían en verdadera dimensión al villano y colocaban contra las cuerdas al protagonista de la historia.

En cambio aquí el villano solo es un elemento más que ayuda a mantener el misterio del secreto, más no para sacar a lucir sus potencialidades.

Cuando el villano no funciona, entonces el protagonista no crece ni avanza.

El nuevo Capitán América solo una vía para presentar un personaje y un elemento de contención para frenar las consecuencias de esa aparición, más no es protagonista en su propia película.

Esta nueva Capitán América, o bien podría llamarse Cómo Nace El Hulk Rojo, huele a corrección, a dejarte indiferente y pasar la página esperando que llegue una nueva propuesta de Marvel.

 

Érase una vez el oeste: crítica a la serie de Netflix

En Érase una vez el oeste (American Primeval) no hay buenos ni malos. Sino personajes que buscan sobrevivir en un territorio árido, duro y violento.

En ese contexto una madre y su hijo lideran esta historia de hombres dispuestos a correr sangre por salvaguardar sus intereses.

Por un lado, los mormones intentan aferrarse a su tierra con sangre y fuego y eso implica enfrentarse frontalmente contra el gobierno de los Estados Unidos, y los indígenas asentados en tribus en ese territorio.

Por el otro lado hay más hombres viviendo la vida loca con comida, alcohol y mujeres esperando cualquier oportunidad para ser ricos.

En ese escenario esta mujer y su hijo intentan llegar a una lejana localidad para encontrarse con su esposo.

Sin embargo la protagonista tiene un pasado que la hace merecedora de figurar en la lista de las más buscadas del país y eso además la hace acreedora del aprecio de los feroces cazarrecompensas.

Sin embargo, su mirada no está puesta en salvarse de estos mercenarios, sino reencontrarse con su esposo.

A TODOS LES CAE

En ese camino es que probará la violencia pura y dura de ese territorio.

En teoría estos personajes deberían ser protegidos y llevados sin problemas a su meta. Pues en esta serie, no. Aquí sufrirán igual que el resto los rigores de una lucha frontal por defender un pedazo de tierra.

Es precisamente la inocencia e ingenuidad de estos personajes que los lleva a tomar malas decisiones y ponerse a merced de seres sin escrúpulos ni moral, y ello, desafortunadamente, los hace crecer y madurar. De lo contrario, nunca sobrevivirían en ese ambiente.

PARECIDOS Y PANORÁMICAS

Érase una vez el oeste tiene algunos toques de El renacido de Alejandro Gonzales Iñarritu y protagonizada por Leonardo DiCaprio. Eso se observa en el ataque de los mormones a una caravana. La dirección de las cámaras es similar a la primera toma de esa película.

También hay muchas tomas panorámicas para apreciar el paisaje agreste a veces sepultado por la nieve y otras con poca vegetación.

Interesante western que hace un retrato puro y duro de los inicios del viejo oeste, sin romanticismos, ni humor, acaso humor negro para combinar con esta sangrienta historia de poder.

El brutalista: crítica a la película de Adrien Brody

No pretendo que esta crítica sobre El brutalista sea tan extensa como la película.

László Tóth (Adrien Brody) es un arquitecto que llegó a Estados Unidos huyendo de los nazis de Hungría.

En esta tierra tiene la oportunidad de reconstruir su vida, aunque, por el momento, lejos de su esposa y sobrina. No será fácil encaminar su camino en esta tierra de oportunidades. Su historia en El brutalista será de cal y de arena.

En la primera parte de esta película, de tres horas y 40 minutos, este arquitecto intenta adecuarse a su nueva vida, hasta que llega la oportunidad de mostrar su trabajo al millonario, Harrison (Guy Pearce), un hombre culto, directo, controlador y emocionalmente descontrolado.

Entre ambos hay una conexión intelectual y luego, aparentemente, amical. Hay una conexión entre ellos que llevará a sacar adelante un proyecto ambicioso: la construcción de un edificio en homenaje a la mamá de Harrison.

En el momento en que ambos empiezan a coordinar este proyecto saltan a la vista las extravagancias del inversor. Al no tener una idea clara de la construcción, empieza a divagar sobre lo que desea y de alguna manera este detalle nos va describiendo el otro lado de este personaje.

Al final se decide que sea un templo.

La segunda parte de la película viene con el desarrollo de esta construcción, la llegada de la esposa del arquitecto y una controvertida decisión que llevará a El brutalista hacia el final.

La relación entre el arquitecto y millonario va y viene. Hasta que en una incómoda escena donde ambos están alcoholizados, y uno, además, drogado, se da una situación bastante inesperada.

En un callejón oscuro uno parece someter a otro a sus caprichos. Desde ese punto la relación se rompe, el carácter de Laszlo cambia y la obra culmina.

Además termina la transición del sueño a una pesadilla americana.

A TENER EN CUENTA

Hay algunos puntos interesantes de esta película.

Primero que Brady Corbet, director de este filme, oscurece los personajes cuando se trata de dar una mala noticia. Como aquella en que expulsan a Laszlo de una casa. Al portador de la mala nueva se le poco el rostro hasta que se le oscurece por completo.

La otra es que el sexo funciona como liberación o sumisión. No es romántico, sino crudo, incómodo y hasta cruel.

UNA DECISIÓN RARA

Harrison es un personaje engañoso. Amable, pretencioso y buen conversador al inicio. Queda claro que es un hombre con poder y que él lo sabe. Así que la escena donde somete a Laszlo no queda clara.

Aunque quizás quisieron construir una contradicción entre la personalidad del promotor de ese templo y la esencia del templo.

También a lo largo de la película hay muchas referencias a la persecución judía durante le época nazi y su invasión por Europa.

Por momentos la cinta me hizo recordar a El Hilo Fantasma de Paul Thomas Anderson por la música y los momentos en que se libera la creatividad del arquitecto.

BIEN ADRIEN BRODY

El brutalista trae una buena interpretación de Adrien Brody. Este interpreta primero a un personaje con la esperanza de salir adelante en un país desconocido, pero que poco a poco va destruyéndose. Él siente que no encaja. No se le ve cómodo y solo parece estar bien cuando la arquitectura funciona. Cuando su pasión falla, vuelve a caer.

La película es larga, con una buena primera parte. Tiene una destacada fotografía y banda sonora. No obstante el filme puede cansarte y a veces dejarte frío como la arquitectura brutalista.

Compañera perfecta: crítica a la película Jack Quaid

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La relaciones románticas también pueden ser tóxicas con un robot. Compañera perfecta (Companion) parte de una premisa interesante: alquilar un autómata para que actúe como una pareja.

Parece una solución perfecta. Programas esta adquisición a tus objetivos y deseos. Pero qué sucede cuando no se cumplen los acuerdos. Pues problemas.

Más aún cuando esta robot adquiere cierta inteligencia colocándola al nivel de los humanos para cuestionar y atar cabos.

Este tipo de historias no son una novedad en el cine. Abundan relatos de robots que van adquiriendo conciencia conforme avanza la relación con los humanos. Sobre ello se narra la historia convirtiendo a una creación inocente en alguien más evolucionado, fuerte y extremadamente inteligente.

Lo mismo sucede en Compañera perfecta. Solo que se apela al hipotético romance entre robot y humano para abordar esta temática.

A ello se le añade un poco de humor negro, unos giros sorpresivos (e interesantes) en la parte inicial de la historia y un poco de violencia siempre bienvenida por las audiencias.

También hay un poco de nostalgia en elementos materiales como autos y celulares, hasta en música rememorando los años favoritos de esta época: los ’70 y ’80.

Además de referencias a películas como Terminator (la escena del robot vestido de policía; la mano de la protagonista)

Sin embargo, en el fondo, parece que fuéramos testigos de una relación tóxica donde los protagonistas dicen sentir amor cuando solo los une dependencia e intereses nada románticos.

La protagonista sobresale desde el inicio porque su bello rostro oculta angustia, inseguridad e incertidumbre, como si advirtiera que algo malo está por venir. Su instinto, a diferencia de su pareja, no le falló.

Jack Quaid, pareja de esta robot, parece trasladar su personaje en la serie The boys de Prime Video a esta película. Al inicio lo observamos torpe y descuidado, luego malicioso y con buenas habilidades para la comedia. Lo hace bien. Está en su zona confort y nada debería fallar.

Compañera perfecta podría cuajar dentro de una tragicomedia que funciona bien para entretener a las audiencias.

 

 

Canina: crítica a la película de Amy Adams

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Amy Adams incursiona en un papel diferente en su carrera. En Canina (Nightbitch) interpreta a una madre abrumada por las tareas del hogar y el cuidado de su hijo, que en momentos de estrés imita las conductas de un perro. Está disponible en Disney+.

Esta mujer hizo una pausa en su vida como pintora para dedicarse a cuidar, junto a su esposo, a su hijo.

Decir que atiende a su pequeño junto a su pareja, es un decir, porque en la película se observa que este hombre más que ayudar, estorba.

Canina está dirigida por Marielle Heller. La directora hizo películas como ¿Podrás perdonarme? que logró tres nominaciones al Oscar . También participó como actriz en la serie Gambito de dama, donde interpretó a la mamá de la protagonista

Vemos, por lo menos en el primer tramo de la película, que la maternidad supone un enorme sacrificio, demanda tiempo y genera mucho estrés.

Precisamente cuando el personaje de Amy Adams llega al límite es que empieza a adoptar conductas de un perro. Se imagina que va transformándose en un canino, primero, físicamente, y, después, emocionalmente.

Incluso interactúa de esta manera con su hijo para calmarlo en sus berrinches.

De esta manera la película juega con un obvio mensaje sobre los sacrificios que exige la maternidad y esta metáfora canina que no queda muy clara, aunque luego supone una inspiración para su trabajo final como pintora.

LOS SACRIFICIOS DE LA MATERNIDAD

Pero sí. La maternidad es muy dura. Exige demasiado y no necesariamente es comprendida, principalmente, por la persona, testigo directo de la crianza: el esposo.

Por eso Canina retrata bien ese esfuerzo a través de los cansados ojos de Amy Adams y su forma de vestir que dice mucho del descuido personal en que viven las madres de niños pequeños.

Lo gracioso de la cinta se materializó cuando el esposo busca ayudar y, a través de una edición rápida, notamos que más estorba y se convierte en una complicación más para esta madre que solo desea descansar unos minutos.

Incluir esta metáfora del perro, no queda clara. Parece una manera de canalizar el estrés que un trastorno psicológico. Aunque al final se llega a vincular con el final de la película.

Por momentos Canina resulta reveladora, graciosa, entretenida, por otros se hace densa e incómoda. Aunque Amy Adams siempre cae bien parada a lo largo de la cinta.