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Bruce Lee genera problemas a Quentin Tarantino

La inclusión de Bruce Lee en Había una vez en Hollywood de Quentin Tarantino generó un dolor de cabeza al director. La interpretación burlesca del personaje no ha sido bien recibida por la hija ni seguidores de Lee.

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En la escena de la película observamos a un Bruce Lee hablador, presumido y arrogante quien asegura, por ejemplo, vencer a Muhammad Ali, si se hubiera organizado una pelea entre ellos.

Cliff Booth, personaje interpretado por Brad Pitt, replica lo contrario e incluso lo reta y asegura que puede vencer a Lee.

Bruce Lee acepta y se da la pelea entre ambos en un set de grabación construido para la película, El avispón verde, que Lee grabó en vida. Booth en todo momento se burla de Lee, sobre todo de su característica voz. Después en segundos Booth toma a Lee del cuerpo y lo arroja contra un auto. Fin del asunto.

LA HIJA DE LEE RESPONDE

La burla no ha sido tomada bien por la hija de Lee, Shannon Lee, quien asegura que esta toma refleja, de alguna manera, la forma como trató Hollywood al peleador de artes marciales.

No tenían por qué tratarle de la misma manera que Hollywood lo trató cuando estaba vivo (…) Solo quiero que la gente sepa quién fue en verdad Bruce Lee, como persona”, dijo.

El exdiscípulo de Lee, Kareem Abdul-Jabbar, exjugador de la NBA de 2.10 metros, a quien vimos pelear con Bruce Lee en la película, Game of Death, lamentó esta interpretación considerándola racista.

bruce lee
Bruce Lee en una escena de pelea con Kareem Abdul-Jabbar en la película, Game of Death.

“Tarantino tiene el derecho artístico de retratar a Bruce como quiera. Pero hacerlo de una manera tan descuidada y de alguna manera racista es un error como artista y como ser humano. Esta controversia me ha dejado desgarrado”, precisó.

Consideró que no era necesario proyectar una imagen de tonto de Lee. “Él (Bruce Lee) es un tonto en la película. El problema es que en la vida real, no hay evidencia de que fuera un tonto egomaniaco. Él era un tipo muy interesante. Muy perspicaz”, indicó.

LA RESPUESTA DE TARANTINO

Pero a Quentin Tarantino estas críticas poco o nada le importan. Para él solo se trata de una ficción, aunque sí consideró que Lee fue una persona arrogante.

Bruce Lee fue algo arrogante. La forma como estuvo hablando, no solo inventé mucho de esos. Lo escuché decir cosas como esa, para ese efecto. Si la gente está diciendo, ‘bueno, el nunca podría haber dicho que vencía a Muhammad Ali’, bueno, él lo hizo. No solo él dijo eso, su esposa, Linda Lee, dijo eso en la primera biografía que leí. Ella absolutamente dijo eso”, señaló el director.

En verdad la escena es divertida, pero probablemente el seguidor del peleador y actor no hay sentido lo mismo que Tarantino.

QUIÉN GANARÍA UNA PELEA ENTRE LEE Y ALÍ

bruce lee
La imagen corresponde a una foto para un polo.

Y si se hubiera producido esa pelea quien hubiera ganado. Robert Clouse, el director de Operación Dragón, confesó que Lee sí tenía interés por una pelea con el campeón mundial de boxeo. Contó una anécdota donde Lee veía un documental sobre Alí.

Clouse vio a Lee analizando la película. Después colocó un espejo para reflejar la imagen del boxeador y recrear una pelea con él.

«La mano derecha de Bruce siguió la mano derecha de Ali, el pie izquierdo de Ali siguió el pie izquierdo de Bruce. Bruce estaba luchando en los zapatos de Ali. «Todo el mundo dice que debo pelear contra Ali algún día». Bruce dijo: «Estoy estudiando cada movimiento que hace. Estoy empezando a saber cómo piensa y se mueve. «Bruce sabía que nunca podría ganar una pelea contra Ali» Mira mi mano «, dijo. «Esa es una pequeña mano china». Él me mataría», recordó el director.

Lee fue un experto en artes marciales y en algunas oportunidades peleó contra algunos retadores. La mayoría de esos encuentros fueron ganados por Bruce Lee.

Festival de Lima 2019: Conoce las películas peruanas ganadoras

La edición 23 del festival de Lima 2019 terminó. La película ganadora del certamen cinéfilo fue la brasileña, Bacurau, pero también hubo reconocimientos para filmes peruanos.

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La cinta, Canción sin nombre, de Melina León recibió dos premios oficiales: premio especial del jurado y mención honorífica para la actriz, Pamela Mendoza.

El actor, Rodrigo Palacios, se quedó el reconocimiento a mejor interpretación masculina por su trabajo en La bronca de los hermanos Vega, película que ha merecido buenos comentarios en redes sociales.

festival de lima 2019
La bronca

Máxima, documental sobre Máxima Acuña y su lucha contra el proyecto minero Conga en Cajamarca, recibió el reconocimiento a premio del público a mejor película nacional.

Premios entregados por otras instituciones también subrayaron el trabajo de los directores nacionales.

El Ministerio de Cultura entregó el premio a mejor película peruana a Canción sin nombre: primera mención honrosa a La revolución y la tierra, un documental que aborda la reforma agraria de Juan Velasco Alvarado, segunda mención honrosa a película arequipeña, La cantera de Miguel Barreda, y tercera mención honrosa a La bronca.

El premio Indecopi a mejor guion fue entregado a Canción sin nombre y premio Apreci a mejor película en competencia, La bronca.

LA REACCIÓN DEL PÚBLICO

La bronca de los hermanos, Daniel y Diego Vega, directores de las buenas películas, El mudo y Octubre, generó más interacción en redes sociales, después de su estreno.

Las valoraciones fueron positivas e incluso algunos opinan que es la mejor película realizada a la fecha.

FECHAS DE ESTRENO

Algunas películas estrenadas en el festival de Lima 2019 tienen probables fechas de estreno.

El documental, El viaje de Javier Heraud, se estrenaría este jueves en las salas de cines. La película se concentra en el poeta y su legado.

La revolución y la tierra se estrenaría el próximo 10 de octubre. La bronca y Mapacho, ambas películas se proyectarán el 17 de octubre.

La cantera de Miguel Barreda probablemente llegue a los cines el 31 de octubre, mientras que el documental, La búsqueda, se estrenará el 28 de noviembre.

Las fechas son tentativas, podrían presentarse postergaciones o en el peor de los casos cancelaciones.

Había una vez en Hollywood o un Tarantino en modo reflexión

había una vez en hollywood

Cuando miras Había una vez en Hollywood te imaginas a Quentin Tarantino sentado con sus nietos contándoles cómo fue esa época de hippies y western. Relatando esa historia en forma pausada y lenta. Sacando lecciones de esas vivencias y apreciando sus buenos momentos. Sino fuera por la última media hora, francamente pensarías que no es una cinta made in Tarantino.

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HAZ CLICK AQUÍ: Escucha las canciones de Había una vez en Hollywood

La nueva película de Quentin Tarantino narra la historia del popular actor de western, Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) quien reconoce que su carrera está estancada. Duda de su capacidad y se apoya en su compañero, y doble de acción, Cliff Booth (Brad Pitt). Además de esta crisis, tenemos un homenaje a la joven y bella actriz, Sharon Tate (Margot Robbie).

Dalton tiene un problema. La popularidad ya no le garantiza estabilidad en Hollywood, así que lo proponen viajar a Europa para mantener sus ingresos económicos. No sin antes cumplir con trabajos pactados, donde intenta demostrar que es un buen actor. En cambio Cliff Booth va por el mundo resolviendo problemas, no tiene mayores responsabilidades que asistir a Dalton y descubrir los pocos límites de una comunidad de hippies nacida con fuerza en los 60.

A Sharon Tate nunca se le ve molesta, sino sonriente, bella, deslumbrante, talentosa y, al final de la película, radiante y embarazada. Su presencia más obedece a un homenaje a una actriz víctima de la crueldad y locura una pandilla de criminales. Fue asesinada por Charlie Manson y sus amigos en su vivienda.

La resolución de esta línea argumental recién la vincula con los personajes de DiCaprio y Pitt, quienes ejecutan la sentencia de Tarantino sobre los asesinos de Tate en la vida real.

EL JUICIO DE TARANTINO

había una vez en hollywood

El director utiliza el recurso empleado en Los malditos bastardos y Django Desencadenado: narrar una historia a su manera y castigar en su película a los malvados. En Los malditos bastardos, las balas destrozan todo el cuerpo de Hittler y sus amigos quemados en un teatro; en Django Desencadenado los esclavistas son sometidos a la fuerza de un látigo por un hombre de color.

En Había una vez en Hollywood sucede lo mismo. Los asesinos reciben su merecido. Tarantino sentencia y les otorga una feroz muerte a cada uno. Dalton alcanza el nivel de heroísmo de sus personajes de películas y Booth no se sale de sus límites y ejerce el papel de todo doble de acción “hacer el trabajo difícil” (y de alguna manera Pitt tampoco deja de ser el eterno antihéroe a quien la audiencia adora).

Así la película transcurre en un Hollywood donde Tarantino parece no descuidar ningún detalle en escenarios, ni música, ni películas. Incluyendo todo lo que su memoria e investigación ofrece. Opinando a través de sus diálogos como aquellas palabras furiosas dirigidas a los hippies o esa burla directa a Bruce Lee a quien deja como una estafa comparada con la fuerza de Muhammad Ali, o los puños de Cliff Booth. Un poca injusta la sorna hacia Bruce Lee.

HABÍA UNA VEZ EN HOLLYWOOD ES BUENA, PERO…

La película es buena, pero de ninguna manera mejor que Tiempos violentos, Los malditos bastardos e incluso Django Desencadenado. Hasta los dos filmes de Kill Bill, podrían ser mejor que Había una vez en Hollywood.

Por momentos se hace lenta, miras el reloj y luego el celular. Por ejemplo, se extrañan esos diálogos anodinos, pero difícilmente olvidables como aquellos sobre el silencio incómodo en Tiempos violentos, o atrevidos, como el supuesto origen de la sumisión de los hombres de color, pronunciado por el personaje esclavista de Leonardo DiCaprio en Django Desencadenado. O el divertido análisis de Like a virgin en Perros de reserva.

Tiempos violentos

Incluso el excelente arranque de Los malditos bastardos que demuestran la enorme habilidad del “cazajudíos”, o el juego de espías en un bar de cerveza.

Hay más ejemplos que ayudarían a demostrar que Había una vez en Hollywood, no parece una película de Tarantino, sino un espacio para tomar un respiro, sentarse y reflexionar con un cigarro en la mano y una taza de café en la otra sobre una época que ya pasó.

Glow tercera temporada: Las luchadoras quieren descansar del ring

Glow tercera temporada. Las luchadoras están preparadas para iniciar su nueva aventura: Las Vegas. La oportunidad. No solo tienen sus manos la posibilidad de hacer dinero, sino también de construir una carrera.

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Porque si antes teníamos un grupo de mujeres sin autoestima, esperando el momento para demostrar su talento, ahora tenemos a un grupo de damas empoderadas con la fuerza suficiente para decidir sobre sus vidas y profesión.

Suena bien trabajar en Las Vegas. En teoría es LA OPORTUNIDAD, pero en la práctica, otros factores juegan en contra y les advierte que Las Vegas es conformismo. No es lo que quieren hacer con sus vidas, sino aquellos viejos sueños que dejaron atrás para ingresar a este proyecto menospreciado al inicio, y alabado después.

De que otra manera se interpreta la reacción del elenco cuando el productor les anuncia que se quedarán más en Las Vegas, dado el éxito del show. Nadie recibe este anuncio bien. Ese no era el objetivo, sino avanzar hacia otros caminos.

Así transcurre la nueva historia de Glow tercera temporada, por cierto manteniendo el buen nivel, sin decaer en calidad en relación a las anteriores temporadas.

PROBLEMA DE MUJERES EN GLOW TERCERA TEMPORADA

glow

La tercera temporada de Glow también permite reflejar problemas de coyuntura contraponiendo las distintas voces que pueden aparecer en esta problemática.

Por ejemplo, una productora debe lidiar con la crianza de su hijo y su carrera profesional. Le gusta su trabajo, pero le disgusta dejar de lado a su pequeño. Mientras otra de las luchadoras no quiere un hijo, pero su esposo, sí. Ahí se genera un conflicto.

Otro dilema se expone cuando una de las luchadoras debe transitar por un camino para aceptar su sexualidad, y otro, uno de los productores, quiere esconderla. Así es más interesante conocer todos los ángulos de la historia.

Probablemente haya una cuarta temporada donde seguramente conoceremos si Glow se convierte en ese trampolín necesario en nuestras vidas para alcanzar lo que en verdad queremos con nosotros.

Escucha las canciones de Había una vez en Hollywood

canciones de Había una vez en hollywood

No hay película de Quentin Tarantino, sino música. Para Había una vez en Hollywood, utiliza canciones generalmente de los 60. Hay hasta tres temas de la banda Paul Revere & The Raiders, exitosa en la década de los 60. También entre las canciones de Había una vez en Hollywood aparecen canciones de Deep Purple, formada en 1968.

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Incluso en este soundtrack se incluye una canción de José Feliciano, California Dreamin.

Hay más de temas cuya lista en Spotify también incluye los avisos publicitarios escuchados en la película.

Eráse una vez en Hollywood es la nueva película de Quentin Tarantino, protagonizada por Brad Pitt, Leonardo DiCaprio y Margot Robbie. Es una viaje nostálgico al Hollywood de los años y tiene como trasfondo el asesinato cometido por Charles Manson.

TREAT HER RIGHT (ROY HEAD)

RAMBLIN’ GAMBLIN’MAN (BOB SEGER)

HUSH (DEEP PURPLE)

HECTOR (THE VILLAGE CALLERS)

SON OF A LOVIN’ MAN (BUCHANAN BROTHERS)

PAXTON QUIGLEY’S HAD THE COURSE (CHAD & JEREMY)

GOOD THING (PAUL REVERE & THE RAIDERS)

HUNGRY (PAUL REVERE & THE RAIDERS)

CHOO CHOO TRAIN (THE BOX TOPS)

JENY TAKE A RIDE

KENTUCKY WOMAN (DEEP PURPLE)

THE CIRCLE GAME (BUFFY SAINTE MARIE)

MRS. ROBINSON (SIMON & GARFUNKEL)

BRING A LITTLE LOVIN’ (LOS BRAVOS)

HEY LITTLE GIRL (DEE CLARK)

BROTHER LOVE’S TRAVELING SALVATION SHOW (NEL DIAMOND)

DON’T CHASE ME AROUND (ROBERT CORFF)

MR. SUN, MR. MOON (PAUL REVERE & THE RAIDERS)

CALIFORNIA DREAMIN (JOSÉ FELICIANO)

DINAMITE JIM

MISS LILY LANGTRY

CANCIONES DE HABÍA UNA VEZ EN HOLLYWOOD EN SPOTIFY

El culpable: Una habitación, un personaje y una misión

el culpable

El culpable (The guilty) funciona bien en una habitación de central de emergencia de la policía. Un actor ejecuta la historia interactuando con una posible víctima de violencia familiar, al otro lado del teléfono. Solo se ve al personaje recibiendo información, dando pautas y solucionando problemas. No hay persecuciones, capturas o autos volando por los aires, sino tensión al teléfono.

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Película danesa estrenada en el 2018 y recién proyectada en las salas de cine de Perú este año, compitió por una nominación al Óscar a mejor película extranjera. Cuenta la historia de Asger un policía integrante de una central de emergencia. Recibe la noticia de una mujer secuestrada por su esposo y decide involucrarse para salvarle la vida.

Su primer impulso es ayudar a esa presunta víctima. En ese momento solo le interesa conocer dónde se encuentra para enviar ayuda, porque la única información que recibe es que está en peligro y en manos de un presunto feminicida, pero desconoce dónde. Así que su cabeza se concentra en salvarle la vida. No ata cabos. Ni pregunta.

Pero este rasgo de su personalidad conduce las acciones hacia un escenario favorable al verdadero villano de esta historia. No es víctima de las circunstancias, sino que al actuar por impulso, al dejarse llevar, obvia preguntar, indagar o cruzar fuentes.

Y esta situación ya le pasó anteriormente poniéndolo en problemas con la justicia. Lo bueno es que repara en esta segunda oportunidad y corrige a tiempo el error, además que decide enmendar el primero que cometió antes de exiliarlo en este centro de emergencia.

HAY MÁS EN EL CULPABLE

No es una simple historia de un policía rescatando a una víctima gracias a un teléfono, sino el encuentro de un personaje impulsivo, cerrado, arisco, con una situación casi idéntica a la vivida en un pasado que no quiere corregir.

Para contarla no se requiere de grandes efectos, ni más personajes. Solo basta el protagonista para sumergirnos en esta triste historia de violencia tan frecuente en todas las sociedades del mundo.

A esta buena ejecución se suma el buen uso de los sonidos, luces, colores y voces en interpretación que ayudan a mantener el ritmo hasta el final, sin darle tregua al espectador a bajar la guardia y pensar en otros asuntos ajenos al planteamiento de la película.

El culpable es una buena historia que demuestra que con un excelente actor, un buen sonido y voces capaces de transmitir emociones se pueden hacer excelentes relatos en el séptimo arte.

La naranja mecánica: Una película adaptada con un libro sin final

Stanely Kubrick adaptó La naranja mecánica con un libro incompleto. El texto usado para la adaptación de la película no contenía el último capítulo de la historia de jóvenes pandilleros ejerciendo violencia en las calles del Reino Unido. Como es evidente los finales de la película con el texto son completamente distintos.

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El autor del libro, Anthony Burgess, contó que el libro llegó completo a todos los países, menos a Estados Unidos. En esa nación publicaron el texto sin el capítulo 21, el final, por una decisión del editor de Nueva York, quien consideró que ese epílogo era una traición a la historia de La naranja mecánica.

«Cuando Stanley Kubrick rodó la película, aunque lo hizo en Inglaterra, siguió la versión norteamericana, y al público fuera de los Estados Unidos le pareció que la historia acaba algo prematuramente», señaló en la introducción del texto.

DE QUÉ TRATA ESE FINAL DE LA NARANJA MECÁNICA

la naranja mecánica

La Naranja Mecánica sigue a un grupo de jóvenes violentos. A uno de ellos, Alex, lo atrapan y lo someten a un terrible programa de rehabilitación.

Al final, al no soportar este método, el protagonista se lanza de la ventana de una casa, sin embargo es recuperado por los médicos. En la última escena se ve un convenio entre este muchacho y el agente del gobierno para continuar, como aliados, con ese criticado programa de rehabilitación.

En el libro, Alex intenta suicidarse y se recupera en un hospital, pero en el mencionado capítulo 21 se indica que consigue un buen trabajo en un archivo musical, aburrido de la violencia y alejado de sus amigos. Además piensa en formar una familia. Al final se da una recuperación de su conducta, pero por su propia decisión.

la naranja mecánica

Ese final no se adapta en la película de Kubrick. El editor del libro en Nueva York consideraba que ese final era una «traición. Era muy británico, blando (…) Venía a decir que los norteamericanos eran más fuertes que los británicos y no temían enfrentarse a la realidad«.

«El capítulo veintiuno concede a la novela una cualidad de ficción genuina, un arte asentado sobre el principio de que los seres humanos cambian. De hecho, no tiene demasiado sentido escribir una novela a menos que pueda mostrarse la posibilidad de una transformación moral o un aumento de sabiduría que opera en el personaje o personajes principales», señala el autor.

En otras palabras el libro terminaba en un final más positivo, esperanzador, el protagonista cambia, pero en la película de Kubrick se cierra un circulo vicioso y de violencia coherente con la historia planteada.

POR QUÉ NARANJA MECÁNICA

El autor también explica las razones para bautizar a su obra como «La naranja mecánica».

«Las naranjas mecánicas no existen, excepto en el habla de los viejos londinenses. La imagen era extraña, siempre aplicada a cosas extrañas (…) Yo la uso para referirme a la aplicación de una moralidad mecánica a un organismo vivo que rebosa de jugo y dulzura«.

No es precisamente una obra apreciada por el autor del libro. Él mismo reconoce que hubiera preferido olvidarla, pero gracias al trabajo de Kubrick sigue vigente, convirtiendo a la película y el texto en obras de culto.

«Publiqué la novela en 1962 lapso que debería haber bastado para borrarla de la memoria literaria del mundo. Sin embargo se resiste a ser borrada, y de eso la versión cinematográfica de Stanley Kubrick es la principal responsable»

EL LENGUAJE

Leer La naranja mecánica es un reto, porque no usa un lenguaje sencillo, sino mezcla palabras con el estilo denominado «Nadsat» o «una versión rusificada del inglés». Por eso es que en varias líneas se lee veco en vez de viejo, o golosa en vez de voces, o rucas en vez de manos, o babuchca en vez de anciana.

Stanley Kubrick usa algunos términos en los diálogos, como drugos para llamar a los amigos, pero en el texto hay más. El libro está acompañado de un glosario con estos términos para entender mejor la obra.

LA RAZÓN DE LA MÚSICA

Qué tiene que ver la música de Bethoven con la violencia ejercida por el protagonista, Alex. Porque sí ven la película parece que la intención de esas melodías fuera embellecer las agresiones cometidas por Alex.

Pero no. A Alex, a esa alma retorcida, le encanta la música clásica. «La música siempre me excitaba, oh hermanos míos, haciéndome sentir como si fuera el propio y viejo Bogo (Dios) en persona», expresa el protagonista en el libro.

Gracias a la utilización de esa música en la película, las ventas de los discos de Bethoven, aumentaron en el año de estreno. Solo que en el texto se hace referencia a más autores de música clásica. Y en la película al tema principal del musical, Cantando bajo la lluvia.

¿VIOLENCIA?

El estreno de la película supuso una amenaza para Kubrick, porque llovían amenazas y pedidos de censura. Se quitaron algunas escenas. Incluso en Reino Unido fue retirada debido a una ataque de violación imitando una de las tomas de la película.

Varias décadas después recién se aprecia esta película y francamente tildarla de violenta en estos tiempos resulta risible. Hoy se ven películas donde revientan ojos, atraviesan cuerpos y degollan personajes sin censura y al gusto del público.

Pese a la controversia, La naranja mecánica es una buena película, buenas actuaciones y fotografía. Tuvo varias nominaciones al Óscar. El libro es un relato sencillo con un lenguaje complejo, cuya historia le da una oportunidad inmerecida al protagonista. La obra de Kubrick es más coherente con la historia central. Si quieren leer el libro, pueden descargarlo AQUI

Escucha la canción final de Orange is the new black de Danielle Brooks

danielle brooks

En el último episodio de Orange is the new black se escucha la canción final, el último tema, la despedida a todas estas presas que nos hicieron reír y llorar con sus tragedias. La canción final de Orange is the new black vino de la voz de Danielle Brooks, quien interpretó a Taystee en toda la serie.

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La canción final de Orange is the new black lleva como nombre Seassons y es uno de los temas incluidos en el nuevo disco de Brooks, Four, lanzado en julio.

Con esta canción vemos escenas donde actores y actrices se despiden de los fans con algunas palabras finales. Además que Danielle Brooks la canta a capela animada por aplausos. Al final se le escucha quebrarse la voz.

Tasytee, interpretado por Brooks, fue víctima de la injusticia, debido a que asume la responsabilidad de la muerte de uno de los guardias de seguridad. Condenada a cadena perpetua evalúa suicidarse, sin embargo acercarse a sus compañeras y prepararlas para dejar la cárcel, la coloca en un nuevo objetivo.

En la temporada final de Orange is the new black, también se incluye otra versión de la canción principal, You’ve Got Time, a cargo de Regina Spektor. Se le denomina la «Chamber version«

La temporada final incluye, además, varias canciones disponibles en Spotify para recordar las historias de las internas de Litchfield.

CANCIONES DE ORANGE IS THE NEW BLACK

Las mentes del anime: Dónde vienen las ideas

las mentes del anime

Netflix estrenó el documental de una hora «Las mentes del anime» donde se profundiza en la creación de estas historias que tienen un público cautivo.

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La directora del documental, Alex Burunova, viaja desde Los Ángeles hasta Japón para introducirse en esta cultura y explicar al espectador detalles del proceso creativo de los animes.

Sin embargo lo interesante viene al final, cuando a todos los entrevistados les preguntan: Dónde vienen las ideas. Pues todos contestan en la ducha.

Sí. Las grandes ideas de los creadores del anime generan ideas cuándo están tomando una ducha. Por ejemplo, el director de Baki, Toshiki Hirano, confiesa que las ideas fluyen cuando está en la ducha.

Le preguntan si escribe esas ideas desnudo. No, responde. Se seca rápido y las escribe en una libreta de apuntes. «Si no se me olvidan», confiesa.

Otros reciben ideas cuándo están paseando. Pero la mayoría en las duchas.

QUIEREN DORMIR

Las mentes del anime aporta un detalle importante. Estos creativos trabajan demasiado. Le dedican hasta 20 horas al día al anime que vemos todos los días en televisión o Netflix. Por eso que cuando les preguntan qué les gustarían hacer en sus tiempos libres, responden dormir.

CONTRADICCIÓN

El documental también aborda en una contradicción. Es que la cultura japonesa es tranquila, conformista, dice la cineasta, y amante de la naturaleza, por tanto resulta una contradicción las historias ofrecidas en los animes. Porque estos dibujos no son precisamente relatos correctos, románticos y positivos. Todo lo contrario. La sangre, erotismo y violencia se exploran sin censura, escenas que se no ven en Japón, señala la directora del documental.

Cada creativo justifica sus ideas ante las cámaras. Todo anime tiene un motivo. Unos exploran el poder femenino y la defensa del medio ambiente, otros como Evangelion tocan temas controvertidos y, en su momento, adelantados a su época.

Interesante documental, Las mentes del anime, disponible en Netflix. Solo dura una hora.

El final de Orange is the new black no decepciona

El final de Orange is the new black no ha sido decepcionante, pero tampoco brillante. No recupera el nivel de las temporadas anteriores, pero se despide bien de sus fans.

Los epílogos no han sido precisamente felices, sino agridulces. Todo ha sido correcto y coherente.

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Después de una locura presidiaria, llega el momento de la redención, de la oportunidad de dejar atrás ese pasado tormentoso e iniciar una nueva vida lejos de la cárcel. Sin embargo no todas encuentran esa oportunidad, ni creen tener derecho a tenerla. Mientras que otras, con la libertad en las manos, no saben cómo manejarla y se ven envueltas en conflictos existenciales.

Hay historias en que asumen el vicio y el crimen como una forma de vida como el caso de Daya y su madre, Aleida. Otras no llegan a creer ellas como Dogget. Unas tienen la mala suerte de estar en el lugar equivocado como Maritza.

A otras viven en libertad, pero les cuesta asumirla como a Piper. Con ella notamos que estar fuera es tan duro como en la cárcel. Porque debe enfrentar prejuicios, cumplir normas y tomar decisiones. La falta de confianza pasa factura y la pone en el umbral de una cárcel, otra vez.

orange is teh new black

O el caso Cindy, quien sale de la cárcel traicionando a su amiga Taystee, pero en libertad se topa con un pasado que no quiere reconciliarse con ella.

orange is the new black

Taystee es un caso real de injusticia, pero asume su encarcelamiento para darles oportunidad a otras presas. Afortunadamente lo consigue.

Los finales de las presas no son felices, sino agridulces. Libres, pero presas. A otras, en cambio, parece gustarles la cárcel.

EL DRAMA DE LA INMIGRACIÓN

Detrás de estas historias se aprovecha para poner en vitrina grandes temas de coyuntura discutidas en Estados Unidos, como la inmigración. Esta problemática tiene un espacio importante en el final de Orange is the new black.

orange is the new black

La narración de la inmigración es reveladora e ilustrativa en este final. La historia de los inmigrantes se asemeja más a una comedia a un drama. Por eso es un ingrediente apropiado para Orange is the new black. Porque francamente hay momentos risibles y absurdos cometidos en una sociedad, en pleno siglo XXI, construida por migrantes y defensora de la libertad.

A su estilo, Orange is the new black, toma esta problemática y la representa generando estupor e indignación en los espectadores. A veces queda la impresión que las presas viven mejor que los inmigrantes.

EL ACOSO EN VITRINA

final de orange is the new black

Por otro lado, se aborda el acoso sexual con Caputo, el exalcaide, de personalidad peculiar, sexualmente activo, con problemas de pasado con mujeres, hoy resucitados durante el desarrollo de una relación, más o menos, estable.

Aquí el acosador es el protagonista quien pasa de un proceso de victimizarse a asumir que tuvo una conducta inapropiada con una de sus trabajadoras. Su final no es precisamente el exilio social, sino la aceptación del delito y el encuentro con la madurez.

Orange is the new black se acabó. Ya no hay más historias de presas. Se despidió bien, pero no al nivel de las primeras temporadas. No decepcionó como otros finales de populares series. Pero quizás su legado haya sido darnos el punto de vista de personajes castigados por sus crímenes con la privación de su libertad y además con sucesivos episodios de injusticias, maltratos y traiciones. Bien dicen que en prisión “todo se paga”.