La hermanastra fea, una versión terrorífica de la Cenicienta

Christiaan Lecarnaque
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La hermanastra fea, una versión terrorífica de la Cenicienta

La hermanastra fea toma el cuento de la Cenicienta para contarlo desde el punto de vista de una de las hermanastras. De esta manera, el relato se torna siniestro y desagradable.

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La hermanastra aparece en escena como una inofensiva jovencita que busca acercarse a la no tan inocente Cenicienta. Pero, cuando aparece el príncipe azul reclamando a la mujer más bella del reino para contraer matrimonio, la motivación amistosa se transforma en una feroz lucha por ese premio.

En ese sentido, esta muchacha hace hasta lo imposible para convertirse en una opción hermosa para el joven monarca. Se somete a dolorosos —tanto para ella como para nosotros— tratamientos de belleza y a dietas grotescas.

Llega un momento en que en verdad está hermosa, pero para ella no es suficiente.

Esta oscura versión del cuento de hadas se distancia de las propuestas de Disney y apuesta por ideas más sombrías y terroríficas, en las que la búsqueda de la belleza parece todo menos un noble objetivo. Por cierto, una idea bastante abordada, principalmente en cintas independientes.

El horror en La hermanastra fea

La hermanastra fea no intenta justificar las acciones del personaje, como en Wicked, sino que retrata la obsesión convertida en crueldad, ejercida no solo hacia su entorno, sino también hacia ella misma.

Resulta interesante ver que tanto la Cenicienta como el príncipe azul van en sintonía con el tono de la película, ya que no son seres de luz, sino personajes interesados e incluso lujuriosos.

No obstante, hay que advertir que La hermanastra fea no es una película para el público masivo, sino para una audiencia que disfruta del terror puro y duro, debido a que hay escenas en las que es mejor cerrar los ojos o apartar la mirada por la crudeza de sus imágenes. Aunque, dentro de su estética, ofrecen una armonía mezclada con gore.

Esta cinta sale del molde del cuento clásico y ofrece un punto de vista coherente de una de las antagonistas de estos relatos infantiles.

La hermanastra fea está disponible en Mubi.

Sirat y la dolorosa búsqueda por un desierto

Christiaan Lecarnaque
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Sirat y la dolorosa búsqueda por un desierto

Sirat puede ser sorpresivamente trágica. La película española dirigida por Oliver Laxe inicia de forma divertida en un lugar alejado, con música electrónica, baile y droga. Pero a ese gozo irrumpe el dolor de un padre por la desaparición de su hija.

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Un grupo de jóvenes se ofrece a ayudarlo o encaminarlo hacia su objetivo por paisajes agrestes de tierra y piedras, atravesados por trochas desafiantes para los vehículos.

La caravana, compuesta por personajes de vestimentas tan extrañas como prácticas, cobija a este desesperado padre y a su otro hijo, incómodos entre este grupo de viajeros.

En ese momento, la propuesta de Sirat pareciera apuntar a una clásica road movie en la que los personajes se vinculan a través de sus diferencias: la pasan bien, se pelean, se perdonan, crecen y alcanzan un happy ending. Sin embargo, sucede lo contrario.

Sirat no será amable con los personajes

A mitad de película, Sirat toma una decisión que lo cambia todo. Ya no es una eterna fiesta electrónica divertida o disipadora, ni un viaje placentero de autoconocimiento, sino un reto de vida o muerte.

Este giro marca un punto de inflexión y aclara que la película no será amable con los personajes. A partir de ese detalle, el desierto devela que no será un aliado en esta cruzada, sino un antagonista difícil de domar y hasta cruel.

En ese sentido, el drama solo tiene unos minutos para exigir la concentración de los participantes ya que no se trata de buscar a alguien, sino de salir vivos. El desierto extingue la esperanza y a cambio ofrece desánimo y crueldad.

En este caso, el sonido juega un papel fundamental, ya que ayuda a sentenciar con frialdad a las figuras de Sirat. También puede contribuir a entender una agonía o la aniquilación de una vida.

El trasfondo de esta película puede interpretarse de diferentes maneras: desde una propuesta sobre la desesperada búsqueda de un ser querido desaparecido hasta una historia dolorosa de migración. Pero lo que no es Sirat es una cinta tibia, sino todo lo contrario: poética, desgarradora y por momentos cruel.

Hamnet: ¿El origen de Hamlet?

Christiaan Lecarnaque
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Hamnet: ¿El origen de Hamlet?

Hamnet, un melodrama clásico que propone descubrir el detrás de cámaras o la inspiración del clásico Hamlet de William Shakespeare. Aunque se desarrolla más el retrato íntimo de Agnes, la madre de Hamnet.

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Así como Shakespeare enamorado, película de 1998, intentó explicar el origen de Romeo y Julieta en el amor imposible del escritor con una joven de clase alta destinada a otro hombre, esta cinta de Chloé Zhao hace lo mismo con Hamlet.

Aunque el amor no es el insumo de este clásico, ni Shakespeare es el protagonista, sino la muerte de uno de sus hijos durante la peste negra.

Mientras el texto habla de venganza y amor filial, Hamnet propone una revisión del trasfondo del clásico shakespeariano, una relectura que podría resultar interesante a partir del visionado de esta película.

¿Hamnet o Agnes?

El fallecimiento del vástago del escritor británico funciona como la idea de fondo de la obra; sin embargo, la película se centra más en Agnes, la esposa de Shakespeare, una mujer mística, de profunda conexión con la naturaleza.

La cámara se enfoca en sus reacciones y la historia profundiza en su alma. Somos testigos de sus alegrías y dolores, mientras el niño y el padre pasan a segundo plano, a esa narrativa secundaria preparada para conocer mejor a la protagonista de esta historia.

En ese sentido, la figura paterna parece ajena a la dinámica familiar, enfocada más en su carrera de escritor y en traer dinero al hogar. Del niño conocemos poco, salvo que tiene una estrecha relación con su melliza, por quien está dispuesto a dar su vida.

Es cierto que se quiere vincular esta historia como inspiración de Hamlet, pero la cinta de Chloé Zhao está centrada en Agnes. Importa más su dolor que el del padre, hasta que este demuestra, en su obra representada en el teatro, que también sufrió y amó a su hijo.

Quizás la película debió llamarse Agnes y no Hamnet.

Puntos a favor en Hamnet

No obstante, la película está bien ejecutada: planos abiertos al estilo Zhao, fotografía impecable y una austeridad en los escenarios que excluye decorados excesivos, dejando que la belleza de los paisajes cuente esta historia de época.

No podemos negar que la interpretación de Jessie Buckley es buena. Proyecta ese halo de misterio sobre su personaje, contiene sus sentimientos y deja escapar los necesarios cuando el dolor arrecia, para finalmente soltar esa rabia contenida gracias al arte construido por su esposo.

Pequeña buena interpretación

Pero me llamó la atención la actuación del pequeño Jacobi Hupe como Hamnet. Solo fueron minutos en los que demostró la dosis necesaria de drama para describir el buen corazón de su personaje. Gracias a esta interpretación, esa escena —la toma en la que la peste negra cobra una nueva víctima— queda como la mejor de la película.

Hamnet, de Chloé Zhao, mantiene el estilo de la directora, sin caer en el melodrama chillón y meloso del que se le ha acusado en algunas críticas (que es lo que esperaba ver en la película).

Mis reparos están en que, si la tesis apunta a contar la historia detrás de Hamlet, entonces Hamnet debió tener más minutos en pantalla. Pero no fue así. Al margen de ello, es una película que el espectador de corazón sensible disfrutará mucho en los cines.

Ayuda: ¿Una lucha salvaje por el éxito?

Christiaan Lecarnaque
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Ayuda: ¿Una lucha salvaje por el éxito?

Parece que Sam Raimi, el director de la película Ayuda (Send Help), da en el clavo cuando propone una historia en la que la empleada busca venganza de su jefe abusivo. Francamente, ¿quién no ha pensado en saldar cuentas con su superior?

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A partir de esta premisa, Raimi construye una oportunidad de oro para la revancha de una contadora: una isla desierta en la que empleada y empleador se enfrentarán para curar sus resentimientos.

Entonces, en este ida y vuelta de reproches, es muy difícil identificar al bueno y al malo. La línea entre maldad y bondad es difusa. Hay argumentos válidos para apoyarla a ella, pero no tanto sus acciones. A veces da un poco de pena el jefe, pero tiene reacciones que terminan por darle la razón a la contadora.

Aunque, por momentos, se siente un poco forzado identificar al varón como villano, ya que hay más argumentos para ir en contra de la empleada.

Ayuda no busca una moraleja

Sin embargo, la película Ayuda no apunta a construir una moraleja, sino a desarrollar una historia de supervivencia en una isla salvaje, donde tiene que sobrevivir el más fuerte. Aquí no interesa dar lecciones de vida, ni buscar la rehabilitación del supuesto villano o construir una historia de amor, sino sobrevivir y aplastar al más débil.

Incluso el final de la cinta parece burlarse del discurso de crecimiento personal que plantean luchas titánicas por el éxito, obviando que muchas veces se llega a la cumbre dejando atrás heridos y muertos. El camino a la gloria se cimenta sobre la base de cadáveres y nadie quiere hablar de ello.

También me pareció interesante el clímax final, en el que ambos tienen una confrontación definitiva y él intenta rogar su perdón. En un relato clásico, ella hubiera cedido y quizá habrían terminado en buenos términos, o incluso enamorada de su antagonista. Pero en la cinta de Raimi la narrativa va por otro lado y, con arma en mano, empodera al personaje femenino.

En ese sentido, mediante este terror psicológico, la película se burla, lleva al extremo a los personajes, propone un humor extraño y unos excesos de violencia, así como construye una historia de éxito salvaje y disruptiva para el género de la autoayuda.

El agente secreto y un relato diferente sobre dictaduras

Christiaan Lecarnaque
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El agente secreto y un relato diferente sobre dictaduras

El agente secreto no es el relato clásico sobre dictaduras. Tiene una víctima que lidera la narrativa principal, pero alrededor hay elementos que ayudan a comprender el funcionamiento de estos regímenes.

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El director Kleber Mendoza Filho y el actor Wagner Moura apuestan por esta arriesgada propuesta, en la que describen la historia de Marcelo, un catedrático interesado en escapar de su país junto a su hijo.

Sin ver esta película brasileña, su título podría hacer referencia al relato de un espía perseguido por agentes de la dictadura; sin embargo, va por otro camino. Es cierto que el protagonista quiere salir del país, pero está amenazado por una autoridad interesada en verlo muerto por ir en contra de sus negocios sucios.

Entonces tenemos a un ciudadano aparentemente inofensivo, motivado a sacar adelante a su familia y a investigar en su carrera, convertido en una amenaza para un gobierno autoritario.

El agente secreto y su riesgo en la estructura

En ese sentido, El agente secreto sale del molde y arriesga en su estructura. Además, añade elementos sarcásticos para criticar este tipo de gobiernos. Uno de ellos, por ejemplo, es la pierna encontrada en la boca de un tiburón.

Este episodio se incluye para darle cierto aire tenebroso a la historia, pero hacia el final funciona para cuestionar el papel de los medios de comunicación en la distracción de las masas durante las dictaduras.

Del mismo modo, la primera escena marca el tono de la película. Mientras Marcelo espera en una estación de grifos a que llenen el tanque de gasolina de su auto, hay un cadáver expuesto al aire libre. Todos observan ese cuerpo tirado en el suelo, incluso la policía, pero nadie hace nada por levantarlo. Para las autoridades, por ejemplo, es más importante intervenir al conductor e intentar quitarle algunos billetes.

Otro buen momento de la película ocurre cuando sicarios contratados van por la cabeza de Marcelo, y ahí se juega con la típica tensión de las escenas de persecución. Sin embargo, la toma sirve para develar la torpeza de los personajes y terminar la secuencia de una manera creativa, con ayuda de un recorte de periódico.

Sutileza sin caer en el morbo

Así se desarrolla la película de Mendoza, con mucha sutileza y calma, sin dejarse llevar por la violencia y describiendo el final de su personaje central con cierta elegancia, sin caer en el morbo.

El agente secreto también huele a nostalgia. Hay mucho color en esta oscura dictadura y un viaje de vuelta a un Brasil de antaño, de carnavales y cines.

Sin embargo, creo que esta película no será accesible para todos, ya que avanza con mucha calma, se apoya en los diálogos y no cae en sobreexplicaciones, sino que deja al espectador sacar sus propias conclusiones. No obstante, resulta importante apreciarla para aprender a identificar una dictadura y evitar caer en los engaños interesados de los políticos.

Familia en renta: Un servicio japonés bajo el juicio de Hollywood

Christiaan Lecarnaque
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Familia en renta: Un servicio japonés bajo el juicio de Hollywood

Parece que Familia en renta (Rental Family) se planteó desde una mirada juzgadora norteamericana.

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La película, protagonizada por Brendan Fraser, parte de una extraña costumbre japonesa: alquilar personas para que representen a familiares en ocasiones especiales. Es decir, los clientes solicitan estos servicios para que actores y actrices interpreten a un esposo, esposa, hijos, etc.

Este extraño trabajo busca mantener las apariencias o, también, llenar esos huecos de soledad de personas sin familia.

Entonces, el protagonista norteamericano, un actor que vive desde hace diez años en ese país, pasa del asombro a aceptar este trabajo por dinero. Sin embargo, cuando se plantean situaciones complicadas, empiezan los conflictos internos.

Por ejemplo, se contrata al actor para actuar como el padre de una niña que no lo ha visto en años. Definitivamente, engañar a una pequeña no es lo correcto, pero la inclusión de este elemento —y otros similares— manipula la narrativa y apunta a cuestionar esta “tradición” japonesa desde la mirada de este actor norteamericano.

Los juicios de Familia en renta

Aquí no se trata de reprochar, sino de hacer cuestionamientos directos para presionar hacia un final que busque el arrepentimiento de los personajes asiáticos y forzar un cambio.

Se pudo profundizar más en este curioso servicio y aportar más, quizá desde la psicología de quienes lo contratan. ¿Por qué lo hacen? Quizás los japoneses no se hacen problemas y viven felices de esta manera. Sin embargo, se optó por una mirada externa que no hace el intento de comprender estos trabajos y, a partir de ello, plantear un cambio o una transformación.

En ese sentido, la película desperdicia esta historia y se inclina por la receta hollywoodense, que busca extraer una moraleja de un contexto que, para Familia en renta, resulta cuestionable.

Marty Supreme: ¿El mejor trabajo de Timothée Chalamet?

Christiaan Lecarnaque
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Marty Supreme: ¿El mejor trabajo de Timothée Chalamet?

Generalmente, las películas de superación proponen una historia en la que el personaje apunta a un objetivo. En ese camino enfrenta obstáculos, se enamora y, como espera la audiencia, alcanza su meta. Marty Supreme sigue el mismo patrón, pero de manera diferente.

[ACTUALIZACIÓN: Puedes ver Marty Supreme en Prime Video]

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Marty Mausser, un talentoso jugador de ping pong en Estados Unidos, no es precisamente un modelo de humildad, sino un embajador de la soberbia y la malcriadez. Es una persona desagradable cuando habla y, cuando actúa, puede ser frontal y tosco.

Su meta: convertirse en el número uno de este deporte. Pero para ello no cuenta ni con el apoyo familiar ni amical y, peor aún, no tiene dinero. Lejos de amilanarse, asume que solo así puede conseguir ese anhelado sueño.

Primero nota que su soberbia no es la mejor aliada para sus planes; por eso cede, busca dinero de cualquier forma, utiliza a las personas y hasta se humilla cuando observa que la fortuna no le favorece.

No obstante, la vida será generosa con él y le dará una oportunidad para alcanzar una falsa gloria, un premio consuelo que aprovechará en un intenso juego de ping pong, protagonizando el mejor momento de la película.

Marty Supreme y una dura superación 

Marty Supreme habla de superación, pero destruye al personaje hasta humillarlo. Solo le concede unos minutos para arrojarle unas migajas al suelo, para que sacie su hambre de gloria y siga tranquilo con su vida.

La película se plantea al ritmo de un juego de ping pong. No solo hay rapidez en el juego, sino también en los diálogos y en el espacio, ya que el protagonista no deja de moverse e incluso correr para escapar de esas trampas creadas por él mismo con el fin de obtener los recursos requeridos.

¿Llegará el Oscar?

En ese sentido, Timothée Chalamet juega un papel importante. Su interpretación entrega un personaje seguro, pero desagradable: intenso, rápido y fuerte, aunque su cuerpo proyecte una falsa fragilidad. Tiene mucha convicción en lo que quiere y seguridad en lo que posee, pero esta mezcla es peligrosa para personalidades débiles.

En conclusión, este es uno de los mejores trabajos realizados por el actor. No sé si el mejor, pero sin duda se observa una evolución positiva en su trabajo. Si hablamos en clave Óscar, personalmente creo que es la mejor interpretación entre las cinco nominadas de este año. El punto es si la Academia le dará el premio a un joven actor de 30 años que no se caracteriza precisamente por su humildad. Deberían, pero las votaciones suelen ser más emocionales que racionales.

Entonces, Marty Supreme es una excelente película. Sí, habla de superación personal, pero a través de un camino pedregoso y sucio. ¿Marty Mausser termina mejor que al inicio? Aparentemente sí, pero ¿a qué costo?

Oscar 2026: Los pecadores rompen récord

Christiaan Lecarnaque
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Oscar 2026: Los pecadores rompen récord
  • Los pecadores pulveriza todos los récords y alcanza 16 nominaciones al Oscar 2026, aunque una batalla tras otra parte como la favorita con 13 candidaturas.
  • Valor Sentimental de Noruega es la película internacional con más nominaciones: nueve en total, e incluso consigue que cuatro de sus actores logren competir por el Oscar. El agente de Brasil de Brasil logró cuatro. Esta es la favorita de la categoría a mejor película internacional.
  • Las guerreras del K-Pop obtuvieron dos nominaciones: Mejor Cinta Animada y Mejor Canción Original.
  • Del mismo modo Sirat de España alcanzó dos nominaciones: mejor Película Internacional y Mejor Sonido.
  • Las ausencias más llamativas fueron Paul Mescal de Hamnet en Mejor Actor de Reparto y Chase Infinity de Una batalla tras otra por Mejor Actriz Principal.
  • F1 alcanzó nominación a mejor película, además de otras tres nominaciones en el Oscar 2026.
  • A diferencia del año pasado Wicked for Good no logró ninguna nominación al Oscar 2026.

Mejor película

Mejor dirección

  • Paul Thomas Anderson (Una batalla tras otra)
  • Ryan Coogler (Pecadores)
  • Chloé Zhao (Hamnet)
  • Josh Safdie (Marty Supreme)
  • Joaquim Trier (Valor Sentimental)

Mejor actor

  • Timothee Chalamet (Marty Supreme)
  • Leonardo DiCaprio (Una batalla tras otra)
  • Wagner Moura (El agente secreto)
  • Michael B. Jordan (Pecadores)
  • Ethan Hawke (Blue Moon)

Mejor actriz

  • Jessie Buckley (Hamnet)
  • Ross Byrne (If I Had Legs I’d Kick You)
  • Kate Hudson (Song Sung Blue)
  • Emma Stone (Bugonia)
  • Renate Reinsve (Valor Sentimental)

Mejor actor de reparto

  • Benicio del Toro (Una batalla tras otra)
  • Stellan Skarsgård (Valor Sentimental)
  • Sean Penn (Una batalla tras otra)
  • Jacob Elordi (Frankenstein)
  • Delroy Lindo (Pecadores)

Mejor actriz de reparto

Mejor guion adaptado

  • Una batalla tras otra
  • Hamnet
  • Bugonia
  • Sueño de trenes
  • Frankenstein

Mejor guion original

Mejor edición

  • Una batalla tras otra
  • Marty Supreme
  • Pecadores
  • F1 (Disponible en Apple TV)
  • Valor Sentimental

Mejor casting

  • Pecadores
  • Marty Supreme
  • Hamnet
  • Valor Sentimental
  • El agente secreto

Mejor fotografía

  • Frankenstein
  • Pecadores
  • Una batalla tras otra
  • Sueño de Trenes
  • Marty Supreme

Mejor banda sonora

  • Pecadores
  • Frankenstein
  • Una batalla tras otra
  • Hamnet
  • Bugonia

Mejor canción original

  • Golden (Las guerreras del K-Pop)
  • I lied to you (Pecadores)
  • Sweet Dreams of Joy (Viva Verdi)
  • Dear me (Diane Warren: Relentless)
  • Train Dreams (Sueño de Trenes)

Mejor diseño de producción

  • Frankenstein
  • Pecadores
  • Marty Supreme
  • Hamnet
  • Una batalla tras otra

Mejor vestuario

Mejor maquillaje y peluquería

Mejor sonido

  • F1
  • Pecadores
  • Una batalla tras otra
  • Sirat
  • Frankenstein

Mejores efectos visuales

Mejor película internacional

Mejor documental

Mejor cinta animada

Mejor corto documental

  • Todas las habitaciones vacías (Disponible en Netflix)
  • Armado con una cámara (Disponible en HBO Max)
  • Children no more: «Were and are gone»
  • El diablo está ocupado (Disponible en HBO Max)
  • Perfectly a Strangeness

Mejor corto de acción

  • The singers
  • Butcher’s Stain
  • Two People Exchanging Saliva
  • A friend of Dorothy
  • Jane’s Austen Period Drama

Mejor corto animado

  • Forevergreen
  • Butterfly
  • The girl who cried pearls
  • Retiremant plan
  • The three sisters
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