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Un completo desconocido: crítica a la película de Timotheé Chalamet

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Un completo desconocido (A complete unknown) es la historia de los inicios del cantante Bob Dylan. Es una historia clásica que se apoya en la buena interpretación del actor, Timotheé Chalamet.

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Dirigida por James Mangold, responsable de buenas películas como Logan y Ford vs. Ferrari, narra los orígenes de la música de Dylan, su seguridad para encontrar una oportunidad, y su ruptura con lo tradicional para presentar una nueva propuesta.

En este camino se observa a un Dylan seguro e inspirado, cualidades que le permiten construir unas buenas bases para su futura carrera en la música.

Pero lo extraordinario atrae miradas, fama e incomodidades.

Sin embargo, a él solo le interesa componer y cantar. Nada más. Para el resto de los mortales es un nuevo Dios de la música que debe ser venerado y esto no gusta a Dylan. Su personalidad parca y solitaria funcionan como una barrera con sus nuevos fans.

No obstante este personaje crece hasta romper con lo establecido y plantear un nuevo estilo musical vigente hasta nuestra actualidad.

EL TRABAJO DE CHALAMET

En ese sentido el trabajo de Chalamet ayuda a comprender este personaje. Capta su esencia y lo lleva a los escenarios cinematográficos para comprenderlo a profundidad.

No obstante hay fórmulas conocidas que ayudan a construir un biopic musical, como hablar un poco sobre los orígenes de sus canciones que permiten conocer las motivaciones de sus temas. O también de sus amores. Pero hay escenas en que se deja fluir la historia y se permite conocer mejor los personajes.

Como aquella en Dylan acude a un hospital a tocarle a uno de sus héroes musicales. O cuando ingresa a un programa de televisión y toca la guitarra con los invitados. También hay que decir que el final de alguna manera proyecta un protagonista seguro y encaminado hacia la inmortalidad. Además que contrapone lo clásico con lo moderno.

NARRACIÓN INTERESANTE

La narración de Un completo desconocido es clásica, pero dentro de lo convencional hay matices arriesgados. No hay edulcorantes ya que conocemos también ese lado B que los personajes públicos quieren ocultar y hay una forma interesante de contar algunos hechos emulando la poesía de las canciones de Dylan.

Por ejemplo, eso se observa en la toma en que Dylan está discutiendo con Joan Báez en una habitación de un motel. En la escena se observa solo a Dylan, pero atrás hay un espejo en que aparece el reflejo de Baéz. Esa composición junto con el diálogo completa la esencia de esa escena (simplemente no la quiere ver).

También hay otra donde Dylan discute con Pete Seeger también en un motel sobre la participación del cantante en un festival de country. Ahí hay un ruptura y eso se observa cuando ambos personajes se retratan lejanos, uno a otro a distancia.

Por estos elementos es que la narración no es tan clásica o correcta, sino que arriesga y le funciona.

Una buena propuesta que vale la pena apreciar en los cines.

P.D. Mangold hubiera aprovechado para crear su propio multiverso y traer de vuelta a Joaquín Phoenix como Johnny Cash, personaje que aparece en Un completo desconocido. Phoenix protagonizó la película En la cuerda floja (Walk the line) dirigida por Mangold.

 

Flow: crítica a la cinta animada nominada al Oscar

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Flow es una cinta animada poética, cargada de simbolismos y sin ningún diálogo. Esta película independiente, hecha en Letonia (Latvia), sale del molde de filmes norteamericanos proyectados en los cines.

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La historia inicia con un gato mirando su reflejo en un charco de agua, mientras aparece un conejo perseguido por un grupo de perros. En ese momento empiezan los problemas para el felino. Los canes lo persiguen llevándolo hacia un verdadero desafío: un mundo inundado por un tsunami.

El reto es: ¿sobrevivir o morir? ¿Si no puede con unos perros, podrá con este mundo cambiante?

Pronto veremos en este gato hay señales de querer vivir, pese a que su alrededor se derrumba. Sin embargo no es suficiente.

Para ello entablará amistad con animales de diferentes especies, con pocas cosas en común, aunque unidos por un solo motivo: sobrevivir.

Entonces a bordo de un barco de madera este gato convivirá y aprenderá de estas especies.

De tal manera que ese gato tímido y huidizo se transforma en un felino más proactivo y valiente, culminando su viaje en un charco de agua reflejando una imagen distinta a la que vimos al inicio.

Pero este gato es afortunado. No solo tiene a estos animales como aliados, sino también a la naturaleza, ya que en momentos críticos aparece para darle la mano y encaminarlo hacia su supervivencia. Como si hubiera sido escogido para una determinada misión en el mundo. ¿O es que a la película solo le interesa la supervivencia del gato y todo apunta a salvarlo a él?

Lo interesante, también, es que estos personajes no se humanizan. No tiene diálogos y se comunican por sonidos. Mantienen su esencia, su naturaleza, y aprovechando las peculiaridades de cada especie, se generan problemas para desafiar al protagonista.

Hay muchas escenas que se dejan a la interpretación, sobre todo aquella, en que hay una interacción final entre el ave y el gato. Puede ser una toma simbólica para terminar una historia o quizás sea referencia de algo más simple.

Lo cierto es que el simbolismo está presente en toda la historia, como imágenes, por ejemplo, resaltando al máximo los atardeceres que nos regala la naturaleza.

Flow es una cinta animada independiente que nos dice mucho sin palabras, con un mensaje directo, y unos personajes que interpretan bien sus roles en esta historia.

P.D. Si va a disfrutar esta historia, quédese hasta el final, que hay una escena postcrédito (no como Marvel, sino da una pista más sobre la historia).

Bridget Jones, loca por él: crítica a esta comedia

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Bridget Jones, loca por él o Bridget Jones 4 huele mucho a la primera Bridget Jones, estrenada el 2001, es decir, hace 24 años.

En esta nueva propuesta los personajes originales han envejecido y nuevamente hay una crisis existencial en la protagonista.

Otra vez Bridget está sola, pero no por una mala decisión, sino porque su querido Mark Darcy falleció y la dejó con dos hijos.

El problema es que tiene problemas para lidiar con sus pequeños y también con reencaminar su vida con Mark Darcy fuera de su proyecto de vida.

No se preocupe que en Bridget Jones, loca por él no se ahonda sobre la ausencia paterna o las consecuencias de la viudez, sino que apunta a entretener con las nuevas ocurrencias de Bridget y la nostalgia que genera esta franquicia.

Pero al inicio de esta reseña digo que esta entrega huele a la primera película porque hay muchas escenas reinventadas de la primera entrega como el final en que va en busca de su nuevo amor.  La presencia de la nieve en ambas tomas es similar.

También los nuevos pretendientes de Bridget tienen esencias semejantes a los personajes de Mark Darcy y Daniel Cleaver.

Así como estas tomas hay varias en esta película. Aunque también tiene escenas propias como el ingreso del joven pretendiente de Bridget a una fiesta de cumpleaños. Las reacciones de los personajes son hilarantes.

Del mismo modo los creadores de esta película no han perdido el buen gusto de seleccionar buenas canciones de los ’70 y ’80, o cover, para acompañar las nuevas locuras de Bridget.

Aparentemente esta será la última película del universo Bridget. Quién sabe. En el cine nunca sabe y nos llega una nueva crisis existencial de la divertida Bridget.

La semilla del fruto sagrado: crítica a esta película iraní

Hay que entender La semilla del fruto sagrado (The Seed of the Sacred Fig), película iraní de Mohammad Rasoulof, como una metáfora de lo que sucede en Irán contra las mujeres.

No es una película cargada de simbolismo, sino que tiene un mensaje claro y contundente inspirado en las movilizaciones de mujeres ocurridas el 2022 contra el uso obligatorio del velo en las mujeres.

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La cinta tiene tres partes marcadas.

En la primera un juez, su esposa y sus dos hijas se ven involucrados de alguna manera en estas protestas. Hay escenas en que se muestra la violenta represión dirigida contras las mujeres y hombres protestantes. Además se apoya en imágenes de noticieros de ese país.

Esta primera parte, más de interiores y diálogos, marca también la esencia de los personajes. Por un lado tenemos a las hijas dejándose contagiar por esta rebeldía buscando ser parte de este cambio, y por otro un padre lejano a sus hijas y una madre conservadora funcionando como puente entre ambos, aunque más aliada del jefe del hogar.

LA REPRESIÓN LLEGÓ AL HOGAR

La segunda parte el conflicto llega a esta familia de una manera interesante. La desaparición de un revólver pone en aprietos a este clan. Entonces se aprovecha la ausencia de esta arma para traer el sistema represivo a esta casa.

Al inicio ese juez aparece sensato y cariñoso con sus hijas. Incluso les habla con amor.  Sin embargo cuando se trata de imponer su autoridad, no tendrá problemas en imponer las leyes que le asisten como hombre para someter a las mujeres.

Lo interesante es que la esposa, quien se creía aliada incondicional de su esposo, también se ve afectada con la represión. Porque estos sistemas no distinguen matices o puntos medios, sino extremos que deben ser silenciados o castigados.

LA REPRESIÓN, EN TODA SU EXTENSIÓN

Finalmente la tercera parte, el final de la película, la metáfora se cierra cuando este sistema represivo hace gala de todas sus herramientas que tiene a la mano para someter a sus víctimas. No interesa si son familia. Aquí lo importante es someter a todas al imperio de la ley creado para mantener a raya a las mujeres.

De esta manera La semilla del fruto sagrado retrata una realidad de manera contundente y directa mostrándonos las terribles consecuencias de un sistema represivo contra las mujeres.

 

Septiembre 5: crítica a la película sobre el ataque en Munich

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Septiembre 5 retrata el ataque terrorista producido en los juegos olímpicos de Munich de 1972 desde el punto de vista de un grupo de periodistas de la cadena televisiva ABC que transmitieron por primera vez en vivo el desarrollo de unas competencias olímpicas.

Desafortunadamente este hito histórico en la televisión norteamericana significó la transmisión de un evento trágico que hasta la fecha se lamenta: el asesinato de 11 atletas y entrenadores israelís, así como un policía alemán, a manos del grupo terrorista Septiembre Negro.

Entonces Septiembre 5, fecha en que ocurrió este ataque, impregna su historia la adrenalina que genera una transmisión de un evento deportivo tan importante como las olimpiadas y la de esta inesperada tragedia.

De esta manera observamos personajes que hablan de prisa, cortes de edición con golpes de puerta o teléfonos, gente corriendo, etc. para transmitir esa sensación de tensión y estrés al espectador. Esto no aminora cuando inician la cobertura del ataque terrorista.

Solo que a esos momentos les agregan diálogos para discutir sobre el conflicto ético que generaría la transmisión en vivo de esa toma de rehenes.

En ese momento los personajes se preguntan si deben continuar su trabajo a favor de la historia periodística o cortarla para no ser cómplices de los terroristas.

PROBLEMAS COMPLEJOS CON RESPUESTAS SENCILLAS

El problema es que esas preguntas éticas se resuelven con mucha facilidad, por ejemplo, echándole la culpa al anfitrión de las olimpiadas por la incursión de terroristas en la villa olímpica de Munich. O recurriendo a opciones técnicas para desacelerar la transmisión en vivo de los eventos.

No hay una profundidad en esos conflictos éticos que hubieran sido interesantes sembrar en las cabezas de los espectadores.

El guion opta por un camino más sencillo para no cortar la adrenalina de una cobertura en vivo.

¿LA CULPA LA TIENE ALEMANIA?

Otro punto es que hay un tufillo de culpabilidad hacia Alemania en varios diálogos.

No solo se recurre a una supuesta incompetencia alemana para responder una de las preguntas éticas, sino que que hay otros momentos, por ejemplo, en que se cuestiona a una traductora alemana, si en verdad no sabían lo que Hitler hacía a los judíos. Y como estas escenas hay varias.

También hay que decir que Septiembre 5 se apoya en tomas antiguas a blanco y negro para recrear esos eventos trágicos.

No hay un reconstrucción cinematográfica de esos momentos. En esas escenas, la película pasa a convertirse en un documental y ahí es donde la adrenalina baja y pierde interés.

No obstante la cinta es interesante. Aporta desde el punto de vista periodístico, pero es un filme que toma una posición. Eso quedo claro y eso tienen que tomar en cuenta al momento de terminar de verla en los cines.

Memorias de un caracol: crítica a la cinta animada

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La tragedia de Grace en Memorias de un caracol (Memoir of a Snail) bien podrían encajar en los contemporáneos relatos sobre resilencia o en la estructura de una tragedia parecida a la de historia bíblica de Job.

Esta cinta animada, usando la técnica de stop motion, cuenta la triste historia de Grace quien convive con la tragedia desde su nacimiento.

Su madre muere cuando nace ella y su mellizo Gilbert. Quedan a cargo de su padre, un artista sumido en la pobreza y depresión, que al morir sella el triste destino de los hermanos.

Ambos son separados y enviados a familias a territorios tan distantes que solo es posible la comunicación por carta.

A partir de este punto hay una sucesión de eventos trágicos que marcan la vida de Grace. Estos la llevan al límite de su paciencia de soportar todas las desgracias enviadas por la vida.

En ese sentido Grace va relatando su historia a un grupo de caracoles que han sido su principal compañía a lo largo de su vida gris.

LOS CARACOLES EN LA PELÍCULA

Los personajes, como ella, adoptan una imagen similar a los caracoles, desde los ojos, hasta las manos (solo tienen cuatro dedos).

Todos son personajes peculiares. Con manías y vicios que no los hacen perfectos, pero sí un poco peculiares.

Mientras que la personalidad de Grace se asemeja a la un caracol que suele esconderse en su caparazón para protegerse de amenazas externas.

Esto tendría sentido hacia el final cuando la muerte de una aliada muy querida la inspiraría a dejar el fondo en que ha caído para renacer y buscar una nueva oportunidad en esta vida.

Memorias de un caracol combina también temas como el fanatismo religioso y el libertinaje extremo, ambos perjudiciales en la crianza de los mellizos.

Aunque parece que la idea es decirnos que por más que hayamos nacido en la oscuridad y sin aparentes oportunidades, siempre habrá una luz en el camino. Una ocasión para renacer y empezar de nuevo, como hacen los caracoles que cuidaba Grace.

No other land: crítica al documental nominado al Oscar

El documental, No other land (No hay otra tierra), nos ofrece otro punto de vista de este eterno conflicto entre Israel y los palestinos de Cisjordania y la franja de Gaza.

La película está dirigida por cuatro activistas que van describiendo el desplazamiento forzado de familias ubicadas en la aldea de Masafer Yatta, una región de Cisjordania.

Con una pequeña cámara Basel Adra, apoyado por el periodista, Yuval Abraham, va retratando desde el 2019 al 2023 el desalojo de estas familias palestinas por parte de soldados israelís quienes amparados en leyes aprobadas en su país, desplazan a la fuerza a estas familias.

Lo importante de este documental es que tiene material de primera mano. No hay mucha discusión que hacer a las imágenes que observamos, ni una edición tendenciosa. Simplemente están los hechos ahí para darnos cuenta que el otro lado de este conflicto también tiene una versión.

Las imágenes son duras. Vemos, por ejemplo, volquetes destruyendo viviendas y hasta un colegio con niños adentro asustados por el desalojo israelí.

Además hay violencia contra hombres que buscan oponerse a este tipo de medidas. La agresión no solo viene de los soldados, sino también de los denominados colonos, israelís que van avanzado con sus construcciones sobre terrenos que ellos consideran propios, pero que los palestinos alegan titularidad.

UNA PELÍCULA VALIENTE

No other land muestra que el avance israelí no se concentra solo en el desalojo y destrucción de las construcciones, sino que los soldados están respirando en la nuca de estas familias para hostigarlos y presionarlos a abandonar por su propia voluntad sus tierras.

Este es un documental valiente, de largo aliento, que tomó muchos años en rodarse y que ayudaría a dar un contexto más completo sobre este conflicto que viene muchas décadas durando entre políticos y religiosos con intereses, dejando en medio a los civiles, principales víctimas de estas consecuencias.

Recuerden que Basel Adra nunca deja de grabar. Ni aunque los soldados lo agreden y tocan a su familia.  Ni siquiera con el riesgo de perder su libertad. Es un muchacho valiente que tiene la esperanza de encontrar un cambio positivo para su gente.

Capitán América: Un nuevo mundo. Crítica a la película de Marvel

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Marvel intenta recuperar terreno perdido con Capitán América: Un nuevo mundo, aunque con Anthony Mackie, en reemplazo de Chris Evans, protagonizando esta historia.

Pero a la película le importa más abordar los orígenes de otro personaje, que hablar sobre el nuevo relevo del Capitán América.

LLEGÓ EL NUEVO

A Falcon lo hemos visto a la largo de las primeras películas del Capitán América y Los vengadores con Chris Evans a la cabeza, solo que ahora el actor Anthony Mackie tiene la oportunidad de lucirse con el traje del héroe máximo de Marvel.

Por eso hay una recomposición completa del universo del Capitán América con nuevos personajes y evidentemente otros actores.

Capitán América: Un nuevo mundo huele mucho al Capitán América y Soldado de Invierno del 2014, una de las mejores películas del universo Marvel.

En aquella película una conspiración fraguada por las élites mundiales busca controlar a todo aquel rebelde contrario a sus planes de dominio mundial.

En esta nueva Capitán América, hay un presidente de los Estados Unidos con un secreto  que genera tensión con otros líderes mundiales.

Para ello es importante que el superhéroe hile fino para juntar las pistas y develar la trama detrás de esta nueva conspiración, aunque tenga pocas habilidades detectivescas. Por esta tarea es que cederá protagonismo a otro personaje.

También se intenta construir el argumento del personaje que no está preparado para llevar ese traje o no estar listo para la misión.

Sin embargo esta premisa queda en el aire, para tomar protagonismo la construcción de un misterio develado hacia el final o para ser más directos aborda los orígenes de un nuevo personaje para el universo Marvel.

De esta manera la cinta avanza hacia la revelación de este secreto con varias de tomas de acción, en unos casos bien coreografiados, y en otros similares a Capitán América y el Soldado de Invierno.

CAPITÁN AMÉRICA O EL HULK ROJO

Por otro lado a esta película le falta malicia. El antagónico no presiona al protagonista a que empuje sus propios límites, como se observó en Capitán América y El Soldado de Invierno. Incluso en aquella película las tomas de acción ponían en verdadera dimensión al villano y colocaban contra las cuerdas al protagonista de la historia.

En cambio aquí el villano solo es un elemento más que ayuda a mantener el misterio del secreto, más no para sacar a lucir sus potencialidades.

Cuando el villano no funciona, entonces el protagonista no crece ni avanza.

El nuevo Capitán América solo una vía para presentar un personaje y un elemento de contención para frenar las consecuencias de esa aparición, más no es protagonista en su propia película.

Esta nueva Capitán América, o bien podría llamarse Cómo Nace El Hulk Rojo, huele a corrección, a dejarte indiferente y pasar la página esperando que llegue una nueva propuesta de Marvel.

 

Érase una vez el oeste: crítica a la serie de Netflix

En Érase una vez el oeste (American Primeval) no hay buenos ni malos. Sino personajes que buscan sobrevivir en un territorio árido, duro y violento.

En ese contexto una madre y su hijo lideran esta historia de hombres dispuestos a correr sangre por salvaguardar sus intereses.

Por un lado, los mormones intentan aferrarse a su tierra con sangre y fuego y eso implica enfrentarse frontalmente contra el gobierno de los Estados Unidos, y los indígenas asentados en tribus en ese territorio.

Por el otro lado hay más hombres viviendo la vida loca con comida, alcohol y mujeres esperando cualquier oportunidad para ser ricos.

En ese escenario esta mujer y su hijo intentan llegar a una lejana localidad para encontrarse con su esposo.

Sin embargo la protagonista tiene un pasado que la hace merecedora de figurar en la lista de las más buscadas del país y eso además la hace acreedora del aprecio de los feroces cazarrecompensas.

Sin embargo, su mirada no está puesta en salvarse de estos mercenarios, sino reencontrarse con su esposo.

A TODOS LES CAE

En ese camino es que probará la violencia pura y dura de ese territorio.

En teoría estos personajes deberían ser protegidos y llevados sin problemas a su meta. Pues en esta serie, no. Aquí sufrirán igual que el resto los rigores de una lucha frontal por defender un pedazo de tierra.

Es precisamente la inocencia e ingenuidad de estos personajes que los lleva a tomar malas decisiones y ponerse a merced de seres sin escrúpulos ni moral, y ello, desafortunadamente, los hace crecer y madurar. De lo contrario, nunca sobrevivirían en ese ambiente.

PARECIDOS Y PANORÁMICAS

Érase una vez el oeste tiene algunos toques de El renacido de Alejandro Gonzales Iñarritu y protagonizada por Leonardo DiCaprio. Eso se observa en el ataque de los mormones a una caravana. La dirección de las cámaras es similar a la primera toma de esa película.

También hay muchas tomas panorámicas para apreciar el paisaje agreste a veces sepultado por la nieve y otras con poca vegetación.

Interesante western que hace un retrato puro y duro de los inicios del viejo oeste, sin romanticismos, ni humor, acaso humor negro para combinar con esta sangrienta historia de poder.

El brutalista: crítica a la película de Adrien Brody

No pretendo que esta crítica sobre El brutalista sea tan extensa como la película.

László Tóth (Adrien Brody) es un arquitecto que llegó a Estados Unidos huyendo de los nazis de Hungría.

En esta tierra tiene la oportunidad de reconstruir su vida, aunque, por el momento, lejos de su esposa y sobrina. No será fácil encaminar su camino en esta tierra de oportunidades. Su historia en El brutalista será de cal y de arena.

En la primera parte de esta película, de tres horas y 40 minutos, este arquitecto intenta adecuarse a su nueva vida, hasta que llega la oportunidad de mostrar su trabajo al millonario, Harrison (Guy Pearce), un hombre culto, directo, controlador y emocionalmente descontrolado.

Entre ambos hay una conexión intelectual y luego, aparentemente, amical. Hay una conexión entre ellos que llevará a sacar adelante un proyecto ambicioso: la construcción de un edificio en homenaje a la mamá de Harrison.

En el momento en que ambos empiezan a coordinar este proyecto saltan a la vista las extravagancias del inversor. Al no tener una idea clara de la construcción, empieza a divagar sobre lo que desea y de alguna manera este detalle nos va describiendo el otro lado de este personaje.

Al final se decide que sea un templo.

La segunda parte de la película viene con el desarrollo de esta construcción, la llegada de la esposa del arquitecto y una controvertida decisión que llevará a El brutalista hacia el final.

La relación entre el arquitecto y millonario va y viene. Hasta que en una incómoda escena donde ambos están alcoholizados, y uno, además, drogado, se da una situación bastante inesperada.

En un callejón oscuro uno parece someter a otro a sus caprichos. Desde ese punto la relación se rompe, el carácter de Laszlo cambia y la obra culmina.

Además termina la transición del sueño a una pesadilla americana.

A TENER EN CUENTA

Hay algunos puntos interesantes de esta película.

Primero que Brady Corbet, director de este filme, oscurece los personajes cuando se trata de dar una mala noticia. Como aquella en que expulsan a Laszlo de una casa. Al portador de la mala nueva se le poco el rostro hasta que se le oscurece por completo.

La otra es que el sexo funciona como liberación o sumisión. No es romántico, sino crudo, incómodo y hasta cruel.

UNA DECISIÓN RARA

Harrison es un personaje engañoso. Amable, pretencioso y buen conversador al inicio. Queda claro que es un hombre con poder y que él lo sabe. Así que la escena donde somete a Laszlo no queda clara.

Aunque quizás quisieron construir una contradicción entre la personalidad del promotor de ese templo y la esencia del templo.

También a lo largo de la película hay muchas referencias a la persecución judía durante le época nazi y su invasión por Europa.

Por momentos la cinta me hizo recordar a El Hilo Fantasma de Paul Thomas Anderson por la música y los momentos en que se libera la creatividad del arquitecto.

BIEN ADRIEN BRODY

El brutalista trae una buena interpretación de Adrien Brody. Este interpreta primero a un personaje con la esperanza de salir adelante en un país desconocido, pero que poco a poco va destruyéndose. Él siente que no encaja. No se le ve cómodo y solo parece estar bien cuando la arquitectura funciona. Cuando su pasión falla, vuelve a caer.

La película es larga, con una buena primera parte. Tiene una destacada fotografía y banda sonora. No obstante el filme puede cansarte y a veces dejarte frío como la arquitectura brutalista.