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Locos de amor, mi primer amor: un musical inocente y vacío

Locos de amor, mi primer amor peca de inofensiva. No hace nada. Ni arriesga ni exige. A veces entretiene y otras, aburre. A casi diez años del estreno de la primera Locos de amor, intentó rascar algo del éxito de esa cinta, pero ni siquiera arañó la superficie.

Hay tantos problemas que no se sabe por dónde empezar. Uno de ellos está en el guion. Las historias que se intentan construir se ven tan accesorias que, mejor, hubieran dado más espacio a los musicales. A veces, los diálogos dicen cosas que ni se entienden.

EN QUÉ SE INSPIRÓ

Por ejemplo, hay dos personajes: Eduardo y Milagros, que se gustan. Milagros le dice a Eduardo algo como: “Tú me diste seguridad”. ¿En qué momento? ¿En qué escena? Lo más cercano que vimos de ellos fue un paseo en bicicleta cantando una canción. Más adelante, Eduardo le dice a Milagros: “Tú me inspiraste”. ¿A qué? Si dice que no tiene buen rendimiento académico, ¿en qué lo ayudó?

La historia LGTBI entre Micky y Xavi es apenas una aproximación. Un coqueteo. Pudo ser la mejor parte del guion, pero quedó en intención.

También hay problemas con las canciones. No hay relación entre los temas y las escenas.

Se ponen canciones que no tienen nada que ver con las escenas y, a diferencia de las otras Locos de amor, aquí hay menos canciones.

Por ejemplo, Eduardo y Milagros tienen una cena romántica, con velas y en medio de la noche. Luego se corta la secuencia y se pasa a otra donde Lucho empieza a cantar “La chula”, de Maná, una música movida, dirigida a Verónica.

Hay baile, coqueteo, coreografía, caderas, pero ¿qué sentido tenía cortar la otra escena sin haberla cerrado? Más bien parece que fue una excusa para ver bailar al director y productor de la película, Miguel Valladares, y hacer un cameo. Ese número no encajaba, si la idea era ver cómo Lucho celebra los atributos de Verónica. Le ganó el ego al ejecutivo.

Luego termina esta toma y se regresa, como en las telenovelas, al romance, para cerrar la secuencia entre Eduardo y Milagros.

Se ponen canciones que no tienen nada que ver con las escenas y, a diferencia de las otras Locos de amor, aquí hay menos canciones. Hubo momentos en que me pareció ver un intento de homenaje a La La Land, y otros donde los bailes parecían simples.

A DESTACAR:

  • La aproximación de historia entre Micky y Xavi.

  • El momento en que cantan Te quiero tanto, tanto, de OV7 (aunque termina con una edición tipo entrada de telenovela).

  • Los vestuarios, que me hicieron creer que era una película ambientada en la década de los 70.

  • La escena de la fogata.

No me gustó Locos de amor, mi primer amor (hasta hay redundancia en el título) porque apenas entretiene.

En este tipo de películas comerciales, el problema ya no es lo técnico, sino la construcción del guion, los personajes, incluso las interpretaciones. Pero importa poco, porque estos errores se repiten tanto en la mayoría de estos filmes, que a los productores no les interesa cometer estos pecados, mientras alguien pague una entrada o auspicie estas ideas.

El juego del calamar, temporada final: ¿el fin de la serie?

Luego de tres temporadas, El juego del calamar llegó a su ¿final?
Coloco esta palabra entre signos de interrogación porque, francamente, no estoy seguro de que sea el epílogo de esta historia coreana, luego de ver el último episodio de esta tercera temporada.

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Lo cierto es que sí parece ser el final para el protagonista de esta serie: Seong Jung-hae. Después de vivir estos juegos sanguinarios, encuentra su momento feliz y una salida épica de la serie. Creo que exagero un poco. No es tan épica, sino que dignifica a este personaje que llegó con una moral cuestionable y terminó siendo el héroe de El juego del calamar.

MORALES CUESTIONABLES

En esta temporada no hay mucho espacio para el trasfondo político, como sí lo hubo en la segunda. Simplemente se enfrentan seres de moral cuestionable que tienen como motivación ganar dinero, sin importarles la vida del resto. Esto ya lo sabemos, y en esta fase de la serie se hace hincapié en ese asunto.

El juego del calamar termina bien, pero no sorprende ni innova.

Si los participantes tienen almas retorcidas, detrás de estos juegos hay otros seres con el corazón podrido: multimillonarios sentados en una butaca, como en el coliseo romano, expectando este espectáculo sanguinario.

En ese sentido, Seong Jung-hae inicia la historia sin motivación, hasta que encuentra un objetivo para seguir vivo y seguir en estos juegos. Sin ese impulso, probablemente no habría llegado al final de la temporada.

Queda claro que no puede hacer nada contra esta maquinaria que organiza los juegos, pero hacer lo correcto, para él, es una pequeña victoria.

MÁS DE LO MISMO

A nivel dramático, hay poco de innovador en relación con las etapas anteriores de El juego del calamar. Hay nuevos juegos, donde la violencia y las decisiones cruciales se mantienen intactas.

Se le da un arco dramático distinto al protagonista, para convertirlo en un héroe luego de hacer un sacrificio, y despedirlo así de la serie.

NO SORPRENDE

El juego del calamar termina bien, pero no sorprende ni innova. Apuesta por lo correcto para cerrar de forma efectiva. Aunque, como dijimos al inicio, dudamos que sea el final de este camino, ya que la aparición de una conocida actriz en el último episodio advierte que la historia será llevada a Estados Unidos.

Aunque Netflix no lo ha formalizado, desde hace años se dice que David Fincher (Mindhunter, House of Cards, Seven, La red social) estaría detrás de la adaptación de estos juegos en Estados Unidos. Si es así, veremos pronto una historia norteamericana al estilo Fincher en la pantalla chica.

F1, la película: La propuesta de Brad Pitt vale la entrada

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Vale la pena pagar una entrada para ver F1, la película en el cine. Esta cinta protagonizada por Brad Pitt ofrece una buena dosis de adrenalina, emoción, química y diversión. En consecuencia: buen entretenimiento.

Dirigida por Joseph Kosinski —el mismo que estuvo a cargo de Top Gun: Maverick en 2022—, esta película presenta una propuesta similar al filme protagonizado por Tom Cruise.

Así como en Top Gun: Maverick se enfocó en los aviones, en F1 la película le da un peso importante a las carreras de autos.

CADA CARRERA VIENE CON HISTORIA

Pero no se trata solo de carreras de autos: cada persecución tiene su historia. Por ejemplo, la primera mide si los conductores protagonistas pueden trabajar en equipo. En la segunda conocemos un poco más la personalidad de uno de los personajes, quien intenta imponerse en la estrategia. En la tercera, parece que todo está funcionando, pero el trabajo en grupo aún no cuaja.

Vale la pena pagar una entrada para ver F1, la película en el cine. Esta cinta protagonizada por Brad Pitt ofrece una buena dosis de adrenalina, emoción, química y diversión. En consecuencia: buen entretenimiento.

Así, cada secuencia tiene su pequeña microhistoria, que encaja en una idea mayor: los protagonistas deben aprender uno del otro, dejar sus egos de lado y trabajar en equipo para lograr resultados.

BUENA QUÍMICA

A ello hay que sumar la buena química entre Brad Pitt y Kerry Condon, quien interpreta a la responsable de fabricar el auto perfecto para dominar las curvas del circuito de Fórmula 1.

En esta relación debemos subrayar que Pitt tiene muchos recursos como actor. En realidad, los papeles que ha interpretado a lo largo de su carrera se parecen mucho: hombre rudo, divertido, franco y con problemas de ego. Y esto se observa también en esta película. Es una fórmula que le ha funcionado.

EL PACK COMPLETO

Entonces, el drama no está mal, ya que en lo técnico la película destaca aún más. Los giros de cámara, el sonido y la música transmiten mucha adrenalina, capturan la atención y generan emoción.

Un dato no menor: el responsable de la banda sonora es Hans Zimmer, quien también musicalizó una gran película sobre carreras de autos, Rush, protagonizada por Chris Hemsworth y dirigida por Ron Howard.

Más allá de ese dato sobre Zimmer, lo técnico en esta historia ofrece un paquete completo que contribuye a un entretenimiento pleno. Ojo: esta película se disfruta mejor en los cines, así que haga el esfuerzo, descanse un poco del streaming y dele la oportunidad a esta cinta hecha para ser disfrutada en la pantalla grande.

Elio: ¿Una película que decepciona?

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Elio no es una película desafiante como la mayoría de filmes de Pixar. Para recordar un poco: este estudio trajo al mundo cinematográfico Toy Story, WALL·E, Intensamente, entre otras. Esta nueva cinta animada no encaja en ese estilo.

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DE QUÉ TRATA

El pequeño Elio perdió a sus padres y está a cargo de su tía, hasta que encuentra en las historias de extraterrestres una motivación para mantenerse con vida.

Su vida gira en torno a ello, hasta que tiene contacto con estos seres. Pero el joven no tiene mucho tiempo para explorar este mundo, ya que los visitantes lo confunden con el líder de la Tierra, capaz de resolver sus conflictos intergalácticos.

No siempre Pixar estrenará obras maestras; sin embargo, nos tiene acostumbrados a buenos productos —en algunos casos, extraordinarios—, por lo que uno va al cine con las expectativas muy altas. Entonces, cuando ve una cinta que bien pudo estrenarse en streaming, queda decepcionado.

Se supone que esta es una película de alienígenas, aunque la llegada de seres de otro planeta solo es una excusa para ayudar a Elio a encontrar confianza en sí mismo.

En ese camino, la amistad que entabla con uno de estos aliens (una especie de gusano) lo ayudará a convertirse en un adolescente más seguro y a valorar mejor a su tía.

NO PARECE UNA PELÍCULA PIXAR

De esta manera, no hay mucho que entender en esta película. La historia es sencilla. No está la reflexión existencialista de WALL·E, ni el desafío que significó entender las emociones en la primera Intensamente. Tampoco el mensaje claro y contundente de Up, o el significado de crecer en Toy Story. Eso no existe.

En Elio no hay una reflexión profunda y los conflictos se resuelven rápido. El personaje enfrenta desafíos que difícilmente lo convertirían en alguien más seguro. El guion no se complica ni pretende hacerle la vida difícil a los espectadores.

ELIO ES MUY SENCILLA

En ese sentido, esta es una propuesta bastante simple que apunta, aparentemente, a entretener a las audiencias, más no a sorprenderlas. Por lo tanto, hay poco desafío o reflexión. Ni siquiera hay innovación en la animación.

De igual modo, no siempre Pixar estrenará obras maestras; sin embargo, nos tiene acostumbrados a buenos productos —en algunos casos, extraordinarios—, por lo que uno va al cine con las expectativas muy altas. Entonces, cuando ve una cinta que bien pudo estrenarse en streaming, queda decepcionado. Será para otra ocasión.

Dept. Q: Una serie de detectives que se parece a muchas

En Dept. Q, serie de Netflix, el detective Morck representa al estereotipo de agente rudo, sarcástico y desordenado que hemos visto en la mayoría de series sobre departamentos policiales que resuelven crímenes.

Incluso parece un molde de Slow Horses, serie británica que tiene un protagonista de cualidades similares y se puede visionar en Apple TV.

UN ESTEREOTIPO QUE REDUNDA

¿Acaso no se puede desarrollar un personaje con un detective normal? Aparentemente no. Lidiar con delincuentes no es precisamente llevar una relación armoniosa, pacífica y mantenerse ecuánime. Sin embargo, el punto es que los personajes de detectives en el cine o la televisión tienen mucho en común.

En cambio, el personaje central de Slow Horses, aunque parece comportarse igual, no tiene escrúpulos, ni límites, ni es precisamente una buena persona. En este caso, el detective Morck es duro, las circunstancias lo han moldeado, pero en el fondo tiene corazón hacia sus familiares y amigos, así como amor por su trabajo.

Este detalle no descarta la serie, pero es una peculiaridad que merecía subrayarse.

UNA DESAPARECIDA QUE APARECE

Esta primera temporada de Dept. Q (aparentemente habrá una segunda) gira en torno a la desaparición de una abogada. Sin embargo, desde el primer episodio sabemos que sobrevivió. El hilo conductor de esta historia irá por conocer cómo es que sobrevivió y quiénes estuvieron detrás de su desaparición.

Aunque con algunos incidentes, la investigación avanza y descubren, primero, que esta abogada tenía una doble vida. En esta parte se construye un personaje femenino nada santo. Esta evidencia ayuda a ampliar el número de sospechosos detrás de la desaparición.

Dept. Q es interesante, aunque con una narración convencional. Hay momentos violentos y detalles como toda búsqueda de desaparecidos. No es diferente al resto de propuestas.

Luego, la historia va identificando a sus posibles captores, hasta dedicarle los dos últimos capítulos a conocer a profundidad a su secuestrador: un pobre hombre maltratado por sus padres, convertido en criminal más por acción de su familia que por un don entregado por el diablo.

En ese sentido, la investigación de este caso servirá para que el detective Morck gane confianza, se apoye en un equipo igual con pasados llenos de penas y desazones, y termine esta temporada menos solitario que al inicio.

CONOCEMOS A TODOS LOS PERSONAJES

Lo interesante de Dept. Q es que conocemos a todos los personajes, no solo por nombres, sino que se aportan datos biográficos para entender un poco mejor sus motivaciones. Se profundiza con los secundarios importantes a la historia, pero igual sabemos algo del resto del elenco.

En ese sentido, Dept. Q es interesante, aunque con una narración convencional. Hay momentos violentos y detalles como toda búsqueda de desaparecidos. No es diferente al resto de propuestas.

No obstante para ser francos, ¿a quién no le gustan las historias de misterios?

Nuestros tiempos: Una buena idea que no se ejecuta bien

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Nuestros Tiempos, película de Netflix protagonizada por Lucero, se promocionaba como una historia de viajes en el tiempo. La premisa me parecía interesante, ya que son pocas las propuestas latinas que parten de esta idea.

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Sin embargo, en esta película de poco más de hora y media, la historia toma otro rumbo. Es decir, sí hay dos científicos que inventan una máquina para viajar al futuro, pero en el fondo, este viaje funciona como una reflexión sobre el empoderamiento femenino.

Lucero interpreta a una de esas investigadoras. Sin embargo, en su época —los años 60— su valor se limitaba a atender al esposo en casa y en el trabajo. Sus aportes a la ciencia no eran destacados, y mucho menos su iniciativa. Sencillamente, no era su tiempo.

¿UN VIAJE EN EL TIEMPO REVELADOR?

Pero cuando viaja al futuro, llega a una época en la que las mujeres dominan y trabajan en igualdad con los hombres. Entonces se siente atraída por ese momento en el que es más valorada que en su pasado. En cambio, su esposo se siente incómodo y fuera de lugar ante ese progreso.

Nuestros Tiempos hubiera funcionado mejor si esta idea se hubiera trabajado con mayor profundidad, pero se queda en la cáscara, en la superficie, para ofrecer un producto más de entretenimiento.

De esta manera, se genera una fricción y una pregunta: ¿retroceder y vivir en un mundo donde las mujeres están sometidas al yugo masculino, o permanecer en un tiempo prometedor para ella? La respuesta podría parecer fácil, pero esta investigadora ama a su esposo, y dejarlo ir hacia atrás no será sencillo.

UNA IDEA QUE PUDO SER BRILLANTE

Aunque el mensaje de la película parece interesante, e incluso innovador, la ejecución no lo es tanto. Nuestros Tiempos se percibe como una propuesta ligera, sencilla y, por momentos, limitada.

No hay mucha ciencia detrás de la historia, por si se espera una película de viajes en el tiempo al estilo de la ficción hollywoodense.

En cuanto a las comparaciones entre los derechos de las mujeres en los años 60 y los actuales, no hay mucha discusión, salvo una exposición en casos puntuales.

NUESTROS TIEMPOS: UN FINAL DISCUTIBLE

El final podría ser discutible, pero la premisa de la película pierde fuerza con ese epílogo. A lo largo del metraje, se maltrata a un personaje para luego reivindicarlo, sin que medie ningún arrepentimiento.

Nuestros Tiempos hubiera funcionado mejor si esta idea se hubiera trabajado con mayor profundidad, pero se queda en la cáscara, en la superficie, para ofrecer un producto más de entretenimiento.

Exterminio: La evolución, ¿una buena película de zombies?

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Exterminio: La evolución o 28 Años Después (con este título se estrenó en España) integra el universo iniciado en 2002 con 28 Días Después. Esta es una buena secuela que nos lleva a una pregunta: ¿es también una buena película de zombis?

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El virus de la rabia convirtió a los humanos en zombis y, como consecuencia, afectó el progreso de la humanidad. Veintiocho años después, una comunidad vive en una isla aislada del mundo, dominado por estos seres infectados por esta enfermedad.

En ese contexto, un adolescente debe aprender a lidiar con este nuevo universo. Sin embargo, se le presenta un reto que lo ayudará a madurar: encontrar la cura para la extraña enfermedad que aflige a su madre.

MADRE E HIJO

Si bien el mundo zombi está presente, la historia gira en torno a la evolución de este muchacho. Es cierto que recibe las primeras lecciones de su padre, pero no parecen ser suficientes. Necesita una motivación más fuerte, una tarea de vida o muerte que lo ayude a florecer y convertirse en un integrante útil para su pueblo. Por eso aparece la enfermedad de su madre, que lo impulsa a crecer y a ver con otros ojos el mundo que lo rodea.

Al centrarse en esta idea, la película adquiere otra dimensión, ya que no se limita a mostrar zombis persiguiendo humanos, sino que aborda la evolución de un joven a través del amor y el dolor.

Alrededor de este mensaje en Exterminio: La evolución hay escenas violentas y explícitas de ataques de las personas infectadas por la rabia, pero también tomas panorámicas logradas, que se asemejan a cuadros. Una de mis escenas favoritas es aquella en la que madre e hijo interactúan en un campo de flores amarillas. Parece que la belleza no se ha extinguido en este mundo posapocalíptico.

Salvo este detalle, la película está bien. Tiene corazón, drama y zombis rabiosos compitiendo contra la humanidad.

ZOMBIES EVOLUCIONADOS

La violencia es explícita y las secuencias, rápidas, exaltan el peligro que ronda a los humanos. Estas se superponen con imágenes de películas épicas para ilustrar lo que se viene. Por otro lado, los zombis ya no son básicos: ahora son más rápidos y fuertes, como los alpha. ¡Hasta se embarazan!

Tengo reparos con la última escena, que me pareció más un homenaje a los Power Rangers que un aporte real a la película. No le vi sentido, a menos que haya sido una forma de cerrar el relato iniciado con una secuencia de los Teletubbies.

Salvo este detalle, Exterminio: La evolución está bien. Tiene corazón, drama y zombis rabiosos compitiendo contra la humanidad.

Cómo entrenar a tu dragón: ¿Un live action necesario?

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Cuando me enteré de que estrenarían la versión live action de Cómo entrenar a tu dragón, me pregunté si era necesario hacer esta película. A la trilogía animada le fue muy bien. Es una de las mejores de su género. Sin embargo, esta propuesta podría deslucir ese logro.

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Luego de verla en el cine, no podemos negar que este live action es una adaptación fiel de la primera película animada. No le quita mucho ni añade algo diferente a lo que ya hemos visto. Así que verán la misma película en la pantalla grande.

Lo interesante de esta versión son las escenas de acción, principalmente aquellas referidas al vuelo de Furia Nocturna con Pipo. Son espectaculares y emocionantes. La acción en estas tomas genera cierta adrenalina y eleva mucho la película. Los efectos visuales son potentes.

FINAL EMOTIVO

Por otro lado, sobre todo hacia la última media hora de Cómo entrenar a tu dragón, la narración capta la emoción del final de la versión animada. Quienes vimos la película anterior ya conocemos el epílogo de esta historia, que no necesariamente es feliz, sino agridulce. Sin embargo, el live action genera el mismo impacto emocional que el final de la cinta animada.

TRABAJAN MEJOR LA RELACIÓN DE AMISTAD

Otro detalle importante es que se trabaja mejor la relación entre Pipo y Furia Nocturna a través de las imágenes.

Hay detalles que funcionan como simbolismos que nos ayudan a entender su vínculo o nos advierten lo que se viene. Por ejemplo, hay una toma en la que Pipo está sentado y su dragón, detrás de él, abre sus alas, dando la impresión de que estas le pertenecen a Pipo. Con esa sutileza, la historia nos advierte que ambos van a volar (también me hizo recordar a una de las escenas de Juego de Tronos).

¿Era necesaria o no? Creo que suma a la moda de los live action de Disney para enseñarles cómo se hacen y, quizás, también sirva para valorar una trilogía animada que es una de las mejores de su género.

Hay otra toma que presenta un paralelismo entre humano y dragón, donde ambas manos parecen juntarse a distancia. La escena nos indica que la relación entre ambos se está estrechando cada vez más.

Las interpretaciones aportan mucho y no dejan que la película se sostenga solo en sus efectos visuales. El drama y los diálogos le dan el complemento emocional a esta historia de amistad y transformación personal.

APRENDAN DE CÓMO ENTRENAR A TU DRAGÓN

La película se disfruta mucho. Hay respeto por la versión animada y, de lejos, está por encima de todos los live action que Disney ha hecho hasta la fecha.

¿Era necesaria o no? Creo que suma a la moda de los live action de Disney para enseñarles cómo se hacen y, quizás, también sirva para valorar una trilogía animada que es una de las mejores de su género. (Quienes vean la película por primera vez la van a disfrutar)

También es evidente que se aprovecha de la nostalgia de los cuarentones y treintañeros que vieron esta película de jóvenes, para presentar una misma historia contada desde otro punto de vista. Pero eso no quiere decir que sea una mala propuesta. En realidad, la película quedó bien y merece verse en el cine.

El contador 2: crítica a la película de Ben Affleck

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El Contador 2 parece centrarse más en la relación de hermanos entre Christian (Ben Affleck) y Brax (Jon Bernthal), y en las habilidades del protagonista para combatir el crimen, que en profundizar en su compleja personalidad.

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En esta secuela, Christian parece un vengador anónimo que busca estrechar su vínculo con su pariente. La película prefiere mostrar a este personaje operando fuera del sistema legal para obtener resultados en la lucha contra el crimen.

Ya no se ahonda en su habilidad con los números, sino en el manejo de armas. También en su capacidad para acercarse emocionalmente a su hermano, un sicario atípico que gusta de expresar sus sentimientos.

El Contador 2 funciona como un producto entretenido, corto y sencillo, dejando de lado las complejidades y las luchas interiores de su protagonista.

Se mantienen algunas manías del protagonista en esta segunda parte, aunque solo sirven para preservar la composición de imágenes ordenadas y limpias. Este elemento ayudó a conocer el mundo interior de este genio acostumbrado a tenerlo todo bajo control.

El problema es que, al no abordar más rasgos de su personalidad, ya no hay innovación en esas imágenes. En la primera película, estas composiciones fueron su fortaleza; en cambio, ahora solo son accesorias.

DESCUIDA LA IMAGEN EN EL CONTADOR 2

De esta manera, al dejar de lado la oportunidad de profundizar en la personalidad de Christian, hay pocas escenas para disfrutar desde el punto de vista visual. Solo hay una que vale la pena citar: la toma en que los hermanos conversan sobre el techo de unos camiones en movimiento.

En ese sentido, en El Contador 2 solo importan las habilidades matonescas del protagonista y su relación con el hermano.

Por otro lado, en este tipo de películas donde los personajes actúan al margen de la ley, los límites entre lo bueno y lo malo suelen ser difusos. Sin embargo, aquí la historia identifica claramente a los héroes, para que el espectador no tenga el dilema de juzgar si sus acciones fueron apropiadas o no.

No obstante, El Contador 2 funciona como un producto entretenido, corto y sencillo, dejando de lado las complejidades y las luchas interiores de su protagonista.

 

 

Bailarina: la furia delicada del universo John Wick

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En Bailarina, la violencia es pura y dura. Aquí no hay censura ni filtros. Los encuentros no tienen límites y literalmente se toma cualquier objeto al alcance de la mano para vencer al rival.

Esta película, protagonizada por Ana de Armas (Entre navajas y secretos, Sin tiempo para morir, Rubia), narra la historia de la asesina y bailarina Eve Macarro, quien busca venganza por la muerte de su padre. Este es un spin-off de las cintas de John Wick.

El filme tiene cuatro etapas marcadas: la niñez del personaje y el origen de su venganza, la preparación, el examen y la ejecución de la venganza.

En cada fase vemos cómo la protagonista evoluciona hasta convertirse en una asesina letal. No hay espacio para el drama, sino para la acción violenta. Está concentrada en vengarse y tiene que ser perfecta para alcanzar su objetivo.

UNA TIERNA BAILARINA

Pero también hay que reparar en que esta mujer no es una máquina de matar. Su corazón tiene espacio para la amistad. Aunque la mayor parte del filme se centra en desbordar acción, hay segundos en que la protagonista muestra su lado cálido y humano.

En esto ayuda, también, su mirada. Es que Ana de Armas, para ser una asesina en serie, da mucha ternura. Sus ojos no advierten su peligrosidad; todo lo contrario. Quizás sea un escudo del personaje o un elemento distractor, pero es difícil no pensar que esos dos enormes ojos transmiten todo lo contrario a lo que hacen sus manos y pies.

Aunque John Wick no es precisamente la representación de un psicópata, también transmite un poco de humanidad y calidez.

EL CORAZÓN DE LA PELÍCULA

No obstante estos detalles, Bailarina se centra en la expectativa de la audiencia sobre un producto nacido del universo de John Wick: combates duros y explícitos.

Este tipo de película suele convertirse en un espacio para ser creativos con las peleas, desarrollando coreografías inverosímiles y hasta jaladas de los cabellos.

Bailarina se concentra en lo que se espera de la película: violencia, acción y suspenso, y lo hace bien.

Pero en este caso, los encuentros son simples, y la variedad está en las armas. Los personajes pelean con revólveres, martillos, cuchillos, combos, machetes, lanzallamas, hasta platos y patines de hielo. Cada arma se emplea con una dinámica diferente que le da otro matiz a la pelea.

El producto queda bien, sobre todo hacia el final, cuando se recrea una pelea con lanzallamas. Esta parte de la película parece un juego de niños, un videojuego, una locura, pero queda espectacular. Especialmente cuando el enfrentamiento queda reducido a un lanzallamas y una manguera lanzando agua. La toma queda espectacular.

Por otro lado, la película cuida bien su imagen. Hay composiciones interesantes, sobre todo en exteriores, y la mejor viene hacia el final, cuando aparecen los lanzallamas.

En conclusión, Bailarina se concentra en lo que se espera de la película: violencia, acción y suspenso, y lo hace bien. Luego, pone una dosis necesaria de drama para identificarnos con la protagonista y produce una película entretenida y representativa del apreciado mundo de John Wick.