Inicio Blog Página 23

Robot Salvaje: Crítica a la nueva película de Dreamworks

0

La animación de los últimos años nos ofrece historias contundentes, como la de Robot Salvaje. Los mismos creadores de Shrek, El gato con botas y la trilogía de Cómo entrenar a tu dragón presentan esta nueva historia de maternidad, solidaridad y valentía en la pantalla grande.

TAMBIÉN LEA: Crítica a Joker 2, la película de Todd Phillips

Una robot llamada Roz se ve en la obligación de criar a un pato en una isla salvaje. Durante esta misión, no solo aprenderá a ser una madre sustituta, sino también a reconocer sus propias emociones.

El personaje central experimenta una evolución que se desarrolla de manera sencilla, lúdica y divertida.

En el tramo final, la película añade una dosis de adrenalina, elevándose a un clímax inesperado.

La aparición de un personaje antagónico contribuye a cerrar de manera notable esta excelente cinta de animación.

Este epilogo obliga a los personajes secundarios a crecer y encontrar su propósito dentro de la historia.

Además, se destacan las bellas escenas ilustradas que enriquecen la narrativa de Robot Salvaje, como aquella en la que los patos migran o cuando Roz descubre la fragilidad y el color de las mariposas.

Los colores y la iluminación contribuyen a resaltar mejor la misión de Roz.

UNA FÓRMULA CONOCIDA

De alguna manera, vuelven a hacer funcionar la fórmula aplicada en Cómo entrenar a tu dragón.

En esa película, dos personajes completamente diferentes se complementan, hacen un sacrificio, superan sus diferencias y luchan juntos por un objetivo en común. Al final, los dos protagonistas unifican una isla que estaba más centrada en sus prejuicios hacia los dragones que en su propio progreso.

Algo similar ocurre en Robot Salvaje. Aquí, Roz debe demostrar que está dispuesta a sacrificar su naturaleza para adaptarse a una comunidad hosca, incómoda tanto con ella como entre ellos mismos, logrando así una alianza frente a un enemigo común.

La maternidad experimentada por Roz solo es una excusa para reconocer su verdadera misión y dar un paso hacia adelante.

Es, sin duda, una de las mejores cintas animadas del año, y esperemos que no le ocurra lo que pasó con la excelente trilogía Cómo entrenar a tu dragón, que en su momento no recibió el reconocimiento que merecía. Altamente recomendable.

Will y Harper: Crítica al documental de Netflix

Netflix estrenó el documental Will y Harper, que sigue la transición de uno de los mejores amigos del actor Will Ferrell hacia su identidad como mujer transexual.

La película está planteada como un viaje a través de los estados más conservadores de Estados Unidos, con el objetivo de explorar las reacciones de la ciudadanía, plantear preguntas incómodas y, al mismo tiempo, promover la reflexión personal.

TAMBIÉN LEA: Crítica a Frida, documental estrenado en Prime Amazon

Hollywood a menudo recurre a historias de viajes que permiten a los personajes descubrirse a sí mismos, alcanzando al final una transformación positiva.

Will y Harper sigue este esquema. Will Ferrell aprecia profundamente a su amigo, con quien ha trabajado durante años en cine y televisión, pero no conoce esta nueva faceta de su vida.

Este viaje le brinda la oportunidad de entender mejor su decisión y aprender más sobre lo que implica una transición de género.

Para Harper Steele, guionista ganador del Emmy por Saturday Night Live, el documental también es un momento para abrirse más, enfrentando sus propios desafíos internos en busca de una transición pacífica.

El viaje no solo sirve para la introspección personal, sino también para observar la reacción del público ante la presencia de una mujer transexual.

Aunque el rechazo no es abiertamente hostil, se manifiesta de manera cortés y sutil, como se muestra en una escena grabada en un restaurante de Texas.

La tensión es palpable cuando Harper se encuentra entre un público conservador, con gestos que revelan incomodidad: palabras mal elegidas, miradas esquivas.

Sin embargo, la situación no escala debido a la presencia de Will Ferrell, cuya fama actúa casi como una barrera protectora para su amiga Harper.

En esencia, el documental parece más centrado en el autodescubrimiento y en profundizar sobre el proceso de transición.

Will y Harper es en momentos educativa, y en otros, conmovedora e inspiradora. Sin embargo, la historia está tan bien contada y narrada con tanta sinceridad que es difícil perder el interés.

Joker 2: Crítica a la película de Todd Phillips

0

Parece que Todd Phillips quiso presentar un Joker redimido en su secuela, o al menos eso es lo que se percibe al terminar de ver Joker 2, también titulada Joker: Folie à Deux.

TAMBIÉN LEA: Crítica de Joker (2019)

En esta segunda parte, el Joker encuentra en Harley Quinn una oportunidad para amar. Ella llega a su vida seducida por las acciones caóticas del payaso y esa atracción la lleva a iniciar una relación con él.

Los sentimientos de ambos personajes se expresan a través de coloridas escenas musicales.

El Joker parece haber encontrado un propósito en la vida, creyendo en la posibilidad de amar y construir algo nuevo.

¿UN GUASÓN ARREPENTIDO?

Sin embargo, un episodio violento en la cárcel donde está recluido lo desvía de ese camino. Elige la redención: acepta sus pecados, paga sus culpas y busca integrarse de manera útil en la sociedad.

Este giro resulta repentino, ya que todo parecía conducir hacia un desenlace más caótico. No obstante, inesperadamente, el personaje da un giro hacia la redención.

Incluso hay una escena en la que recorre los barrios grises que vimos en la primera película, cargando con la tristeza de un hombre que lleva un gran peso en sus hombros como en la toma inicial de la cinta del 2019.

El final deja entrever que este aparente arrepentimiento es, en realidad, una traición a sus seguidores.

La misma escena violenta que desencadena el triste final del Guasón 2, en la película del 2019 hubiera provocado una reacción desenfrenada. Pero en esta secuela, el protagonista parece estar cansado de la violencia y en cambio pide paz para esta guerra.

¿Está Todd Phillips arrepentido de su creación? ¿Intentaba frenar al personaje?

NO SUPERA A LA PRIMERA

Esta secuela se siente más sencilla que la primera. Aunque tiene buenos momentos técnicos, especialmente en las escenas musicales, no logra superar la fotografía ni la banda sonora de la película original. Estos elementos fueron clave para contar de manera impactante los orígenes del Joker.

La energía de esta segunda entrega parece inferior, sin tener en cuenta el alto estándar que dejó la primera parte.

UNA MALA DECISIÓN HACER UN MUSICAL

Un aspecto controvertido fue la decisión de presentar esta historia como un musical, un género que solo agrada a una minoría. La mayoría de las audiencias no disfruta de películas cantadas, a menos que incluyan temas icónicos o muy conocidos.

Aunque Joaquín Phoenix mantiene un buen nivel de interpretación, no encuentra una base sólida para alcanzar la brillantez y sorpresa que logró en la primera película.

UN FRENO PARA JOKER 2

Joker 2 se siente simple, frustrante, por momentos gris e incoherente. En la primera película había una dirección clara, pero aquí no queda claro si se debía desatar aún más la locura del personaje o refrenarlo para buscar una aceptación social.

Es posible que al concebir esta secuela, Todd Phillips haya dado más importancia a las críticas que al gusto del público y a la verdadera naturaleza del Joker. Quizás lo mejor habría sido cerrar su historia con la película de 2019 y embarcarse en un nuevo proyecto.

Monstruos, La historia de Lyle y Erik Menéndez: crítica a la miniserie

0

Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez es la nueva miniserie de Ryan Murphy, conocido creador norteamericano (Glee, American Horror Story) interesado en adaptar potentes casos judiciales para la televisión y en este caso para Netflix.

TAMBIÉN LEA: Crítica a The Boys, estrenada en Prime Video

En sencillo los hermanos Lyle y Erik Menéndes asesinaron a sus padres en 1989 en Beverly Hills. Ambos fueron sentenciados a cadena perpetua por estos crímenes. Esta pena la vienen cumpliendo en la actualidad.

Monstruos, La historia de Lyle y Erik Menéndez ha levantado polvo por el planteamiento de la historia. No es una simple narración de los hechos, sino que intenta profundizar en los personajes y darle a cada uno de ellos una voz.

LA AUDIENCIA DARÁ SU VEREDICTO

En esta nueva propuesta de Ryan Murphy las víctimas como los victimarios tienen su punto de vista. Aquí podríamos decir que la audiencia funciona como un jurado quienes reciben una cantidad de datos para que dicte su veredicto.

Personalmente la percepción que tengo sobre los criminales es que fueron muchachos frívolos (no fríos), inmaduros, que en ningún repararon en la situación en la que estaban.

Se desenvolvían con tanta torpeza que terminaron jugando en contra de ellos mismos. Es que como si se hubieran juzgado a un par de niños.

Es muy difícil empatizar con estos personajes debido a que su frivolidad termina por socavar sus argumentos de víctimas de sus padres.

Mientras que con las víctimas, sus papás, se les trata con dureza, incluso más con el padre de los muchachos. Queda claro que fue un abusivo, mal esposo, y con una doble vida que da pie a especular sobre su verdadera relación con sus hijos.

PERSONAJES DE CARICATURA

No es una serie violenta como Dahmer, el asesino serial, sino más centrada en las personalidades de los personajes. Ahí la miniserie irrumpe en detalles y los convierte en caricaturas, principalmente, a los dos jóvenes.

Me parece que es una miniserie entretenida, de la que difícilmente se puede sacar lecciones pero que intenta no tomar posiciones, sino que deja a la audiencia dictar su veredicto.

No es un mal producto. Pero si quieren conocer un buen trabajo de Murphy vean American Crimen Story: The People v. O. J. Simpson, el juicio al beisbolista O.J. Simpson que es una demostración de buena dirección e interpretación, y este trabajo mereció muchos premios Emmy. Pueden ver la miniserie en Disney+.

La sustancia: crítica a la película de Demi Moore

0

«La Sustancia» es una película impactante y no apta para todos los públicos. Su último acto es especialmente difícil de ver, con imágenes gráficas que requieren un buen estómago. Sin embargo, la película transmite un mensaje claro y directo sobre los peligros de la obsesión por la juventud eterna.

TAMBIÉN LEA: Beetlejuice, crítica a la película de Tim Burton

Protagonizada por Demi Moore y Margaret Qualley, y dirigida por la cineasta francesa Coralie Fargeat, la película narra la historia de una estrella de televisión que lucha por recuperar su juventud perdida para mantenerse relevante en su exitoso programa.

La premisa de La Sustancia es clara: una mujer que, al envejecer, ve cómo se reducen sus oportunidades, por lo que acepta cualquier método que le prometa la juventud eterna.

El problema surge cuando este «remedio» ofrece la solución deseada, pero sin advertir de las terribles consecuencias.

La Sustancia explora el enfrentamiento entre una versión joven y una anciana de la protagonista, rompiendo el equilibrio necesario entre juventud y experiencia.

Cuando ese equilibrio se quiebra, la película exagera los efectos de la obsesión por la eterna juventud, llevando la trama al extremo.

El acto final es una sucesión de imágenes gráficas: sangre, vísceras y líquidos viscosos que no son aptos para todos los públicos. Esto rompen completamente con el tono de la primera mitad de la película.

La historia parece buscar reflejar cómo la obsesión por la juventud puede llevar a la locura, donde no existe la posibilidad de un final feliz o agridulce, solo una pérdida total de la racionalidad.

LO QUE NO ES LA SUSTANCIA

Es importante destacar que La Sustancia se centra en la lucha interna de la protagonista, entre su versión joven y anciana. No en criticar las presiones sociales que impulsan a las mujeres a recurrir a métodos extremos para verse jóvenes, incluso en las etapas finales de sus vidas.

El tema principal de la película es retratar la locura que puede desatar la búsqueda de la belleza eterna.

El final de la película me hizo recordar a la comedia, La muerte le sienta bien de 1992, protagonizada por Meryl Streep, Bruce Willis y Goldie Hawn. La cinta tiene la misma premisa, aunque esta va más por el camino de la diversión.

El trabajo de Demi Moore es especialmente destacable, interpretando a una mujer desesperada por verse cada vez más joven.

Hay escenas donde su frustración frente al espejo muestra a un personaje vulnerable, incapaz de mantener el equilibrio emocional.

La película ganó el premio al Mejor Guion en el Festival de Cannes. Esto confirma su enfoque original e interesante, aunque no apto para todos los espectadores.

No hables con extraños: crítica a la película de terror

0

No hables con extraños es una película de terror psicológico que nos dice que desconfiemos de la perfección y la sonrisa halagadora.

TAMBIÉN LEA: Crítica a Deadpool & Wolverine

Inspirada en la película danesa del mismo nombre, esta propuesta norteamericana cuenta la historia de una pareja que conocen a otra en unas vacaciones realizadas en Italia.

Hay una química inmediata, gracias a Paddy quien parece ser una persona demasiado agradable y bien intencionada. La perfección masculina en escena.

Bien dicen que los mayores no siempre hacen caso de lo que predican y terminan aceptando la invitación de estos extraños a pasar un fin de semana entero en su casa en Italia.

¿Quién acepta esta invitación de gente que recién conocen? Pues gente ingenua estimulada por el primer contacto y en esa primera impresión Paddy hace muy bien su papel.

La película te va soltando de a pocos lo que en verdad está sucediendo con Paddy, su esposa e hijo.

Al inicio da la impresión que los paranoicos son los invitados y no los huéspedes. Parece una película de problemas de parejas más que de terror.

Sin embargo hacia el final suelta todo y lo ejecuta bien. Con una tensión dosificada y uniendo todas las pistas sembradas a lo largo de la película.

CAMBIAN LOS ROLES FEMENINOS

Lo interesante, como ha venido sucediendo en películas como Tornado y Alien: Romulus, es que los personajes femeninos terminan por resolver la historia.

El epílogo cede protagonismo a madre e hija quienes terminan salvando a su familia. De esta manera estas cintas están dando otra mirada a los roles femeninos. Estos anteriormente esperaban al hombre para resolver el conflicto, ahora es al revés.

Otro punto importante de la película es la interpretación de James McAvoy, a quien vimos protagonizando Fragmentado y personificando a un joven profesor X en X-Men. El actor, en el papel de Paddy, trabaja bien sus gestos, miradas e incluso su cuerpo.

Ofrece el papel de un villano relajado, por momentos, divertido, y violento.

No hables con extraños cuenta con todos los ingredientes necesarios para entretener como una película de terror. No es violenta, ni mucho menos sangrienta, sino sutil para armar el rompecabezas de esta historia.

Beetlejuice 2: Crítica a la película con Jenna Ortega

0

Beetlejuice 2 es una película divertida. No tenía muchas expectativas sobre esta secuela dirigida por Tim Burton, pero las críticas escritas desde el Festival de Venecia, primer espacio en que fue estrenada al público, me animaron a verla en el cine. En realidad es una cinta entretenida.

TAMBIÉN LEA: Crítica a Alien Romulus, la nueva película de la franquicia

Es una cinta imperfecta, tiene sus fallas. Pero su objetivo va más por revivir este éxito de los ’90 y entretener a las audiencias.

Comparándola con la primera película, puedo decir que esta secuela está un poquito mejor.

En Beetlejuice 2 se trabaja un poco más las motivaciones de los personajes. En esta segunda parte, las protagonistas son Lydia (Wynona Rider) y Astrid (Jenna Ortega), madre e hija, separadas por la muerte del padre.

Sin embargo este contacto con el más allá será una oportunidad para estrechar nuevamente lazos e intentar reparar la familia, con la ausencia del progenitor.

UNA AUSENCIA CREATIVA

Una decisión creativa en esta película es cómo incluyeron al personaje del padre de Lydia, interpretado por el actor Jeffrey Jones en la primera Beetljuice.

Este actor no aparece en la cinta debido a que fue acusado por posesión de pornografía infantil y registrado como agresor sexual. Entonces por obvias razones se prescindió de su presencia en esta película.

Más no de su personaje.

Y la forma cómo resolvieron este «inconveniente» fue bastante creativo. No se trató de darle una muerte y recordarlo, sino que tiene presencia a lo largo de la cinta y protagoniza una línea secundaria que le da más diversión a la historia.

LA MUERTE PARA TIM BURTON

Otro detalle que se mantiene en las dos Beetljuice es el punto de vista de Tim Burton sobre la muerte. Es que para el director el más allá es divertido y una oportunidad para tomarse licencias.

Pero también señala que uno queda como congelado en una escena, si la muerte es traumática. Y no hay «descanse en paz», si el fallecimiento fue accidental. Así que esta situación es una oportunidad para resolver y saldar cuentas pendientes.

En general, la película quedó bien para los objetivos que fue creada. Así que buscarle tres pies al gato, no tiene sentido. Siéntese en el cine, como pop corn y gaseosa y goce de esta nueva aventura de Tim Burton.

Alien Romulus: Crítica a la nueva película de la franquicia

0

Alien: Romulus refresca la franquicia y se queda en lo básico, con algunos toques de la fórmula inicial para captar nuevamente el interés de las audiencias.

TAMBIÉN LEA: Godzila y King Kong, crítica a la película

En esta película dirigida por Fede Álvarez no hay nada nuevo, exceptuando el final en que se intenta incluir una nueva propuesta de alien que queda un poco raro.

Para que conozcan un poco el trabajo de Fede Álvarez tenemos que decir que es un director uruguayo. Su trabajo está más ligado al terror. Hizo películas como Posesión Infernal y la buena cinta No respires (también hay una segunda parte)

En su nuevo planteamiento para alien vemos nuevamente un personaje femenino fuerte que hace gala de sus dotes de supervivencia hacia el epílogo de la historia.

También el personaje varón desubicado que vive en un constante episodio de adrenalina gritando incoherencias y retando a la fuerza alienígena.

No faltaron los aliens rompiendo costillas y vientres, así como la abrupta salida de escape para que el extraterrestre salga disparado de la nave. O la boca amenazante del extraterrestre acercándose a la mujer en peligro.

EL FACTOR ANDROIDE

Del mismo modo el androide cumple un papel ambiguo como ha ocurrido en casi todas las películas de la franquicia.

En este caso parece un aliado humano, pero en cada reinicio de su sistema se transforma en un ser frío, carente de emociones y lealtad, que está al servicio de un objetivo corporativo.

Esto me hace pensar que el enemigo no necesariamente son los terribles extraterrestres, sino los tripulantes de la nave quienes en un afán experimentador no miden sus límites y quedan presos en estas pruebas de ensayo espaciales.

Por lo menos la primera parte de Alien: Romulus está bien. Pero cuando ingresa hacia el final se presenta una propuesta rara de alienígena evolucionado que probablemente volverán a repetirlas en las siguientes películas.

Ese momento de la película se sintió extraña. Aplicando la fórmula se construía un camino interesante. Sin embargo, el ingreso de este elemento no termina de cuajar.

Pero en general la cinta es muy entretenida. Se parece por lo menos a las dos primeras películas de la franquicia, estrenadas por la década de los 80. No tengan dudas que gracias a la buena recepción en la taquilla se vendrán nuevas secuelas en los siguientes años.

 

Reinas: Crítica a la película de Klaudia Reynicke

0

Reinas de Klaudia Reynicke cuenta la historia de Carlos, un joven padre que intenta acercarse a sus dos hijas en momentos en que están preparándose para abandonar el Perú obligadas por la crisis económica y la presencia terrorista de Sendero Luminoso en el país.

TAMBIÉN LEA: Crítica a Tatuajes en la Memoria de Luis Llosa

En la primera parte de la película observamos a Carlos intentando acercarse a sus pequeñas accediendo a sus caprichos.

La estrategia no es nueva. A este joven padre le conviene acceder a los requerimientos de sus hijas, convertirse en su cómplice y ganar algunas sonrisas.

Sin embargo esta falsa ilusión, este momento engañoso, hace creer a los tres que es posible vivir juntos como la familia que probablemente inventaron en sus cabezas.

Por eso es que el viaje para escapar de la falta de dinero y los ataques terroristas está en peligro. Por lo menos dos de los protagonistas asumen que viviendo juntos serán felices y podrán compensar los años perdidos.

UNA HISTORIA SUTIL

Pero para poner sus pies en la tierra aparece el factor terrorismo. Este que se cuenta con mucha sutileza y efectividad en la película. Quizás sea lo más novedoso e interesante que se retrata en Reinas.

Para los que vivieron esa época esta narración es un viaje en el tiempo por aquellos años de toque de queda impuesto para salvaguardar la vida en las casas. O los apagones provocados por Sendero Luminoso en momentos inoportunos. Incluso los montones de intis entregados para recibir unos cuántos dólares de los cambistas.

Fueron momentos dolorosos, aún en nuestra memoria, que hoy parecen risibles, pero que en su momento motivaron a muchos peruanos dejar su país en busca de un mejor bienestar.

Es este factor lo que hace aterrizar a padre e hijas y los empuja a tomar una decisión final. No obstante el acuerdo previsible, los personajes crecen y, pese a las pocas vivencias, parecen terminar esta historia más conectados y perdonados que al principio.

Reinas pudo haber sido una historia más de un padre reconciliándose con sus hijas, pero creo que la narración de una época oscura para el Perú eleva la película y la hace más interesante, por momentos entretenida, e incluso reflexiva.

Vale la pena dar una mirada a esta buena película y recordar en el cine aquellos tiempos que quedaron atrás, pero que están bien presentes en nuestros días.

Tatuajes en la memoria: Crítica a la película de Luis Llosa

0

El director, Luis Llosa, adaptó al cine el libro de Lurgio Gavilán, Memorias de un Soldado Desconocido, bajo el nombre de Tatuajes en la Memoria.

TAMBIÉN LEA: Crítica a Los indomables de Tito Catacora

Con el guion del premio nobel de Literatura, Mario Vargas Llosa, la película cuenta la increíble historia de Lurgio, un joven que siguió a Sendero Luminoso, luego fue capturado por el Ejército Peruano y asimilado a sus filas. Salió de esta institución y se convirtió en un sacerdote franciscano. Finalmente, con grado académico de doctor, terminó ejerciendo la docencia en la Universidad de Huamanga.

Había un buen material para rodar un peliculón, sin embargo Tatuajes en la Memoria quedó a medio camino.

ACTUACIONES Y PRISAS

Hay un problema en las actuaciones. El corazón de toda película son sus interpretaciones porque el trabajo de los actores nos hacen creer las historias, incluso estas se desarrollen con presupuestos mínimos.

En este caso no hay fuerza en las interpretaciones. Se notan sus limitaciones, salvo aquellos con experiencia cuyos papeles son más anecdóticos que relevantes.

Otro problema es que hacia el final de la película corre rápido. Se cierra la historia con mucha prisa y eso se nota.

UN POCO INTERESANTE

La primera parte parece interesante y es la que se dedica más tiempo. Esta está enfocada en el paso de Lurgio por Sendero Luminoso, pero no por convicción, sino por estar con su hermano, luego de la muerte de sus padres.

Este momento se aprovechó para graficar el extremismo y las contradicciones de esta organización. Ellos eran frontales con los militares y pobladores, pero también con su misma gente a quienes trataban con mucha dureza.

A Lurgio solo se le ve como testigo de este triste episodio ya que como mencionamos su objetivo era estar junto a su hermano.

Luego la segunda parte, o redención del personaje, hay una búsqueda del personaje por alejarse de la violencia y encontrar un camino de paz.

Aparentemente la encuentra cuando ejerce el sacerdocio, pero no queda claro, porque la película corre tan rápido hacia el final que este detalle queda en el aire. Más bien quisieron abarcar mucho cuando el tiempo ya se les acababa.

Había un buen material para hacer una película interesante, pero no cuajó bien el producto final.

Ojalá esta sea una buena oportunidad para que la gente lea el libro de Lurgio Gavilán y conozca otro punto de vista de este trágico episodio de la historia del Perú.