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Roma: Recuerdos de una valiente Cleo

Christiaan Lecarnaque
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Roma: Recuerdos de una valiente Cleo

Por Christiaan Lecarnaqué L.

Les voy a contar un spoiler… de Roma.

Los gritos y órdenes de una sala de maternidad desesperan. Apenas se escucha los lamentos de la parturienta. Puja en silencio. Los médicos y enfermeras que la rodean nunca dejan de hablar. Siempre hay algo que decir cuando llega una nuevo niño al mundo.

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La mujer está sola con ellos. Parece un camino obvio a la llegada del nuevo ser. Pero cuando el médico utiliza una especie de cono para escuchar los latidos del bebé dice: «No oigo nada, doctora», y lo dice varias veces. Preocupa. Suspende esta acción y en segundos verifica si la paciente está lista para el alumbramiento. Ese momento nos engaña y nos distrae de la información mencionada segundos atrás. Parece que todo saldrá bien. Porque la paciente está lista. Pero solo es una cortina de humo. Una advertencia de ese triste final.

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Porque en este parto no hubo llantos de un niño. Sino silencio. Un cuerpo inerte sale del vientre de Cleo. Los médicos intentan revivirlo. La enfermera utiliza dos dedos para empujar ese pequeño y delicado pecho. No hay respuesta. Cleo mira. Solloza. No hay respuesta. Ella no deja de mirar que su hijo no reacciona. No hay respuesta. Solo hay una, y no viene del bebé: «Lo siento señora…¿Quiere despedirse de su hija?» Cleo le dice que sí moviendo con la cabeza. El pediatra deposita en su pecho el cadáver de su primogénita. Las lágrimas caen sin color sobre las mejillas de Cleo. Es una escena terrible. Es un dolor a blanco y negro.

LO MEJOR DE CUARÓN

Cuando miras esta desgarradora escena de Roma, la nueva obra de Alfonso Cuarón, tu corazón te dice que todo saldrá bien, pero tu cabeza lo contrario. Los ojos se llenan de agua porque estamos acostumbrados a ver y escuchar el llanto de un bebé en una película. Pero verlo sin vida, en la mano de la obstetriz, traslandándolo a una camilla, mientras Cleo no deja de mirar, encima de otra, aún con las piernas abiertas, se te parte el corazón.

La historia de Cleo se cuenta sin censura en Roma. Ni cuando el padre de esa niña la deja sola en el cine al enterarse que será padre. Ni cuando su patrona le da una cachetada solo porque no evitó que su hijo escuchara una pelea con su marido. Qué hipocresía. Por qué tenía que pagar los platos rotos.

A Cleo se le ve en su hábitat. Encargándose de las tareas hogar, mientras el resto juego o se dedica a otras ocupaciones. Cleo es vital en esa familia de clase media. Conocemos su trabajo, decepciones y una relación ambigua con sus patrones. 

Roma es Cleo, y Cleo es Yalitza Aparicio, una maestra que esperaba enseñar en un colegio de México, y terminó haciendo un buen trabajo en esta película de Alfonso Cuarón. Su trabajo mereció muchos elogios, por cierto bastante justificados, e incluso se especula con una nominación al Óscar, francamente meritoria.

LO MEJOR

roma de alfonso cuarón

A la buena interpretación se suma la buena fotografía blanco y negro, el sonido aterrador de las olas llevándose unos niños o en esa sala de maternidad, el diseño de producción que no descuidó ningún detalle. Todo está ahí. Hasta el alfiler. Parece que Cuarón quería que sus recuerdos sean unas fotocopias en esta película. Porque esta película se basó en la historia de su nana: Liboria Rodríguez, así que tenía que ser muy personal e íntima.

Pero también habla de México. De una época borrada por la modernidad, pero presente en su memoria. Cada escena de Cleo nos lleva a ojear esa historia.

Roma es una buena película que fluye sin problemas. Es un viaje por la vida de Cleo, es un viaje por la memoria de Cuarón, y es una oportunidad para discutir sobre el rol que juegan estas mujeres, no solo discriminadas en México, sino también en Latinoamérica.

Buena obra Alfonso Cuarón.

Spider-Man: Un nuevo día y el retorno a sus raíces clásicas

Christiaan Lecarnaque
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Spider-Man: Un nuevo día y el retorno a sus raíces clásicas

Spider-Man: Un nuevo día supone otra oportunidad para explorar los orígenes del Hombre Araña, pero retomando sus inicios clásicos en el cine.

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Cuando Tom Holland empezó esta aventura en 2017 —hace casi diez años—, se le escribió un origen más racional al superhéroe, alejado de las propuestas descritas en las películas de Tobey Maguire y Andrew Garfield. Esta decisión coincidía con la tendencia de anclar a la realidad los nacimientos de los superhéroes en el cine, iniciada a partir de la trilogía de Batman de Christopher Nolan.

Por ello, en la primera película de Holland se percibía un tono diferente al de sus antecesoras; la intención era marcar distancias. Por ejemplo, aunque Peter confecciona un traje inicial, Iron Man le proporciona otro con lo último en tecnología. Del mismo modo, las telarañas no salían de sus muñecas, sino de dispositivos creados en los laboratorios de Tony Stark.

[¡Atención! Los siguientes párrafos pueden contener spoilers]

Casi una década después, en la cuarta película de Spider-Man con Tom Holland, se propone una reinvención del personaje a partir de sus orígenes clásicos. Este Hombre Araña, al igual que sus antecesores, carga con la muerte de su tía, afronta cambios biológicos que hacen innecesario el uso de prendas sofisticadas, tiene un oído más agudo y sus telarañas vuelven a salir directamente de sus muñecas.

Otra similitud clave: protege celosamente su anonimato y utiliza el traje de Spider-Man de pies a cabeza. Por eso no es casualidad que existan varios guiños a la primera entrega de Tobey Maguire (como la escena del beso). Sin embargo, el protagonista no acepta estos cambios de inmediato, sino que atraviesa un conflicto interno al asumir sus «nuevos dones».

¿Más películas para Holland?

Existe una clara intención de retornar a la narrativa clásica de la franquicia. ¿El propósito? Quizás darle un nuevo aire al personaje o dejar atrás la imagen del Peter Parker adolescente que se metía en problemas por su ingenuidad. Mediante este recurso, se busca conducir al personaje hacia la madurez narrativa y enfrentarlo a retos más complejos.

Contar Spider-Man: Un nuevo día desde sus raíces podría garantizarle a Holland un par de películas más antes de ceder el relevo a otro actor. El tiempo dirá si esta fórmula ayuda a mitigar la fatiga del género de superhéroes.

Asimismo, para conducir esa transición, la película presenta una villana compleja, astuta y con conflictos emocionales similares a los del héroe. La presentación de la antagónica es interesante —aunque involucra al héroe en la revelación de su identidad sus habilidades de detective son básicas (la película por sí sola presenta al antagónico)—; no obstante, como suele ocurrir en el Universo Cinematográfico de Marvel (para mi, un error), este personaje se redime hacia el final para formar una alianza en favor de la humanidad.

Spider-Man: Un nuevo día presenta más personajes

Por otro lado, cabe subrayar que la introducción de este personaje marca también el tan esperado regreso de los X-Men. La referencia es obvia por el nombre de la villana.

Retomar la fórmula clásica suena bien porque, en el fondo, el producto entrega lo mismo de siempre: escenas de acción (nada extraordinario), bastantes efectos visuales, humor adolescente y un enfoque emocional centrado en la relación con Mary Jane (Zendaya) y Ned.

Como indica su título, parecen avecinarse nuevos días para el enmascarado. Aportarle madurez al protagonista desde lo clásico fue un acierto; sin embargo, si la saga quiere mantenerse fresca, las secuencias de acción y los efectos especiales deberán innovar, o de lo contrario la fatiga del público volverá a hacerse sentir.

Heartstopper para siempre: crítica al final de serie de Netflix

Christiaan Lecarnaque
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Heartstopper para siempre: crítica al final de serie de Netflix

Heartstopper, la serie juvenil LGTBI de Netflix, cierra con optimismo con la película de casi dos horas Heartstopper para siempre.

Lee esta reseña a la última temporada de Heartstopper disponible en Netflix

Porque lo que existe en demasía en esta película es el optimismo. Hay mucha buena vibra en esta cinta y algo de conflicto para disimular esta extrema sencillez.

Si en la última temporada Charlie estaba en un constante ataque de ansiedad, en esta película Nick explora sus problemas emocionales y temores al compromiso. En ese sentido, Charlie aparece como su soporte, tal como lo hizo Nick en la historia anterior.

Este momento sirve también para poner a prueba la fortaleza de Charlie luego de sus terapias y evidenciar que Nick no es un roble, sino que, como todo adolescente, también tiene sus propios problemas de salud mental. Sin embargo, el conflicto se aborda tan rápido que no ha necesitado muchas escenas para resolverse.

Lo interesante de Heartstopper es que, si bien nace como una historia LGTBI, termina abordando temáticas poco discutidas fuera de la pantalla chica. Esto sirve de guía e información para padres y jóvenes involucrados en estos temas.

En ese sentido, la producción funciona como un manual de ayuda que a veces olvida su narrativa audiovisual al imponer un excesivo optimismo en sus personajes para darles un final esperanzador. Se olvida de que, muchas veces, los conflictos empujan a los protagonistas a evolucionar y transformarse hacia el final de la historia.

Dichas estas palabras, el cierre de Heartstopper termina con mucha amabilidad hacia sus personajes y deja un mensaje positivo para sus seguidores. Eso está bien, pero la extrema sencillez no genera mucho interés, mucho menos si la película dura casi dos horas. Como sucede con la mayoría de las buenas series, los finales terminan dejando una deuda y un mal sabor de boca.

Amos del universo: ¿Por qué no funciona esta película? [Prime Video]

Christiaan Lecarnaque
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Amos del universo: ¿Por qué no funciona esta película? [Prime Video]

Amos del universo transita por el camino del héroe predestinado a gobernar su tierra, no sin antes probar su valor para merecer este honor.

[ACTUALIZACIÓN: Esta película está disponible en Prime Video]

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La historia de esta película tiene una similitud con los filmes de superhéroes que abordan los orígenes de sus personajes. Por ejemplo, Batman inicia (2005), de Christopher Nolan, tenía un protagonista con sed de venganza. Este fue sometido a una preparación física y mental extenuante hasta convertirse en el héroe que necesitaba Gotham. El Spider-Man de Tobey Maguire no cambia su norte hasta que asesinan a su tío. Al igual que Batman, tiene que enfrentar ese sentimiento y entender que «un gran poder conlleva una gran responsabilidad». Mientras tanto, el Thor de Marvel tenía el camino allanado para asumir el trono; sin embargo, la vida le pone complicaciones y debe lidiar con estos obstáculos.

Entonces, Amos del universo aplica la misma fórmula, pero el problema es que apela tanto a la comedia que descuida los objetivos del protagonista: ¿quiere demostrarle a su padre que es digno del trono?, ¿quiere regresar a su tierra solo por el hecho de retornar?, ¿quiere venganza? No queda claro este punto. El humor, también presente en otras películas de orígenes de superhéroes, termina por dispersar las motivaciones del personaje y fuerza hacia el final un mensaje sobre el poder interior, ya que, sin este, la Espada del Poder no completa la transformación del superhéroe.

Amos del Universo y una oportunidad perdida

En ese sentido, Amos del universo no se toma en serio a sí misma y descuida la construcción del personaje. De esta manera, plantea una película normal, sin muchos aspavientos y con el solo propósito de divertir. Como sucede en este tipo de producciones, apela a los efectos visuales pirotécnicos, pero no ofrece nada que ya no hayamos visto en el cine.

Aunque la película se inspira en una franquicia estrenada en los años ochenta (la película de 1987 está disponible en Prime Video), no hay mucha nostalgia ochentera salvo por la música. Quizás este punto haya sido un acierto, porque pocos recuerdan a estos personajes, salvo aquellos que están por encima de los 40 años.

Mejor construida y colocando al protagonista en verdaderos aprietos emocionales, quizás la película hubiera tenido otro tono; sin embargo, se encasilla en lo habitual del cine de entretenimiento, y esto hace que el filme se olvide en cuanto salimos de la sala de cine.

La Odisea, el épico relato de Christopher Nolan

Christiaan Lecarnaque
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La Odisea, el épico relato de Christopher Nolan

La odisea de Christopher Nolan es épica, con un buen nivel técnico, que respeta el libro de Homero.

Las películas de Nolan siempre generan altas expectativas. Sus trabajos anteriores, tales como El caballero de la noche, Interstellar y Oppenheimer, dejaron satisfechos al público, quienes terminan interesados por su siguiente trabajo. Por eso es que hay mucha confianza en sus proyectos.

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En esta oportunidad arriesga en su carrera para adaptar una de las obras clásicas más investigadas, leídas e interpretadas en el mundo, y ofrece un trabajo elaborado desde su punto de vista sin dejar de respetar el libro.

Nolan pudo dejarse llevar por Hollywood y concentrarse en las aventuras, la fantasía de la mitología griega y la violencia de las batallas, pero prefirió enfocarse en la guerra y sus efectos. Dejó atrás lo legendario, aquella leyenda construida para admirar una guerra —la de Troya— provocada supuestamente por la belleza de una mujer, para utilizar la historia de Homero en subrayar los efectos de una guerra devastadora. Un conflicto que no permitió ver a un hijo crecer (Odiseo-Telemaco), a un general disfrutar de su victoria (Agamenón) o a los soldados retornar a sus hogares (los soldados de Odiseo).

Historias de la vida real, según Nolan

En ese sentido, no necesariamente Nolan busca adaptar la época ni los hechos descritos en La odisea al 100 %, sino construir su historia sobre esta idea sin traicionar su estilo. Por eso es que no recurre a los efectos visuales, sino a trucos prácticos y centenares de extras para darle cierto realismo a las audiencias. Por ejemplo, el Joker de Nolan no existe, pero es semejante a un terrorista, y todo en El caballero de la noche se cuenta como una historia de no ficción.

Entonces deja de lado la fantasía que genera la mitología griega, aunque sin excluirla completamente. Zeus, por ejemplo, no está en carne y hueso, pero sí lo percibimos a través del trueno. Tampoco está Poseidón, pero su rabia está en un mar furioso y peligroso.

Hay cíclopes, hechizos y sirenas, pero igual no se sale del molde de lo real. Todos esperábamos ver a las sirenas, pero están y no están. Hay que afinar la mirada para observarlas detrás de esa niebla espesa. Eso quiere Nolan. Pero este tipo de narración encaja en su estilo.

El truco final en La odisea

Incluso en el acto final, cuando retorna Odiseo a Ítaca, en el libro se habla de un hechizo para que este pase desapercibido frente a los pretendientes de Penélope, y en la película se incluye este episodio, pero con otro truco. Nolan apela a la iluminación, el vestuario y la interpretación de Matt Damon para adaptar este detalle del relato de Homero.

Este recurso, poco usado en las cintas actuales, aparece en las películas cuando el personaje busca venganza, como aquella escena en que Ben-Hur acude al ambiente en que Mesala está agonizando, luego del accidente en la carrera de caballos. Ben-Hur nunca aparece iluminado. Está completamente oscuro mientras observa cómo se ejecuta su venganza. También figura en Obsesión cuando la protagonista está poseída y se dirige a su coprotagonista. El mismo recurso está en esta película de Nolan.

El sonido y la música sumados al relato de La odisea

Si el realismo continúa en el cine de Nolan, también está la banda sonora que constantemente acompaña la historia. A veces puede saturar, pero al igual que otras melodías de su filmografía, esta también queda presente como El canto de las sirenas: una melodía triste, pero agradable, que no sale fácilmente de tu cabeza.

A ello hay que sumar el sonido que tiene presencia narrativa para sentir a los dioses y advertir de los planes de Odiseo. Pero, dependiendo del cine donde se aprecie La Odisea, la música y el sonido pueden opacar los diálogos.

Personajes con conflictos

Si a nivel técnico la película está bien ejecutada, en interpretaciones igual. Cada actor en sus minutos hace un buen papel, pero sobresalen Matt Damon con un Odiseo vehemente, arrepentido y vengativo. En el libro también se le describe como un hombre que obvia las advertencias y esto se cuestiona en la película, hasta que él mismo muestra arrepentimiento por sus actos.

Del mismo modo aparece Anne Hathaway como una Penélope paciente, pero fuerte. Lo interesante de este personaje es que los diálogos con su hijo Telémaco no son maternales, sino políticos. Parece que entre los dos hubiera un interés por mantener el trono de Ítaca.

Todo este paquete regala buenos momentos en esta larga experiencia (dura tres horas) en La Odisea: la escena de los cíclopes, los cerdos y Circe, la batalla de Troya y el acto final. Dicen que cuesta entrar en la película en su primera media hora, pero como ocurrió con Interstellar y Oppenheimer, Nolan ubica a los personajes y deja pistas sobre ellos.

La odisea es una buena película. Es más parecida a Oppenheimer e Interstellar. El tiempo dirá qué tan buena fue, pero hoy no podemos negar que regala una buena experiencia a las audiencias. Nolan es uno de los directores más importantes de la época. Podemos enumerar sus fallos, pero no podemos negar que su amor por el cine continúa intacto.

La casa de la pradera, la nueva versión de la familia Ingalls

Christiaan Lecarnaque
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La casa de la pradera, la nueva versión de la familia Ingalls

La casa de la pradera, la nueva versión de la familia Ingalls estrenada en Netflix, se desarrolla como una historia sencilla, inocente, familiar y limpia. Esta serie de ocho episodios no intenta hacer un calco y copia de la versión de 1974, sino proponer una nueva perspectiva de esta historia para las nuevas generaciones.

[Los episodios de la familia Ingalls de los años ’70 están disponibles en Prime Video]

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No obstante, La casa de la pradera se ha trabajado para un público familiar con narrativas de conflictos inofensivos, permitiendo que la trama fluya sin complicaciones hacia las audiencias.

Una imagen nítida, semejante a las generadas con inteligencia artificial, acompaña esta nueva propuesta de La casa de la pradera. Por lo menos en los tres primeros episodios, tenemos una propuesta visual en 4K nítida, limpia y sin matices que «limpia», incluso, los rostros de los actores. Todo es claro en estas imágenes; no hay otro tono que no sea esa blancura resplandeciente. Luego de estos episodios, lo visual regresa a lo clásico y convencional.

Por otro lado, hay un intento por diversificar las historias. Por ejemplo, las familias nativas tienen una voz, aunque menos complicada que la de las familias blancas. Pero, como todo funciona para trabajar en comunidad, ninguno de estos clanes se agrede, sino que se complementan para vencer los desafíos nacidos de la tierra donde viven.

La casa de la pradera y el villano de la historia

Precisamente en esta narrativa, la localidad no los acoge con la hospitalidad de sus vecinos, sino que pone a prueba los sueños y aspiraciones de sus visitantes. Entonces, el reto está en domar la naturaleza o rendirse a su furia. En este choque no hay violencia, sino episodios que llevan a los protagonistas a reflexionar y a replantearse si conviene o no vivir en ese lugar.

La casa de la pradera está diseñada para verla sin problemas en el televisor, aunque esto no necesariamente signifique reunir a las familias en las salas de las casas como lo logró la versión de la década de los 70. Esta nueva entrega sirve más bien para apreciarla en silencio y en soledad, para luego olvidarla y continuar con el siguiente estreno de Netflix.

La Voz de Hind Rajab y el drama palestino [Netflix]

Christiaan Lecarnaque
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La Voz de Hind Rajab y el drama palestino [Netflix]

La Voz de Hind Rajab toma un audio real como inspiración para contar la historia de una niña palestina muerta durante un ataque militar israelí.

[ACTUALIZACIÓN: Esta película está disponible en Netflix]

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Hind Rajab, de cinco años, fue asesinada durante un ataque israelí el 29 de enero de 2024. Estaba junto a su familia en un auto intentando huir de la invasión a la Franja de Gaza. Ella pudo llamar a la organización humanitaria Media Luna Roja Palestina para pedir ayuda; sin embargo, en ese interín murió. Además, la ambulancia enviada en su rescate fue atacada por las tropas israelíes.

Entonces, a partir de la grabación de la llamada hecha por la pequeña, se realiza esta película para dramatizar este impactante momento.

La Voz de Hind Rajab toma el punto de vista de los trabajadores de esta organización humanitaria. De esta manera se prioriza, primero, su desesperación por encontrar la ayuda requerida para salvar a la niña. Segundo, hay un retrato de su frustración generada por la respuesta burocrática a sus pedidos.

La Voz de Hind Rajab y el drama

El corazón de esta narrativa está en el drama, más no en el suspenso. En todo momento se observa que se impone la desesperación por encima de cualquier decisión fría. Es que enterarse de que una niña de cinco años está en esta situación condiciona la respuesta de los protagonistas de esta historia, más aún al reparar en que no hay piedad por parte de los antagonistas.

La película no sale de la oficina de los rescatistas. El audio es el actor secundario de una historia liderada por ellos. Del mismo modo, la cinta me hizo recordar por momentos a La noche más oscura de Kathryn Bigelow, protagonizada por Jessica Chastain, sobre todo en el momento en que uno de sus personajes deja mensajes en una de las ventanas.

Esta película es importante y también valiente porque pone en vitrina la actitud indolente de un ejército en el campo de batalla, ya que hablamos de un enemigo sin misericordia. Sin embargo, a veces el drama de los rescatistas retratado en esta película parece ser más importante que la misma víctima, y en ocasiones se alcanzan niveles que podrían distraer de la idea central de La Voz de Hind Rajab. No es una película sobre la niña, sino acerca de ellos.

Pero van ganando espacio historias del drama palestino en el cine, como el documental No Other Land, estrenado en 2025, que ayudan a contarle al mundo su versión. De esta manera se busca romper el discurso de un país conflictivo y empoderado para pisotear y desaparecer a su rival sin ningún remordimiento.

Moana: ¿El público está aburrido de los live action?

Christiaan Lecarnaque
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Moana: ¿El público está aburrido de los live action?

Moana, la versión live-action, no funcionó ni en crítica ni en taquilla. Ya se habla de pérdidas millonarias para esta nueva propuesta (podría perder hasta 125 millones de dólares).

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A nivel cinematográfico no hay mucho en qué profundizar, ya que es la misma historia de la película de 2016. Como sucede en la mayoría de las adaptaciones de carne y hueso, muchos de los elementos que hicieron populares a las cintas animadas quedan atrás. El carisma de los personajes animados, la magia y la fantasía de estas historias no siempre se pueden calcar en una película con humanos; eso depende en gran medida de las actuaciones y los efectos visuales. En ese sentido, la tecnología y las interpretaciones en Moana no pasan de ser correctas: no hay nada virtuoso ni arriesgado en este nuevo planteamiento.

[Las dos películas animadas de Moana están disponibles en Disney+]

Sin embargo, esta es la misma fórmula aplicada en películas como Lilo & Stitch o El rey león. Aquellas producciones tuvieron críticas aceptables y una excelente taquilla. Al igual que Moana, fueron un calco de sus fuentes originales, pero al menos conectaron con el público; algo que con esta nueva versión no ha ocurrido. Incluso, la confianza depositada en este proyecto se respaldaba en la gran aceptación de Moana 2, secuela animada que superó los mil millones de dólares en taquilla a pesar de sus bajos puntajes en las reseñas.

Moana: ¿Hay fatiga del público?

Frente a esto, podríamos hablar de una fatiga en el público, que probablemente esté cansado de estas fórmulas y de su falta de originalidad. Pero también cabe señalar un factor temporal: tanto Lilo & Stitch como El rey león llegaron a los cines en sus versiones live-action después de varias décadas. La versión animada de Lilo & Stitch se estrenó en 2002 y su adaptación en 2025; mientras que El rey león se proyectó por primera vez en 1994 y su propuesta al estilo National Geographic llegó en 2019. Incluso Cómo entrenar a tu dragón se estrenó en 2010 y su contraparte de acción real se programó para 2025. En todos estos casos, el factor nostalgia tuvo tiempo de madurar.

Si bien la primera Moana llegó a nuestras vidas hace diez años, la segunda parte se estrenó hace apenas dos. Por lo tanto, es muy probable que el público esté saturado de la franquicia, la cual, a diferencia de los otros clásicos mencionados, no dejó una larga estela de nostalgia en el camino.

Para que este tipo de proyectos funcione, es necesario proponer algo nuevo. No se trata de reinventar la franquicia, sino de entusiasmar al espectador a nivel visual o narrativo para que decida volver al cine. Al final, ¿por qué pagar una entrada para ver exactamente lo mismo, con la única diferencia de que los personajes son humanos? En esta producción, faltó iniciativa para no dejarse llevar por la flojera cinéfila.

Amarga Navidad: La crítica de Almodóvar al escritor

Christiaan Lecarnaque
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Amarga Navidad: La crítica de Almodóvar al escritor

Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar, cuestiona el proceso de creación de los guionistas de películas.

Aparentemente inofensiva, la película inicia con un escritor tipeando su nuevo guion sobre las migrañas de una joven directora de publicidad. Este dolor permite abordar el lado personal de esta protagonista y su influencia en su trabajo creativo.

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Aunque podríamos intuir que se trata de la experiencia personal del guionista, el diálogo subraya que se trata de una inspiración, mas no de una adaptación real de las vivencias del escritor. En ese sentido, utiliza un artificio narrativo y construye un personaje femenino para, a través de ella, contar algunos recuerdos.

Conforme Amarga Navidad regresa al presente y se enfoca en el proceso creativo del guionista, notamos de dónde va sacando las ideas para su nueva película.

Sin embargo, esta nueva experiencia almodovariana no pretende dar una lección de guion de cine, sino criticarlo. En la última media hora, la historia da un giro y la película se queda con un escritor enfrentado por una de las musas de su inspiración. Esta le reclama adueñarse de una historia delicada para hacer su película, mientras que el otro defiende su posición. Es en ese momento cuando ingresa el interesante término «vampirizar la historia de otros»; es decir, construir un relato a partir de las vivencias externas.

Amarga Navidad y una reflexión en el final

Probablemente esta sea la parte más importante y entretenida de la película, ya que el conflicto plantea ideas y genera debate: ¿quién tiene la razón, el escritor o la musa inspiradora?, ¿es válido apropiarse de testimonios ajenos? Un punto de vista interesante que lleva a la reflexión sobre lo pertinente en el proceso creativo.

Quizás Almodóvar propone esta idea muy tarde, aunque sutilmente la coloca como una pista a mitad de la cinta, ya que la primera parte —por lo menos la primera hora— divaga sobre esa idea de guion que no genera mayor interés ni conflicto.

Pero lo que sí llama la atención es la composición de algunas escenas semejantes a un cuadro. Tenemos la escena final desarrollada fuera de un restaurante cerca de un parque o la visita a los zocos de Lanzarote. Todo ello se combina con el estilo cromático de Almodóvar: rojos, naranjas y verdes. Las historias de Almodóvar se cuentan con un exquisito gusto artístico.

El título Amarga Navidad podría provenir, literalmente, de la escena donde una mujer descubre la infidelidad de su marido, o de cómo este episodio sirve, también, para inspirar el nuevo trabajo de esa directora de publicidad. Un regalo a la creatividad —al fin y al cabo—, pero amargo para quien lo debe observar en la pantalla grande.

Premios Emmy 2026: ¿Conoce las series nominadas?

Christiaan Lecarnaque
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Premios Emmy 2026: ¿Conoce las series nominadas?

En setiembre se darán a conocer los ganadores de los premios Emmy 2026. A continuación los nominados en las principales categorías:

Mejor serie drama

Premios Emmy 2026: Mejor comedia

Mejores miniseries

Mejor película para televisión

  • Criaturas luminosas (Netflix)
  • Gente que conocemos en vacaciones (Netflix)
  • Jefe de estado (Prime Video)
  • Miss You, Love You
  • Jack Ryan, de Tom Clancy: Guerra encubierta (Prime Video)

Conoce a todos los nominados a los premios emmy 2026 en este link

Minions & Monstruos: ¿Algo nuevo en el horizonte?

Christiaan Lecarnaque
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Minions & Monstruos: ¿Algo nuevo en el horizonte?

En Minions & Monstruos estos personajes continúan buscando al villano ideal a quien servir y, en esta oportunidad, se refugian en la industria del cine para alcanzar su objetivo. Es decir, por accidente llegan a Hollywood. A un Hollywood que disfrutaba del apogeo del cine mudo, por lo que los pequeños Minions ingresan a este mundo y disfrutan de esta edad dorada. Sin embargo, con la llegada del cine sonoro ocurre lo que Hollywood ha contado hasta el hartazgo: la caída de estrellas en desgracia y el inicio de una nueva era.

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En ese sentido, los Minions tienen que reinventarse, seguir la corriente y aprovechar las películas para encontrar al antagónico deseado. Lo encuentran, pero no advierten los efectos de su creación.

La novedad en Minions & Monstruos está en el homenaje que hacen al cine al recrear escenas clásicas como Ciudadano Kane, Casablanca o dramas del cine negro. Hace un repaso rápido dirigido más al cinéfilo conocedor de estas escenas clave del séptimo arte. Quien no haya seguido mucho las películas de esos años probablemente se pierda en el camino.

Minions & Monstruos: Una historia que ya no asombra

Hacia la segunda mitad de la película, la historia de los Minions retorna a su marca registrada y ofrece el espectáculo de absurdos y enredos que suele entretener a las audiencias.

Aunque, al igual que Toy Story, esta película no es necesaria, lo interesante es que sus creadores buscan, de alguna manera, nuevas narrativas para conectar con el espectador. En este caso el problema, probablemente, sea que para disfrutar de la primera parte de esta cinta animada hay que conocer de historia del cine. Los críticos la conocen y los cinéfilos también pero, la audiencia en general, ¿la conocerá?

Luego, Minions & Monstruos ofrece lo mismo de siempre en una franquicia que ya debería agotarse y dar pie a nuevas ideas en el cine. Hubo un tiempo en que la animación arriesgaba y le funcionaba, pero hoy en día está refugiada en fórmulas que ya no asombran y que terminarán por afectar la afluencia del público a las salas de cine.

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