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Better Man: Crítica a la película sobre Robbie Williams

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El cantante Robbie Williams cuenta que aburrido de los biopics en los cines escogió que un mono lo interpretara en su película autobiográfica Better Man, título de una de sus canciones más populares.

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Entonces mientras el resto de personajes son humanos, Robbie, el protagonista, es un mono interpretado por el actor, Jonno Davies.

Para ello emplearon la misma técnica que utilizaron, por ejemplo, para recrear a Gollum en El señor de los anillos o César en las películas de El planeta de los simios.

Digamos que esta es una de las novedades de esta película. El cantante se ve como un mono y se le dio el gusto. El mono Robbie interactúa con el resto y su figura no altera en nada la historia.

Pero esta presentación solo es parte del simbolismo presente en Better Man. Se plantea, por ejemplo, que el cantante tuvo que lidiar con problemas de adicción al alcohol, drogas lo que conllevó cuadros de depresión, ansiedad e inseguridad.

Todo estos demonios internos se representan también como monos a lo largo de la película y representan todos estos temores que el cantante ha tenido que lidiar a lo largo de su carrera.

Del mismo modo hay tomas en que se juega con fantasía para representar la esencia, motivaciones y sensaciones de sus canciones. Algunas quedan bien como aquella en que el carro choca con el agua o cuando doma a sus demonios en un concierto.

Si bien han querido presentar una propuesta innovadora y diferente a los biopic clásicos que llegan a los cines, no pudieron evitar caer en la fórmula de contar los orígenes de sus canciones más populares (faltó Supreme) con eventos particulares del cantante.

SE ARRIESGA Y RESULTA

No obstante este detalle, la cinta si se aparta de lo convencional y ofrece una propuesta diferente, entretenida y musical. Tienes buenas coreografías como la que interpreta a Rock DJ o She’s One.

Además que es un biopic duro y franco con el protagonista quien conforme avance en la fama va perdiendo familia y amigos.

El final es bastante emotivo y de alguna manera expresa su arrepentimiento con aquellos que pudo haber herido en su trayectoria musical. Para cerrar con una de las mejores canciones de Frank Sinatra e inspiraciones del cantante Robbie Williams

Si eres fan del cantante británico, entonces vas a disfrutar esta película.

Aún estoy aquí: crítica a la película de Walter Salles

Aún estoy aquí de Walter Salles, reciente ganador del Oscar a mejor película internacional, aborda la desaparición de Rubens Paiva durante la dictadura militar de Brasil en 1971 desde el punto de vista de su esposa Eunice Paiva, interpretada por la actriz, Fernanda Torres.

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La película arranca con una larga introducción donde se presenta a Eunice, su esposo y sus hijos en su casa de Rio de Janeiro, disfrutando de las vacaciones, fiestas y el cariño familiar. Estas escenas se combinan con el paso de tanques por las avenidas, agresivos operativos y noticias de detenciones de políticos opositores al régimen militar.

Se retrata al diputado como un padre amoroso, cercano a sus amigos y enamorado de su esposa. Pero principalmente se destaca la buena relación con sus hijos.

LA MEJOR PARTE DE LA PELÍCULA

Luego viene el secuestro del político, quizás la mejor parte de Aún estoy aquí, donde simplemente el personaje desaparece y se da más peso a Eunice para que a través de su experiencia conozcamos la crueldad y perversidad de esta dictadura.

No hay escenas violentas ni explícitas, sino sutilezas apoyadas en gritos, ambientes oscuros, interrogatorios incómodos y en esta parte de la interpretación de Fernanda Torres es clave.

Este trabajo transmite, primero, desconcierto, y luego miedo. Hay mucho temor expresado en su rostro y cuerpo, evidentemente, por la incertidumbre de desconocer el paradero de su esposo y la situación de su hija de 15 años a quien también detienen.

Pero en ningún momento esta mujer se desborda. Intenta mantener la calma cuando está recluida y con sus hijos. Se nota que hay dolor y rabia contenida, pero su prioridad es encontrar a su esposo.

No se comprendería la gravedad de esta situación, sino fuera por el trabajo de Torres.

Además todo ello ayuda a que Salles construya un ambiente de terror y tensión como si estuviéramos viendo una película de este género.

El final no es necesariamente feliz, pero por lo menos obtiene respuestas a la desaparición de su esposo. Aunque esta parte de la película se siente más sencilla y menos trabajada que el resto de la cinta, no le quita méritos.

EL MOMENTO PERFECTO

Además Aún está aquí llegó en un momento en que varios gobiernos buscan revisar la historia y reivindicar dictaduras en nombre de sus ideología, pasando por agua tibia sus crímenes y torturas.

De ahí la valentía de Walter Salles de exponer una historia que no debería volver a repetirse en nuestros países.

P.D. Walter Salles dirigió también Estación Central con Fernanda Montenegro, la madre de Fernanda Torres, y Diarios de motocicleta con Gael García Bernal. Logró el cuarto Oscar para Sudamérica, anteriormente lograron este honor La Historia Oficial y El Secreto de sus ojos por Argentina, y Una Mujer Fantástica por Chile.

Revelación: crítica a la película de Netflix

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El director de Estación Zombie (o Tren a Busan) Yeon Sang-ho dirige Revelación para Netflix y aborda desde dos puntos de vista nuestras creencias.

En este drama coreano, por un lado tenemos un pastor cristiano que cree ver visiones y por otro tenemos a una detective que carga con la culpa por el suicidio de su hermana a quien ve, también, en apariciones.

La vida de los dos se cruza cuando desaparece una niña. Para las dos este caso representa una oportunidad.

El pastor cree que la pequeña está muerta, según sus revelaciones, y quiere que esa supuesta profecía se cumpla a toda costa. Mientras que la agente policial aspira a encontrarla con vida para resarcir en algo la muerte de su hermana.

En medio de los dos aparece un criminal, un hombre con pasado policial, que tuvo mucho que ver con la muerte de la hermana de la detective y que, además, se convierte en una oportunidad para el pastor de demostrar que el mal convive con nosotros.

LAS CREENCIAS EN DEBATE

La idea de fondo en Revelación es el efecto de las creencias en nuestras vidas. Ese pastor cree en sus visiones y asume que Dios le envía mensajes, convirtiéndolo en un hombre pegado a la Biblia sin posibilidad de ver matices o términos medios. Mientras que la detective está guiada por la creencia que su hermana aún se comunica con ella

Entonces el director de Revelación aprovecha estas posiciones para decirnos que estas afirmaciones tienen efectos nocivos en nuestra salud mental.

El fanatismo religioso del pastor lo convierte en un ser cruel y aparentemente sin límites, mientras que la detective es una sombra, que vive en automático, por una supuesta relación fraternal con el más allá.

Quizás por eso es que al final la cinta toma posición y con la ayuda de un psicólogo intenta marcar distancia.

Advierte que las creencias tienen sus límites y no existe nada mágico en la tierra. Aterriza las supuestas visiones de la detective y la ayuda a estar presente y concentrarse en su caso dejando de lado las supuestas apariciones fantasmales de su hermana.

CARICATURA

No obstante esta solo es la idea, porque la puesta en escena a veces parece caricaturesca, estereotipada y copiada de otras historias similares donde el fanático grita, recita las citas bíblicas en alto y se convierte en el villano. En el otro lado tenemos una mujer triste, con resentimientos, incapaz de contener las lágrimas.

Si bien al final deja en claro que esas creencias son burdas y sin sustento científico, esta intervención no es nada sutil y dejan un mensaje directo.

Lo curioso es que el acto final parece resolverse por una intervención divina cuando encuentran a la niña desaparecida, porque no hay otra explicación para ese epílogo tan «sorprendente».

P.D. La buena película Estación Zombie está disponible en Netflix.

 

El gatopardo: crítica a la miniserie de Netflix

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La miniserie de Netflix, El gatopardo, es una adaptación del libro del mismo nombre de Giuseppe Tomasi di Lampedusa, que sigue Fabrizio Corbera, príncipe de Salina, y su familia en una época de cambios en Italia.

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Este personaje de familia noble se convierte en testigo del proceso de reunificación de este país lo que significa el inicio del fin de la aristocracia italiana.

Entonces qué hacer ante esta transformación. ¿Conservar los privilegios o adaptarse a los cambios?

A lo largo de seis episodios vemos que El gatopardo no ve con buenos ojos estos cambios, aunque, según sus acciones, asume que son inevitables, entonces para su supervivencia y el de su familia es que decide aceptarlos y continuar con algo de sus privilegios.

BUENA AMBIENTACIÓN DE LA ÉPOCA

La historia se retrata con una buena ambientación de la época añadiéndole detalles interesantes, como el hielo colocado debajo de un ataúd para conservar un cuerpo en un velorio o el polvo que cubre la parte baja de los elegantes vestidos utilizados por las mujeres.

Se aprovecha las tomas panorámicas para apreciar los paisajes verdes y los caminos aledaños al mar transitados por las carrozas.

También es interesante que la imagen transmite el calor que perciben los personajes. Las tomas son cálidas y bien iluminadas.

Si bien El gatopardo es el protagonista, tiene igual de peso la historia de amor de su hija Constanzza con su primo Tancredi, una historia trágica que se ve empañada en este proceso de transformaciones. Aquí la política importa más que el amor.

LA PELÍCULA, GATOPARDO

Es importante mencionar que sobre esta historia hay un clásico del mismo nombre estrenado en 1963, disponible en Disney+.

Hay una diferencia notoria entre ambos productos. La película es más política y eso se nota en los diálogos. Se habla más de la transformación política del país y cómo afecta a la aristocracia. La historia de amor de Constanza y Tancredi es accesoria, apenas se toca.

Mientras que la puesta en escena es menos idílica y elegante que la miniserie. Los paisajes son duros, agrestes, polvorientos. Incluso hay una escena en que la familia del Gatopardo llega a una misa, luego de un viaje, con polvo encima.

Lo interesante son las batallas con extras en las calles italianas mostrando los efectos de esta reunificación.

No obstante las dos propuestas son buenas y sirven para darnos cuenta que los ricos también lloran.

Si te gustan las historias de época, te recomendamos esta miniserie de Netflix.

Blancanieves: crítica a la película de Gal Gadot

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Blancanieves, la versión live-action (osea hecha por actores) de Disney, es una película inofensiva. Parece que tenían tanto miedo al cargamontón generado con el solo anuncio de esta cinta que hicieron un producto simplón como para no tener problemas con las barras bravas de las redes sociales.

La historia de Blancanieves la conocen todos y esta versión no hace ni el intento de agregar o quitarle alguna coma. Es tal cual el relato que nos contaron de pequeños.

Lo que sí hay es abundante canciones quizás para compensar las limitadas actuaciones o darle algo de magia a la cinta. No lo sabemos. Igual la película termina siendo un producto sencillo, correcto, sin riesgos, dirigido a un público infantil y familiar.

Me hizo recordar a esas películas de Disney de los ’90 como El diario de la princesa o Juego de gemelas, en que el estudio cuidaba absolutamente todo para que no se le escapara nada.

LAS CONTROVERSIAS

Esta Blancanieves estuvo precedida por muchas controversias. La gente se quejó por la elección de la actriz para interpretar Blancanieves, Rachel Zegler, a quien se le vio estupenda en Amor sin barreras de Steven Spielberg (disponible en Disney+). Consideraban que Gal Gadot, la bruja malvada, era la opción más idónea para este puesto. Pero la película no les dio la razón.

A ello se sumó que Zegler adelantaba que la película buscaba proyectar una protagonista líder, quizás feminista, que no dependa de un príncipe azul para salvar la historia. Un mensaje que no cayó bien a las masas conservadoras.

Otra polémica fueron los enanos. El actor, Peter Dinklage,el popular Tyron Lannister de Juego de Tronos, dijo que incluir a personas de baja estatura en esta película reforzaba estereotipos. Al final tuvieron que agregar estos personajes con ayuda del famoso CGI (imágenes generadas por computadoras).

NI CON DIOS NI CON EL DIABLO

Todo ello influyó en el desarrollo de la película y terminaron entregando un producto que agrade a todos, que no se pelee con nadie y que no sepa a nada.

Además muchos apostaron por Gal Gadot como la protagonista de la historia de este cuento infantil, pero francamente no da la talla como la bruja malvada. Su trabajo es tan anodino como limitado que le aporta poco a esta película. Zegler está mejor. Hasta los enanos están mejor.

Pudo ser mejor pero esta Blancanieves no encaja en estos tiempos que exigen posiciones. Porque no sabe a nada.

P.D. Hablando de riesgos recuerden la buena película Blancanieves y el cazador de Kirsten Stewart, Charlize Theron y Chris Hemsworth (disponible en Max). Si quieren ver la versión en dibujos animados de 1937 pueden apreciarla en Disney+, y la del Chapulín Colorado está disponible en YouTube. Si pueden conseguirla también vean Blancanieves, una versión española muda a blanco y negro, protagonizada por Maribel Verdú.

Adolescencia: crítica a la miniserie de Netflix

Adolescencia, la nueva miniserie de Netflix, ha sacudido el mundo del streaming por contar la historia de un joven criminal en plano secuencia.

Esta es no una típica historia criminal que abordan detalles morbosos de los crímenes cometidos por el protagonista. Sino que a lo largo de cuatro episodios hay una permanente reflexión sobre la relación de adultos con adolescentes, sin caer en diálogos densos o aburridos.

Adolescencia es la historia de Jamie Miller, un joven acusado de asesinar a una de sus compañeras de clases.

En el primer capítulo vemos a la policía intervenir, en el segundo conocemos más sobre el mundo del adolescente y en el tercero profundiza en la personalidad de Jamie.

Mientras que el último ofrece un retrato conmovedor y devastador del padre de Jamie quien parece aún no comprender lo que pasó a su hijo y familia.

EL PLANO SECUENCIA

Toda la historia se cuenta en el denominado plano secuencia. Es decir, filmar una escena completa sin cortes de cámara. Esta técnica cinematográfica se utilizó en Birdman de Alejandro Gonzalez Iñarritu, 1917 de Sam Mendes y La Soga de Alfred Hitchcock. También se emplea en varias películas de acción.

En Adolescencia la cámara no solo sigue a los protagonistas de la historia, sino también a los secundarios que van apareciendo en la toma para completar su propia historia y complementar a la idea central.

La cámara siempre está en movimiento incluso en el momento en que la psicóloga entrevista a Jamie en la cárcel.

En esta escena de dos personajes, la cámara no se queda quieta, sino que a veces se acerca cuando los personajes tienen algo importante por decir, los rodea y se aleja para observar la interacción de ambos personajes.

Entonces hay una perfecta combinación entre el aspecto técnico de la miniserie y su parte dramática. La historia ahonda mucho en esta etapa de nuestras vidas y su relación con su entorno y , principalmente, los padres.

A ello hay que sumarle las buenas interpretaciones de los actores. Principalmente del protagonista, Owen Cooper, quien interpreta a Jamie. Su trabajo en el tercer episodio transita entre un joven aparentemente inofensivo a uno capaz de transmitir miedo a un adulto.

También mencionar a Stephen Graham, padre de Jamie, personaje que cierra bien la historia en ese diálogo con su esposa que huele a reproches y arrepentimientos por la conducta criminal de su hijo.

Nada que reprochar a esta buena producción de Netflix que ofrece una propuesta redonda que ha conectado muy bien con la audiencia.

Estado eléctrico: crítica a la película de Netflix

Escribir esta reseña sin mencionar que Estado eléctrico, la nueva película de Netflix, costó 320 millones de dólares, aproximadamente, es imposible.

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Al terminar de ver esta propuesta de los hermanos Russo (los directores de todas las películas de Los vengadores) te preguntas: ¿Por qué costó tanto esta película?

Después de ver estas dos horas de la historia de una niña que va en búsqueda de su hermano perdido, con ayuda de robots, reparas en que no valió la pena esta inversión.

Estado eléctrico es una película bastante simple, con pocos conflictos dramáticos o interpretaciones destacadas. Se justificaría este dinero invertido por el diseño de los robots y sus peleas. Quedaron bien, pero no es suficiente.

Los humanoides no tienen tanto protagonismo como los actores humanos. Me atrevería a decir que hubieran incluido más escenas de ellas interactuando o peleando que hubiera justificado este dinero.

No ha quedado bien esta película de Netflix. No exige nada al suscriptor de esta plataforma. Si es algo entretenida, pero no tiene alma, esencia o tema de fondo. Ni siquiera se acerca al molde de películas de ciencia ficción donde se discute, en el fondo, la convivencia humano-robot, porque no hay ninguna discusión ni debate. Es hueca.

La película tiene un aire al estilo de los blockbuster de Steven Spielberg, incluso la música se acerca un mínimo la de John Williams (otras escenas me hicieron acordar a Star Wars). Pero en las cintas de Spielberg hay tensión, una imagen bien cuidada y una música inolvidable, además de buenas interpretaciones, es decir, la puesta en escena, es más completa.

Aquí no hay colores, las tomas son simples, no hay composición visual, solo mejora cuando observamos los robots, quizás por la novedad, pero el resto se desarrolla con demasiada sencillez.

Quedan bien los robots, principalmente, cuando hay un enfrentamiento final. Esa parte se asemeja a la de un videojuego y se hubiera agradecido más escenas de este tipo. Top Gun, por ejemplo, le puso más importancia a las escenas de los aviones en increíbles persecuciones, poniendo en segundo plano las tomas dramáticas. Fue una buena decisión. La película quedó espectacular. Lo dramático no era lo suyo y optaron por priorizar las tomas de acción.

Lo mismo hicieron los hermanos Russo con El capitán América: Soldado de invierno, una de las mejores películas de Marvel. Pero, al parecer, esta experiencia no les ayudó a cuajar mejor Estado eléctrico.

La interpretación de Millie Bobby Brown no ayuda mucho. Ni la de Chris Pratt, quien parece interpretarse así mismo en esta película. Se nota que no hay química entre ambos, mientras que el resto de actores solo cumplen con su rol secundario.

No espere mucho de esta película, pero cuando termine de verla y sepa que costó más de 300 millones de dólares, le dará la razón a mucho crítico y fan decepcionado.

La hermandad silenciosa: crítica a la película de Jude Law

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La hermandad silenciosa (The order) protagonizada por el actor Jude Law, está inspirada en un grupo supremacista estadounidense también conocido como «La Hermandad Silenciosa» o «Movimiento de Resistencia Aria», activo entre septiembre de 1983 y diciembre de 1984.

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Las actividades delictivas de esta hermandad en Idaho llaman la atención de la policía que se pone a investigar.

La película avanza sobre el líder de este movimiento, Bob Mathews, interpretado por el actor, Nicholas Hoult, quien a través de su actuación conocemos las motivaciones y los orígenes del fanatismo del protagonista.

La imagen de este hombre resulta engañosa ya que por un lado se comporta como un esposo y padre ejemplar, y por otro como un fanático convencido en tomar las armas, derribar al gobierno e imponer su ideología.

Tenemos que esta hermandad se desprende de un grupo religioso más político que guerrillero apoyado en un líder joven y más devoto de las armas que de la oratoria.

Sin embargo, el protagonista tiene un carisma capaz de convencer a cualquier incrédulo de su nueva fe y visión del orden de las cosas.

Por el otro lado la policía intenta comprender a esta hermandad y atar cabos para capturar a su líderes y desmantelar el movimiento. Sin embargo, este trabajo no será fácil ya que enfrentan a seres fanatizados capaces de ofrendar su vida que entregarse a las autoridades.

Entonces La hermandad silenciosa ofrece interpretaciones y diálogos para comprender a los personajes, combinadas con escenas de acción para darnos una idea de la magnitud de los delitos cometidos por estos fanáticos.

En esas tomas de acción hay una interesante escena en que el policía está apuntando a un venado, mientras que a él lo apunta el líder de esta hermandad.

Aquí no hay espacios para el romanticismo, sino para el choque frontal para volver las cosas a su cauce natural.

La película está disponible en Prime Video.

 

Mil golpes: crítica a la serie del creador de Peaky Blinders

Mil golpes (A Thousand Blows), del creador de la serie Peaky Blinders, inicia su historia con el arribo de dos jamaiquinos a la Inglaterra del siglo XIX.

Uno de ellos aspira a convertirse en un domador de leones en un circo, sin embargo, por esos tiempos las personas tenían roles asignados y solo había que acomodarse.

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Entonces este par de migrantes no ven más opciones que dedicarse al boxeo, un deporte compartido tanto por el pueblo como la aristocracia. Ilusamente creyendo que con esta práctica podrían avanzar en esta sociedad.

Pero su lugar está destinado a entretener más no a progresar. En consecuencia mientras interpreten bien ese papel, nadie se meterá con ellos, de lo contrario pagarán caro su atrevimiento de querer avanzar.

En paralelo a esta historia hay una joven líder de una banda de ladronas de robos menores en parques y plazas.

Su habilidad en apropiarse de lo ajeno la lleva a pensar que puede dar un atraco mayor. No obstante, como sucede con los boxeadores, en esta época no puedes salirte del libreto asignado.

Estos seres marginales tienen a su favor su ímpetu y sus ganas de hacerse un espacio en esta sociedad, aunque no será suficiente y tendrán que apelar a malas artes para construir su propio camino.

Lo interesante de esta serie es que hay dolor que enfrentar como en el ring de box y artimañas que recurrir si es que se quiere sobrevivir. Si ganan, no lo harán a las buenas, sino con el impacto de sus puños. Además aprenderán a lidiar con pérdidas de seres queridos.

Hay una buena recreación de la época en esta serie, uno de sus puntos fuertes, así como interpretaciones destacadas a lo largo de la historia. Además hay unos giros que construyen personajes más duros y menos ingenuos como iniciaron la narración.

Mil Golpes no es una historia romántica, como a veces nos acostumbran estas historias de época, sino de supervivencia y violencia en una época fastuosa.

Disponible en Disney+.

Mickey 17: crítica a la película de Robert Pattinson

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Mickey 17 plantea una historia interesante. En un futuro, la humanidad será capaz de crear réplicas de individuos cada vez que mueran. Sin perder recuerdos ni cualidades físicas, el «prescindible», como se le llama, continúa con su vida, volviéndose prácticamente inmortal, pero en otro planeta.

Mickey se une a este programa debido a sus graves deudas, que ponen su vida en peligro. Ve en él una oportunidad de escapar de sus problemas, pero lo que parece una solución se convierte en una nueva pesadilla.

Al ser enviado como prescindible, Mickey es tratado como un objeto sometido a experimentos. Enfrenta situaciones extremas en las que pierde la vida, confiando en que siempre revivirá en una nueva réplica. Sin embargo, cuando llega la versión Mickey 17, también aparece el amor y una posibilidad de romper con este ciclo. Todo se complica aún más cuando el sistema lo da por muerto y crea a Mickey 18, quien, de alguna manera, le ofrece una nueva perspectiva y lo impulsa a rebelarse contra el sistema.

La película inicia con una narración en primera persona de Mickey, quien describe su experiencia como prescindible. Más adelante, la historia entra en conflicto con la aparición de Mickey 18, poniendo en jaque el supuesto éxito del programa y enfrentándolo al dilema de someter a los rebeldes o evolucionar.

Como ocurre en otras películas de ciencia ficción sobre inteligencia artificial que adquiere consciencia y se rebela contra su programación, Mickey 17 sigue una estructura similar. Al principio, el protagonista parece aceptar su rol, pero pronto se da cuenta de que no es más que una pieza desechable en un experimento. Al reparar en ello, decide luchar por su libertad y su propia identidad.

Sin embargo, ¿qué puede esperar un simple peón cuando se enfrenta a las fuerzas de la política y la tecnología? Nada bueno.

El ganador del Oscar Bong Joon-ho, conocido por Parásitos, ofrece aquí una propuesta interesante, aunque sin la misma profundidad o impacto que sus obras anteriores. Un ejercicio entretenido y bien ejecutado, pero que no llega a la reflexión que podría esperarse de su filmografía.

P.D. Si quieren explorar más del cine de Bong Joon-ho, Parásitos está disponible en Max y Prime Video, Snowpiercer en Prime Video y Okja en Netflix.