¿Máquina de guerra es una película algoritmo?

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Disponible en Netflix

Máquina de Guerra es una película bélica fácil de digerir en Netflix que lleva una carga emocional dosificada, combinada con escenas de acción de guerra.

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Algunas la califican como una película algoritmo, término acuñado para aquellas cintas estrenadas en plataformas con el objetivo de que sean vistas por la mayoría de sus usuarios. Por cierto, Máquina de Guerra, hasta el cierre de esta nota, es una de las más vistas en Netflix.

¿Qué es una película algoritmo?

Pero ¿qué es una película algoritmo? Aquella que se construye a partir de datos sobre los intereses del espectador para mantener su atención. En función de esta información se elabora la trama, con muchos efectos visuales y actores populares aceptados por esa audiencia.

Así como, por ejemplo, el algoritmo de TikTok ofrece un video teniendo en cuenta nuestros intereses, del mismo modo actúan las plataformas de streaming.

¿Máquina de Guerra es una película algoritmo?

Entonces, ¿Máquina de Guerra es una película algoritmo? Aparentemente sí. La trama es sencilla y conocida. Parte de una idea que viene desde los orígenes del cine: el hombre con culpa que busca una segunda oportunidad.

El protagonista lleva sobre sus espaldas la culpa por la muerte de su hermano, quien murió en un atentado. Este asume que no hizo lo suficiente para salvarle la vida. En ese sentido, la historia lo coloca al frente de un comando para sanar esa herida. La prueba: mantenerlos con vida. Sobre este elemento transitará el arco del personaje, es decir, su transformación de un ser sin propósito, carcomido por esa falta, a uno en paz.

Máquina de Guerra propone al personaje conflictos para empujar esta evolución, pero estos obstáculos, lejos de indagar en su interior, plantean encontrar esta redención a través de su físico, empleado en desafíos adaptados de un videojuego.

Entonces, Máquina de Guerra plantea un cambio, pero a partir de sus habilidades de protección en escenas de combate. Sin embargo, los retos son tan complicados y el antagonista tan poderoso que sus acciones no son suficientes para proteger a su pandilla. De esta manera, lejos de reparar ese mal recuerdo, va hundiéndose en la oscuridad.

Una sanación simple en Máquina de Guerra

Solo hacia la última media hora de Máquina de Guerra, el diálogo del último de sus soldados funcionará como aquella frase de la misa: “Solo una palabra tuya bastará para sanarme”, para activar una medicina espiritual y sacar del hoyo al personaje. Solo eso fue suficiente. De nada sirvió tanto esfuerzo físico cuando lo que necesitaba era un poco de reflexión interna y escucha. Sin embargo, las audiencias no quieren una película de hora y media de diálogos, sino de acción.

Por eso, a esta trama sencilla le añaden abundantes efectos visuales y escenas de acción. Estos elementos son innecesarios para ayudar al personaje en su transformación final, pero son importantes para mantener la atención de los espectadores.

A ello hay que sumar que la música nunca cesa y que los cortes de las secuencias duran, como máximo, cinco segundos. No hay tiempo para contemplar ni reflexionar sobre las imágenes o la actuación. Solo importa hacerlo todo rápido antes de perder la atención del espectador.

Así sobrevive Hollywood

Por eso funciona Máquina de Guerra y se ubica como una de las más vistas en Netflix: porque sirve para entretener rápido, con mucha pirotecnia y la dosis necesaria de drama. Si se salen de la receta, el dedo del usuario bajará y buscará otra opción.

No es que esto sea una novedad, ya que Hollywood siempre ha tenido cintas exprés. Sin embargo, ahora la tecnología predice con más acierto los gustos de la mayoría. De esta manera, las plataformas de streaming continúan con la receta, pero haciéndola más eficaz.

Así, el cine sobrevivirá como negocio, más no como arte.

Hoppers: Operación Castor y su mensaje ecologista sencillo

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Hoppers: Operación Castor, cinta animada de Disney Pixar, funciona como un relato ambientalista sencillo y claro.

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Sin mucha pompa ni grandes campañas de marketing llega esta propuesta animada para contar la lucha por la naturaleza de la joven Mabel contra Jerry, un alcalde interesado en construir una autopista sobre un estanque de castores.

[ACTUALIZACIÓN. Puedes ver esta película en Disney+]

En esta cruzada tendrá como aliada a la tecnología, ya que un invento le permitirá transferir su conciencia al de un robot en forma de castor. Este le permitirá interactuar con los animales del estanque y conocer sus dinámicas, así como sus aspiraciones. De alguna manera se pondrá en las zapatillas de los animales para vivir en carne propia sus temores frente a los humanos.

Sin embargo, su ímpetu puede llevarla a trazar estrategias equivocadas, ya que sus ideas podrían magnificarse y generar un efecto contrario que rompa el equilibrio entre la humanidad y la naturaleza.

Un mensaje claro en Hoppers

El mensaje planteado en Hoppers es bastante claro y apunta a transmitir una idea ambientalista entre las audiencias. Solo que la cinta busca el punto medio, donde ninguno de los actores involucrados en el conflicto sobrepase al otro, sino que aprendan a vivir con respeto.

Así como la idea central de Hoppers es sencilla, la animación también lo es. Los personajes se desarrollaron bajo diseños clásicos e interactúan en paisajes divertidos y coloridos.

No se hace dramas

Más que una película que apunte a generar un discurso complejo, incluso más adulto, esta se orienta a una audiencia más masiva y familiar, donde todos tengan claro de qué va la historia. En ese sentido, no fracasa, ya que coloca bien la idea y entretiene a los espectadores.

Solo que se extrañan esas propuestas de Pixar más provocadoras y arriesgadas, que dialogan sobre coyunturas actuales y suponen un desafío para el espectador. Tiempos que, aparentemente, demorarán en regresar a la pantalla grande.

Muerte en invierno: Una película de acción de mujeres

Muerte en Invierno es una película de acción de mujeres. En esta interesante cinta, la historia se concentra en ellas y deja que la presencia masculina sea anecdótica.

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Tenemos que Barb (Emma Thompson) aparece conduciendo una camioneta en medio de paisajes cubiertos por nieve para llegar a un lago congelado. Sus recuerdos van indicando que ese sitio está vinculado a un entrañable amor. Sin embargo, este viaje se interrumpe cuando observa que en una cabaña hay una muchacha retenida por una pareja.

Entonces, el viaje cambia de objetivo y la mujer decide rescatar a la joven secuestrada. No será una tarea sencilla, ya que la secuestradora será un hueso duro de roer, pues su violencia tiene una fuerte motivación. Barb tampoco será fácil de enfrentar, debido a que demuestra habilidades de supervivencia útiles para este momento.

En ese sentido, se activa un enfrentamiento frontal entre ambas, movido más por sus objetivos que por un ánimo de sobrevivencia o fuga.

Las motivaciones de ambos personajes se van intuyendo, aunque en el caso de la protagonista se construye una historia más emocional paralela que conecta con la visita a ese lago y el interés por salvar a la muchacha. Esta línea balancea la acción imprimida en el filme.

Mientras que, en el caso de la villana, hay pistas —pocas— que al final develan su motor y motivo para enfrentarse sin miedo a quienes considera una amenaza para ella.

Diferencias en Muerte en Invierno

Muerte en Invierno sigue las pautas de este género de acción y no lo hace mal. A diferencia de un filme liderado por hombres, en este la espectacularidad está excluida de una sucesión de eventos en los que se toman decisiones para salir a salvo de ese paraje congelado. Aquí no hay choques físicos con coreografías rápidas e increíbles, sino un juego inteligente en el que la apuesta consiste en ser mejor cada vez que ambas se enfrentan.

Como actrices, el trabajo es bueno. Tanto Emma Thompson (Cruella) como Judy Greer, la mujer púrpura, aportan ese lado emocional que a veces falta en las cintas de acción convencionales.

Aunque no deja de llamarme la atención que Thompson, una actriz reconocida por sus trabajos dramáticos, se pase a este lado, como lo ha hecho, por ejemplo, Liam Neeson, quien en el otoño de su vida ha dedicado su carrera a la acción.

Por lo general, Muerte en Invierno entretiene, mantiene atento al espectador y no defrauda en lo que el género ofrece.

Bridgerton, temporada 4: ¿Por qué gusta esta serie?

Disponible en Netflix.

La telenovela Bridgerton llegó a su cuarta temporada en Netflix. Dividida en dos partes, la última se estrenó a fines de febrero con el desenlace del romance del joven Benedict.

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No creo que Bridgerton apunte a convertirse en una serie que plantee un desafío intelectual o un debate sobre el amor. Simplemente quiere entretener con escenarios improbables para esas épocas, pero divertidos en la ficción.

Entonces, quienes disfrutan de bailes de salón victorianos, vestidos exuberantemente decorados y música de violín haciendo cover de temas contemporáneos estarán más que bien servidos por estas temporadas.

La Cenicienta, según Bridgerton

Qué duda cabe de que la cuarta temporada es una nueva versión de La Cenicienta, en la que el joven noble y disoluto se enamora de una sirvienta de origen noble. Hay conexión entre ellos y, aunque no hay un zapato mágico, sí hay un guante que hilará esta historia de amor.

Aunque en teoría la historia plantea un desafío narrativo, la inocencia con que se desarrolla Bridgerton permite construir un final feliz bastante predecible.

Por otro lado, cabe subrayar que la develación de la identidad de Lady Whistledown en la tercera temporada deja un vacío para la cuarta. Si bien este personaje aún está presente, se percibe forzado y pierde ese halo de misterio característico de la serie de Netflix en las primeras tres temporadas.

El juego de Bridgerton

Del mismo modo, aunque parezca imposible mezclar clases sociales en una época marcada por jerarquías rígidas, en el mundo de Bridgerton todo es posible. Al final, se forzarán las ideas para llegar al epílogo esperado.

¿Pero su predictibilidad la convierte en una mala serie? Diría que no. Esta producción solo busca entretener y jugar un poco con escenarios ficticios. No intenta complicarse, sino estirar sus propias posibilidades. Tiene su público y lo conoce bien.

De esta manera, se desmarca del juego de poder social de La edad dorada de HBO Max y se asemeja más a las últimas temporadas de Downton Abbey.

La gente quiere más y espera con ansias el anuncio de la quinta temporada, junto con el nombre del personaje que se casará en los próximos ocho episodios de la serie.

Nuremberg y los juicios contra los nazis

Nuremberg es un drama histórico inspirado en los juicios de Núremberg, desarrollados luego de la derrota de Alemania en la Segunda Guerra Mundial y en la posterior captura de líderes nazis.

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Está protagonizada por Russell Crowe, quien interpreta a Hermann Göring, una de las figuras más populares del Partido Nazi. También aparece en el elenco Rami Malek, actuando como Douglas Kelley, un psiquiatra norteamericano que mantendrá una relación médico-paciente con Göring.

La película pone a disposición sus personajes para contar detalles de este evento histórico. Por eso fluyen datos importantes sobre el desarrollo de estos juicios: la captura de los nazis, las conversaciones con el Vaticano, la instalación de los tribunales, etc.

Pero se centra en el vínculo entre el oficial nazi y su psiquiatra, primero para exponer la estrategia norteamericana a fin de conocer mejor al acusado y, en algún momento, quebrarlo emocionalmente. Luego se juega con una supuesta amistad, elemento importante para explicar el giro final de la película.

A la par se desarrolla el personaje del fiscal Robert H. Jackson, interpretado por Michael Shannon, quien tendrá la difícil tarea de acusar a los nazis capturados. En él recae la responsabilidad de sacar adelante estos juicios y también las dudas sobre su capacidad para arrinconar a los denunciados, principalmente a Göring, a quien se le atribuye astucia y frialdad.

Qué rol tiene Nuremberg

Nuremberg funciona más como material para interesar al espectador en profundizar sobre este importante episodio de la historia mundial. No es, en cambio, una tribuna para ver en escena buenos diálogos e interpretaciones.

Cae en estereotipos hollywoodenses, por ejemplo, en la relación médico-paciente, recurriendo a elementos como la seducción, la amistad, la admiración hacia el antagonista y una redención que termina en un acto de sacrificio en el clímax de la película. Esto construye un planteamiento evidente y convencional.

Se propone tensión, pero apelando a personajes que corren y gritan o a las habituales imágenes que se centran en los rostros compungidos o adustos.

Es un drama correcto, convencional, de poco riesgo y cuyo mérito es poner en debate este capítulo histórico, en tiempos en que se intenta reescribir la historia e imponer otros puntos de vista a las jóvenes generaciones.

El caballero de los siete reinos: Una aventura que promete

Disponible en HBO Max

El universo de Juego de Tronos continúa en expansión. El caballero de los siete reinos es una adaptación del cuento de George R. R. Martin, Cuentos de Dunk y Egg, más centrada en las aventuras de estos personajes que en las conspiraciones políticas, como ocurre en Juego de Tronos o La Casa del Dragón.

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Duncan, o Dunk, llega a un torneo de caballeros para ser reconocido como tal. Sin embargo, este proceso no será fácil, ya que tendrá que presentar testigos que acrediten ese título. En ese camino se topará con otra realidad: el mundo idílico y romántico que imaginó no existe; en cambio, se enfrenta a un escenario más brutal e incluso político.

En ese contexto conocerá a un niño llamado Egg, quien, pese a su corta edad, ve en él una oportunidad para cambiar el rumbo de su vida. Este personaje protagoniza uno de los mejores giros de la serie.

Si bien El caballero de los siete reinos pretende convertirse en un relato de aventuras, hay un buen desarrollo de los personajes. Algunos capítulos están dedicados a profundizar en Duncan y Egg. En ellos podemos comprender mejor sus motivaciones y objetivos.

Si hablamos en términos culinarios, El caballero de los siete reinos se adereza con una dosis de política, de donde surgen los villanos. No se trata exactamente de planes para conquistar el poder, sino de personalidades pertenecientes a la élite gobernante que irrumpen en estas aventuras para abusar de su posición.

Una batalla decisiva en El caballero de los siete reinos

El espectáculo está bien logrado. El capítulo cinco (la serie solo tiene seis) ofrece una pelea de caballeros notable. Como era previsible, la violencia y la neblina protagonizan este episodio, pero el capítulo no solo sirve para mostrar las cualidades de combate del protagonista, sino también su escasa inclinación a rendirse.

¿Quién es ese niño?

Todo ello está acompañado de buenas interpretaciones. Principalmente me refiero a la de Dexter Sol Ansell, quien interpreta a Egg. Ofrece una actuación que mezcla la ternura y la inocencia de un niño con una seguridad que intimida a cualquier adulto.

Hay dos escenas que evidencian su buen trabajo: una en la que sostiene la mirada ante su tío, rebelándose contra sus indicaciones; y otra en la que intenta tomar justicia con sus propias manos. En esta última, sus ojos revelan la ira y el odio que siente hacia su contrincante.

Una pequeña dosis de humor

No podemos dejar de mencionar que El caballero de los siete reinos incorpora un humor negro que a veces aparece en momentos de mayor tensión. No busca ser solemne ni sobria, sino aliviar la carga dramática en pequeñas dosis para dinamizar la historia.

El caballero de los siete reinos es efectiva. Me hizo recordar a las primeras temporadas de Juego de Tronos (la historia se desarrolla 90 años antes), en las que se priorizaban la historia y la actuación antes que el espectáculo. No obstante, sus capítulos no son largos: duran apenas 30 minutos, lo justo y necesario para volver a sumergirnos en ese universo.

Cumbres Borrascosas: ¿Vale la pena ver esta película?

Si vas a comprar una entrada para ver Cumbres Borrascosas porque leíste el libro, te diré que hay poco del texto en esta película. Pero, si no leíste la obra de Emily Brontë y vas a ver de qué trata este filme con Margot Robbie, te señalaré que, como cinta, sin compararla con el libro, no funciona.

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La propuesta de Emerald Fennell (Una joven prometedora y Saltburn) está más enfocada en componer una estética visual pomposa y solemne que en profundizar en la historia y los personajes. En consecuencia, como la escena de los vestidos de Margot Robbie, termina asemejándose a un video clip.

¿Cuál es mejor el libro o la película?

En ese sentido, la directora plantea una narrativa alejada del libro: adapta la primera parte, excluye personajes y toma la idea central, pero prevalece más la visión de Fennell sobre Cumbres Borrascosas.

Por eso, si hay expectativas de ver el texto en este filme, probablemente terminen decepcionados. La directora concibe este libro como más erótico y menos arisco de lo que yo lo imaginé tras leerlo.

Cumbres Borrascosas como película

Sin embargo, si sacamos del análisis la comparación con la obra, la cinta tampoco convence. Es la típica película más preocupada por componer imágenes que por ayudar a conectar a los personajes con la audiencia.

El ritmo imprimido a la película, centrado en lo visual, no permite que los personajes dialoguen ni que la audiencia se conecte con ellos.

Quizá por eso Jacob Elordi se muestra ajeno a este romance, sobre todo en la primera hora, y poco conectado con una Margot Robbie desaforada, al estilo Escuadrón Suicida y Babilonia.

Tensión sexual que se rompe mal

Por otro lado, hay un interés por construir una tensión sexual a través de imágenes sugeridas, como la primera toma de un ahorcamiento, la escena de los huevos, el caracol, la paja, etc. Esta se rompe cuando los personajes deciden entregarse mutuamente de una manera convencional, sutil y poco arriesgada.

Más interés generan los secundarios, principalmente Hong Chau, quien interpreta a una villana más contenida, gestual y efectiva en sus maldades. Ella hace más con su mirada que con gritos. Su presencia advierte peligro y probablemente esté mejor dirigida que el resto del elenco. Pero al final hay una redención forzada y no queda claro el motivo de sus conspiraciones.

Creo que Cumbres Borrascosas demuestra que la belleza externa en el cine no funciona si no hay alma, motivación ni actuación. Las imágenes bonitas no son suficientes para construir una gran historia, de lo contrario estrenas un producto vacío.

Blue Moon: Crítica a la película de Ethan Hawke

Blue Moon, novena colaboración del actor Ethan Hawke con el director Richard Linklater, retrata los últimos años del compositor norteamericano Lorenz Hart.

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La historia se desarrolla dentro de un bar bajo una de las características principales del estilo de Linklater: diálogos punzantes, inteligentes y sarcásticos.

Al inicio, el protagonista muestra su talento al interactuar con un pianista. Gracias a esta escena, el espectador conoce la importancia del personaje en la música.

Conforme avanza la película, aparecen sus frustraciones, temores y también su ego. Además, solo deja la silla de la barra para acercarse a dos figuras importantes: su socio y su musa inspiradora.

Hacia la musa dirige su cariño y quizá un ruego por su atención. La juventud de la muchacha y su inteligencia constituyen, para el compositor, un motivo para esperar aunque sea una sonrisa. Con ella está completamente vulnerable.

Con el socio, en cambio, la relación es distinta. Aquí predominan la fricción y el reproche. El diálogo entre ambos es franco y permite conocer mejor al protagonista, ya que su ego aparece para imponerse.

Así, todo se desarrolla dentro del bar, donde se confunden la música, el pensamiento, el amor y las decepciones del personaje central. Ninguno de estos sentimientos parece salir de ese espacio y, solo cuando el protagonista lo abandona, el destino dicta su final.

El estilo Linklater

Linklater construye la historia a su estilo y, para ello, cuenta con un buen intérprete: Ethan Hawke, quien parece divertirse cuando lo halagan y decepcionarse cuando lo encaran. También sobresale Andrew Scott, cuya presencia confronta al protagonista y deja ver un lado oculto detrás del carisma y la genialidad musical.

Aunque el escenario es pequeño, el director organiza en los elementos para mostrar los altos y bajos de una figura importante de la música americana, marcada por una debilidad común a muchos grandes personajes: su poca habilidad para componer una buena historia en la intimidad.