Estado eléctrico: crítica a la película de Netflix

Escribir esta reseña sin mencionar que Estado eléctrico, la nueva película de Netflix, costó 320 millones de dólares, aproximadamente, es imposible.

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Al terminar de ver esta propuesta de los hermanos Russo (los directores de todas las películas de Los vengadores) te preguntas: ¿Por qué costó tanto esta película?

Después de ver estas dos horas de la historia de una niña que va en búsqueda de su hermano perdido, con ayuda de robots, reparas en que no valió la pena esta inversión.

Estado eléctrico es una película bastante simple, con pocos conflictos dramáticos o interpretaciones destacadas. Se justificaría este dinero invertido por el diseño de los robots y sus peleas. Quedaron bien, pero no es suficiente.

Los humanoides no tienen tanto protagonismo como los actores humanos. Me atrevería a decir que hubieran incluido más escenas de ellas interactuando o peleando que hubiera justificado este dinero.

No ha quedado bien esta película de Netflix. No exige nada al suscriptor de esta plataforma. Si es algo entretenida, pero no tiene alma, esencia o tema de fondo. Ni siquiera se acerca al molde de películas de ciencia ficción donde se discute, en el fondo, la convivencia humano-robot, porque no hay ninguna discusión ni debate. Es hueca.

La película tiene un aire al estilo de los blockbuster de Steven Spielberg, incluso la música se acerca un mínimo la de John Williams (otras escenas me hicieron acordar a Star Wars). Pero en las cintas de Spielberg hay tensión, una imagen bien cuidada y una música inolvidable, además de buenas interpretaciones, es decir, la puesta en escena, es más completa.

Aquí no hay colores, las tomas son simples, no hay composición visual, solo mejora cuando observamos los robots, quizás por la novedad, pero el resto se desarrolla con demasiada sencillez.

Quedan bien los robots, principalmente, cuando hay un enfrentamiento final. Esa parte se asemeja a la de un videojuego y se hubiera agradecido más escenas de este tipo. Top Gun, por ejemplo, le puso más importancia a las escenas de los aviones en increíbles persecuciones, poniendo en segundo plano las tomas dramáticas. Fue una buena decisión. La película quedó espectacular. Lo dramático no era lo suyo y optaron por priorizar las tomas de acción.

Lo mismo hicieron los hermanos Russo con El capitán América: Soldado de invierno, una de las mejores películas de Marvel. Pero, al parecer, esta experiencia no les ayudó a cuajar mejor Estado eléctrico.

La interpretación de Millie Bobby Brown no ayuda mucho. Ni la de Chris Pratt, quien parece interpretarse así mismo en esta película. Se nota que no hay química entre ambos, mientras que el resto de actores solo cumplen con su rol secundario.

No espere mucho de esta película, pero cuando termine de verla y sepa que costó más de 300 millones de dólares, le dará la razón a mucho crítico y fan decepcionado.

La hermandad silenciosa: crítica a la película de Jude Law

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La hermandad silenciosa (The order) protagonizada por el actor Jude Law, está inspirada en un grupo supremacista estadounidense también conocido como «La Hermandad Silenciosa» o «Movimiento de Resistencia Aria», activo entre septiembre de 1983 y diciembre de 1984.

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Las actividades delictivas de esta hermandad en Idaho llaman la atención de la policía que se pone a investigar.

La película avanza sobre el líder de este movimiento, Bob Mathews, interpretado por el actor, Nicholas Hoult, quien a través de su actuación conocemos las motivaciones y los orígenes del fanatismo del protagonista.

La imagen de este hombre resulta engañosa ya que por un lado se comporta como un esposo y padre ejemplar, y por otro como un fanático convencido en tomar las armas, derribar al gobierno e imponer su ideología.

Tenemos que esta hermandad se desprende de un grupo religioso más político que guerrillero apoyado en un líder joven y más devoto de las armas que de la oratoria.

Sin embargo, el protagonista tiene un carisma capaz de convencer a cualquier incrédulo de su nueva fe y visión del orden de las cosas.

Por el otro lado la policía intenta comprender a esta hermandad y atar cabos para capturar a su líderes y desmantelar el movimiento. Sin embargo, este trabajo no será fácil ya que enfrentan a seres fanatizados capaces de ofrendar su vida que entregarse a las autoridades.

Entonces La hermandad silenciosa ofrece interpretaciones y diálogos para comprender a los personajes, combinadas con escenas de acción para darnos una idea de la magnitud de los delitos cometidos por estos fanáticos.

En esas tomas de acción hay una interesante escena en que el policía está apuntando a un venado, mientras que a él lo apunta el líder de esta hermandad.

Aquí no hay espacios para el romanticismo, sino para el choque frontal para volver las cosas a su cauce natural.

La película está disponible en Prime Video.

 

Mil golpes: crítica a la serie del creador de Peaky Blinders

Mil golpes (A Thousand Blows), del creador de la serie Peaky Blinders, inicia su historia con el arribo de dos jamaiquinos a la Inglaterra del siglo XIX.

Uno de ellos aspira a convertirse en un domador de leones en un circo, sin embargo, por esos tiempos las personas tenían roles asignados y solo había que acomodarse.

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Entonces este par de migrantes no ven más opciones que dedicarse al boxeo, un deporte compartido tanto por el pueblo como la aristocracia. Ilusamente creyendo que con esta práctica podrían avanzar en esta sociedad.

Pero su lugar está destinado a entretener más no a progresar. En consecuencia mientras interpreten bien ese papel, nadie se meterá con ellos, de lo contrario pagarán caro su atrevimiento de querer avanzar.

En paralelo a esta historia hay una joven líder de una banda de ladronas de robos menores en parques y plazas.

Su habilidad en apropiarse de lo ajeno la lleva a pensar que puede dar un atraco mayor. No obstante, como sucede con los boxeadores, en esta época no puedes salirte del libreto asignado.

Estos seres marginales tienen a su favor su ímpetu y sus ganas de hacerse un espacio en esta sociedad, aunque no será suficiente y tendrán que apelar a malas artes para construir su propio camino.

Lo interesante de esta serie es que hay dolor que enfrentar como en el ring de box y artimañas que recurrir si es que se quiere sobrevivir. Si ganan, no lo harán a las buenas, sino con el impacto de sus puños. Además aprenderán a lidiar con pérdidas de seres queridos.

Hay una buena recreación de la época en esta serie, uno de sus puntos fuertes, así como interpretaciones destacadas a lo largo de la historia. Además hay unos giros que construyen personajes más duros y menos ingenuos como iniciaron la narración.

Mil Golpes no es una historia romántica, como a veces nos acostumbran estas historias de época, sino de supervivencia y violencia en una época fastuosa.

Disponible en Disney+.

Mickey 17: crítica a la película de Robert Pattinson

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Mickey 17 plantea una historia interesante. En un futuro, la humanidad será capaz de crear réplicas de individuos cada vez que mueran. Sin perder recuerdos ni cualidades físicas, el «prescindible», como se le llama, continúa con su vida, volviéndose prácticamente inmortal, pero en otro planeta.

Mickey se une a este programa debido a sus graves deudas, que ponen su vida en peligro. Ve en él una oportunidad de escapar de sus problemas, pero lo que parece una solución se convierte en una nueva pesadilla.

Al ser enviado como prescindible, Mickey es tratado como un objeto sometido a experimentos. Enfrenta situaciones extremas en las que pierde la vida, confiando en que siempre revivirá en una nueva réplica. Sin embargo, cuando llega la versión Mickey 17, también aparece el amor y una posibilidad de romper con este ciclo. Todo se complica aún más cuando el sistema lo da por muerto y crea a Mickey 18, quien, de alguna manera, le ofrece una nueva perspectiva y lo impulsa a rebelarse contra el sistema.

La película inicia con una narración en primera persona de Mickey, quien describe su experiencia como prescindible. Más adelante, la historia entra en conflicto con la aparición de Mickey 18, poniendo en jaque el supuesto éxito del programa y enfrentándolo al dilema de someter a los rebeldes o evolucionar.

Como ocurre en otras películas de ciencia ficción sobre inteligencia artificial que adquiere consciencia y se rebela contra su programación, Mickey 17 sigue una estructura similar. Al principio, el protagonista parece aceptar su rol, pero pronto se da cuenta de que no es más que una pieza desechable en un experimento. Al reparar en ello, decide luchar por su libertad y su propia identidad.

Sin embargo, ¿qué puede esperar un simple peón cuando se enfrenta a las fuerzas de la política y la tecnología? Nada bueno.

El ganador del Oscar Bong Joon-ho, conocido por Parásitos, ofrece aquí una propuesta interesante, aunque sin la misma profundidad o impacto que sus obras anteriores. Un ejercicio entretenido y bien ejecutado, pero que no llega a la reflexión que podría esperarse de su filmografía.

P.D. Si quieren explorar más del cine de Bong Joon-ho, Parásitos está disponible en Max y Prime Video, Snowpiercer en Prime Video y Okja en Netflix.

Un completo desconocido: crítica a la película de Timotheé Chalamet

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Un completo desconocido (A complete unknown) es la historia de los inicios del cantante Bob Dylan. Es una historia clásica que se apoya en la buena interpretación del actor, Timotheé Chalamet.

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Dirigida por James Mangold, responsable de buenas películas como Logan y Ford vs. Ferrari, narra los orígenes de la música de Dylan, su seguridad para encontrar una oportunidad, y su ruptura con lo tradicional para presentar una nueva propuesta.

En este camino se observa a un Dylan seguro e inspirado, cualidades que le permiten construir unas buenas bases para su futura carrera en la música.

Pero lo extraordinario atrae miradas, fama e incomodidades.

Sin embargo, a él solo le interesa componer y cantar. Nada más. Para el resto de los mortales es un nuevo Dios de la música que debe ser venerado y esto no gusta a Dylan. Su personalidad parca y solitaria funcionan como una barrera con sus nuevos fans.

No obstante este personaje crece hasta romper con lo establecido y plantear un nuevo estilo musical vigente hasta nuestra actualidad.

EL TRABAJO DE CHALAMET

En ese sentido el trabajo de Chalamet ayuda a comprender este personaje. Capta su esencia y lo lleva a los escenarios cinematográficos para comprenderlo a profundidad.

No obstante hay fórmulas conocidas que ayudan a construir un biopic musical, como hablar un poco sobre los orígenes de sus canciones que permiten conocer las motivaciones de sus temas. O también de sus amores. Pero hay escenas en que se deja fluir la historia y se permite conocer mejor los personajes.

Como aquella en Dylan acude a un hospital a tocarle a uno de sus héroes musicales. O cuando ingresa a un programa de televisión y toca la guitarra con los invitados. También hay que decir que el final de alguna manera proyecta un protagonista seguro y encaminado hacia la inmortalidad. Además que contrapone lo clásico con lo moderno.

NARRACIÓN INTERESANTE

La narración de Un completo desconocido es clásica, pero dentro de lo convencional hay matices arriesgados. No hay edulcorantes ya que conocemos también ese lado B que los personajes públicos quieren ocultar y hay una forma interesante de contar algunos hechos emulando la poesía de las canciones de Dylan.

Por ejemplo, eso se observa en la toma en que Dylan está discutiendo con Joan Báez en una habitación de un motel. En la escena se observa solo a Dylan, pero atrás hay un espejo en que aparece el reflejo de Baéz. Esa composición junto con el diálogo completa la esencia de esa escena (simplemente no la quiere ver).

También hay otra donde Dylan discute con Pete Seeger también en un motel sobre la participación del cantante en un festival de country. Ahí hay un ruptura y eso se observa cuando ambos personajes se retratan lejanos, uno a otro a distancia.

Por estos elementos es que la narración no es tan clásica o correcta, sino que arriesga y le funciona.

Una buena propuesta que vale la pena apreciar en los cines.

P.D. Mangold hubiera aprovechado para crear su propio multiverso y traer de vuelta a Joaquín Phoenix como Johnny Cash, personaje que aparece en Un completo desconocido. Phoenix protagonizó la película En la cuerda floja (Walk the line) dirigida por Mangold.

 

Flow: crítica a la cinta animada nominada al Oscar

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Flow es una cinta animada poética, cargada de simbolismos y sin ningún diálogo. Esta película independiente, hecha en Letonia (Latvia), sale del molde de filmes norteamericanos proyectados en los cines.

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La historia inicia con un gato mirando su reflejo en un charco de agua, mientras aparece un conejo perseguido por un grupo de perros. En ese momento empiezan los problemas para el felino. Los canes lo persiguen llevándolo hacia un verdadero desafío: un mundo inundado por un tsunami.

El reto es: ¿sobrevivir o morir? ¿Si no puede con unos perros, podrá con este mundo cambiante?

Pronto veremos en este gato hay señales de querer vivir, pese a que su alrededor se derrumba. Sin embargo no es suficiente.

Para ello entablará amistad con animales de diferentes especies, con pocas cosas en común, aunque unidos por un solo motivo: sobrevivir.

Entonces a bordo de un barco de madera este gato convivirá y aprenderá de estas especies.

De tal manera que ese gato tímido y huidizo se transforma en un felino más proactivo y valiente, culminando su viaje en un charco de agua reflejando una imagen distinta a la que vimos al inicio.

Pero este gato es afortunado. No solo tiene a estos animales como aliados, sino también a la naturaleza, ya que en momentos críticos aparece para darle la mano y encaminarlo hacia su supervivencia. Como si hubiera sido escogido para una determinada misión en el mundo. ¿O es que a la película solo le interesa la supervivencia del gato y todo apunta a salvarlo a él?

Lo interesante, también, es que estos personajes no se humanizan. No tiene diálogos y se comunican por sonidos. Mantienen su esencia, su naturaleza, y aprovechando las peculiaridades de cada especie, se generan problemas para desafiar al protagonista.

Hay muchas escenas que se dejan a la interpretación, sobre todo aquella, en que hay una interacción final entre el ave y el gato. Puede ser una toma simbólica para terminar una historia o quizás sea referencia de algo más simple.

Lo cierto es que el simbolismo está presente en toda la historia, como imágenes, por ejemplo, resaltando al máximo los atardeceres que nos regala la naturaleza.

Flow es una cinta animada independiente que nos dice mucho sin palabras, con un mensaje directo, y unos personajes que interpretan bien sus roles en esta historia.

P.D. Si va a disfrutar esta historia, quédese hasta el final, que hay una escena postcrédito (no como Marvel, sino da una pista más sobre la historia).

Bridget Jones, loca por él: crítica a esta comedia

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Bridget Jones, loca por él o Bridget Jones 4 huele mucho a la primera Bridget Jones, estrenada el 2001, es decir, hace 24 años.

En esta nueva propuesta los personajes originales han envejecido y nuevamente hay una crisis existencial en la protagonista.

Otra vez Bridget está sola, pero no por una mala decisión, sino porque su querido Mark Darcy falleció y la dejó con dos hijos.

El problema es que tiene problemas para lidiar con sus pequeños y también con reencaminar su vida con Mark Darcy fuera de su proyecto de vida.

No se preocupe que en Bridget Jones, loca por él no se ahonda sobre la ausencia paterna o las consecuencias de la viudez, sino que apunta a entretener con las nuevas ocurrencias de Bridget y la nostalgia que genera esta franquicia.

Pero al inicio de esta reseña digo que esta entrega huele a la primera película porque hay muchas escenas reinventadas de la primera entrega como el final en que va en busca de su nuevo amor.  La presencia de la nieve en ambas tomas es similar.

También los nuevos pretendientes de Bridget tienen esencias semejantes a los personajes de Mark Darcy y Daniel Cleaver.

Así como estas tomas hay varias en esta película. Aunque también tiene escenas propias como el ingreso del joven pretendiente de Bridget a una fiesta de cumpleaños. Las reacciones de los personajes son hilarantes.

Del mismo modo los creadores de esta película no han perdido el buen gusto de seleccionar buenas canciones de los ’70 y ’80, o cover, para acompañar las nuevas locuras de Bridget.

Aparentemente esta será la última película del universo Bridget. Quién sabe. En el cine nunca sabe y nos llega una nueva crisis existencial de la divertida Bridget.

La semilla del fruto sagrado: crítica a esta película iraní

Hay que entender La semilla del fruto sagrado (The Seed of the Sacred Fig), película iraní de Mohammad Rasoulof, como una metáfora de lo que sucede en Irán contra las mujeres.

No es una película cargada de simbolismo, sino que tiene un mensaje claro y contundente inspirado en las movilizaciones de mujeres ocurridas el 2022 contra el uso obligatorio del velo en las mujeres.

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La cinta tiene tres partes marcadas.

En la primera un juez, su esposa y sus dos hijas se ven involucrados de alguna manera en estas protestas. Hay escenas en que se muestra la violenta represión dirigida contras las mujeres y hombres protestantes. Además se apoya en imágenes de noticieros de ese país.

Esta primera parte, más de interiores y diálogos, marca también la esencia de los personajes. Por un lado tenemos a las hijas dejándose contagiar por esta rebeldía buscando ser parte de este cambio, y por otro un padre lejano a sus hijas y una madre conservadora funcionando como puente entre ambos, aunque más aliada del jefe del hogar.

LA REPRESIÓN LLEGÓ AL HOGAR

La segunda parte el conflicto llega a esta familia de una manera interesante. La desaparición de un revólver pone en aprietos a este clan. Entonces se aprovecha la ausencia de esta arma para traer el sistema represivo a esta casa.

Al inicio ese juez aparece sensato y cariñoso con sus hijas. Incluso les habla con amor.  Sin embargo cuando se trata de imponer su autoridad, no tendrá problemas en imponer las leyes que le asisten como hombre para someter a las mujeres.

Lo interesante es que la esposa, quien se creía aliada incondicional de su esposo, también se ve afectada con la represión. Porque estos sistemas no distinguen matices o puntos medios, sino extremos que deben ser silenciados o castigados.

LA REPRESIÓN, EN TODA SU EXTENSIÓN

Finalmente la tercera parte, el final de la película, la metáfora se cierra cuando este sistema represivo hace gala de todas sus herramientas que tiene a la mano para someter a sus víctimas. No interesa si son familia. Aquí lo importante es someter a todas al imperio de la ley creado para mantener a raya a las mujeres.

De esta manera La semilla del fruto sagrado retrata una realidad de manera contundente y directa mostrándonos las terribles consecuencias de un sistema represivo contra las mujeres.