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Papa Francisco: Cómo retrató el cine a Jorge Bergoglio

Christiaan Lecarnaque
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Papa Francisco: Cómo retrató el cine a Jorge Bergoglio

El cine se mostró amable con el papa Francisco. No fue tan punzante como con otros personajes y le dedicó películas que tuvieron un interesante impacto.

LOS DOS PAPAS

La película más conocida sobre su santidad está en Netflix y se llama Los dos papas. Este filme de Fernando Meirelles (Ciudad de Dios y El jardinero fiel) cuenta la historia de un encuentro entre los papas Francisco y Benedicto XVI.

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Mientras en esta película se retrata a un Benedicto XVI ajeno a la cultura contemporánea y encerrado en el Vaticano, aparece un Francisco, aún en traje de cardenal, más cercano a sus fieles. Humilde y franco en sus interacciones. Se le cuestiona su rol durante la dictadura argentina, pero para responder a favor de él y aclarar que su participación fue positiva.

Los dos papas logró tres nominaciones al Óscar: mejor actor (Jonathan Pryce como el papa Francisco), mejor actor de reparto (Anthony Hopkins) y mejor guion adaptado.

EL PAPA FRANCISCO, UN HOMBRE DE PALABRA

También hay otra cinta conocida y presentada en el Festival de Cannes. Se llama El papa Francisco, un hombre de palabra, disponible en Max y Netflix. Este documental dirigido por Wim Wenders (Días perfectos, El cielo sobre Berlín, La sal de la tierra) fue estrenado, primero, en el Festival de Cannes.

Esta película es una entrevista que ayuda a conocer el pensamiento de Francisco. Habla sobre las minorías, la familia, el medio ambiente, la religión. Además, combina sus palabras con sus participaciones públicas. Hay una intención más por destacar el espíritu de su pontificado que su vida.

LLÁMAME FRANCISCO

Finalmente, hay otra cinta también conocida como Llámame Francisco, con Rodrigo de la Serna (La casa de papel), disponible en Netflix. Esta funciona más como una ficción y concentra la mayor parte de su historia en retratar el rol que tuvo Jorge Bergoglio durante la dictadura argentina.

En esta historia vemos a un personaje preocupado por defender a los sacerdotes perseguidos por los militares e intentar ponerlos a buen recaudo.

Al inicio de su pontificado se especulaba mucho sobre el papel del papa Francisco en esta parte de la historia argentina, y esta película funciona bien para limpiar su nombre de esas críticas o especulaciones.

TAMBIÉN SCORSESE

Aparentemente se viene otro documental, dirigido por Martin Scorsese, sobre la entrevista personal que tuvo con el papa Francisco. Seguramente seguirá la misma línea de las tres películas descritas.

En conclusión, el cine ha sido muy amable con la figura de Francisco, y este personaje ha tenido detrás de sus historias a cineastas y actores con peso en esta industria.

El Eternauta: crítica a la serie de Ricardo Darín

Christiaan Lecarnaque
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El Eternauta: crítica a la serie de Ricardo Darín

Al revisar El Eternauta en Netflix me parecía ver una serie más sobre la humanidad afectada por un evento externo o interno que lo paraliza y mata todo.

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En los dos primeros episodios hay incertidumbre, caos y drama. No se sabe qué pasa, pero su efecto es notorio porque se observan a los personajes preocupados y descontrolados.

En los siguientes episodios se dejan pistas sobre el origen de esta parálisis mundial. Hay unas bolas de fuego que caen del cielo y cucarachas gigantes atacando a humanos. Entonces concluimos que todo este drama no está vinculado a una pandemia o ataque nuclear. Hay algo externo que provoca este caos.

El último episodio suelta más piezas para continuar armando este rompecabezas de ciencia ficción que ya plantea seres fuera de este planeta que controlan mentes humanas y cucarachas gigantes.

EL DRAMA DE JUAN SALVO

En medio de este dilema, el personaje central, Juan Salvo, interpretado por Ricardo Darín, tiene su propia historia en medio de este escenario apocalíptico. Primero lo vemos angustiado por la desaparición de su hija y, cuando aparece, intuye que le pasa algo. Mientras que él protagoniza episodios que lo desconectan con la realidad y llega al final con la sensación de que todo lo visto hasta ahora ya lo vivió. ¿Acaso está en un déjà vu?

Al finalizar El Eternauta de seis episodios, deja muchas preguntas al aire que seguramente se responderán en una siguiente temporada.

Me pareció que esta serie tiene un buen nivel técnico. Por ejemplo, las escenas de la supuesta nieve con muertos regados dan un aspecto más trágico a este relato.

Pero, en general, calza en la fórmula de series apocalípticas ya vistas hasta la fecha. En ese sentido no hay un aporte nuevo. Aunque juega bien sus cartas al dejarte con muchas interrogantes y te deja con altas expectativas para ver la siguiente temporada.

QUÉ PASA SI LEES EL CÓMIC

Pero esta apuesta por el misterio resulta arriesgada si tenemos en cuenta que El Eternauta es una adaptación del cómic que lleva el mismo nombre y que muchos han leído. Entiendo que los seguidores de la historieta están expectantes para ver si esta adaptación les funciona bien o no.

Pero si hay curiosos que van al cómic luego de ver la serie, entonces se podría arruinar la experiencia, ya que la primera página del cómic es un spoiler de la historia de Netflix.

Además, al revisar el cómic, el lector se sumerge en una experiencia diferente. Es cierto que la serie de Netflix recoge el espíritu del texto, pero deja de lado varios hechos narrados en sus viñetas.

El cómic es más íntimo, con menos personajes que interactúan, primero en una casa, y luego van a explorar una ciudad con nieve y solitaria. En cambio en la serie hay un mayor despliegue con gente muerta en las calles y más sobrevivientes, cada uno con su historia, escondidos en sus casas.

El cómic se deshace de personajes y profundiza lo suficiente sobre relaciones humanas, sino que apunta a descubrir las razones del problema que afecta a la humanidad.

LA SERIE DE NETFLIX

En realidad son dos productos diferentes. Hablan de lo mismo, pero la ejecución es distinta. ¿Decepciona? Pues algunos lectores del cómic están contentos con esta adaptación. Personalmente, siempre me han gustado adaptaciones que no se desvíen de los hechos descritos en los libros. En este caso no se cumple con este requisito. Por eso me quedo más con el cómic que con la serie.

No obstante, la serie está bien por su fotografía de escenas panorámicas, música que intensifica la tensión y efectos visuales que diseñan cucarachas gigantes intimidantes.

En ese sentido esta serie entretiene, aunque reitero que si uno de los efectos de El Eternauta es que los espectadores lean el cómic, la experiencia será diferente cuando vuelvan a la siguiente temporada.

P. D. Cada vez que veía la serie me preguntaba cómo reaccionarían los argentinos ante una situación apocalíptica como la planteada en la historia. Porque al ver los capítulos me parecía ver reacciones más norteamericanas. Por ejemplo, en Perú, sacarían en procesión a su santo patrón o los políticos sacarían réditos políticos ante una situación similar. Quizás los argentinos hubieran tenido una respuesta diferente ante este escenario.

La venganza de los sith y la transformación final en Darth Vader

Christiaan Lecarnaque
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La venganza de los sith y la transformación final en Darth Vader

Recuerdo que vi La venganza de los Sith en una sala de cine de la única cadena que había en Arequipa. Ahora hay más, pero hace 20 años existía esta opción y los últimos cines del siglo pasado ubicados en el centro de la ciudad.

Esta película, la última de la precuela de George Lucas creada para explicar el origen del máximo villano de este universo, Darth Vader, y el nacimiento del imperio, llenó las salas de esos años. Todos habíamos seguido los dos filmes anteriores: La amenaza fantasma y El ataque de los clones, y había mucha expectativa por el cierre de esta trilogía.

Recuerdo que me gustó, pero al verla veinte años después, noté por qué esta película es mejor que las anteriores.

LA TRANSFORMACIÓN ESPERADA

En casi toda La venganza de los sith se aborda la transformación de Anakin Skywalker en Darth Vader explicando sus motivaciones.

Este personaje explora las ventajas del lado oscuro como una excusa para proteger a sus hijos concebidos con la princesa Padmé Amidala de los Jedi. Aunque parece que esta averiguación solo oculta su ambición para dar rienda a sus poderes considerados superiores al resto.

De esta manera se desata su conversión, rompe con los Jedi y su maestro Obi-Wan Kenobi. Lo que empezó con una toma inicial de dos amigos trabajando juntos para vencer a las fuerzas enemigas, termina con una escena final con los dos luchando a muerte.

LA TOMA INICIAL Y FINAL

Del mismo modo resulta interesante cómo George Lucas juega con los simbolismos, principalmente, cuando nacen los mellizos de Anakin Skywalker. Paralelamente va narrando la transformación final del villano más feroz del universo y la llegada al mundo de los hermanos Luke y Leia. El director parece decirnos que con la oscuridad, viene, también, la luz.

A lo largo de la historia también va dejando pistas de lo que vamos a ver en la historia. Como aquella en que Palpatine exige acelerar la velocidad de su nave porque intuye que Anakin está en peligro. De alguna manera adelanta lo que pasará con su protegido.

IMÁGENES Y DIÁLOGOS SÓLIDOS

De otro lado tiene imágenes destacadas como aquella en que observamos a Anakin Skywalker liderando una tropa contra los Jedi. En ella se hace la toma desde arriba y proyecta una imagen de poder y disciplina.

Además, La venganza de los sith tiene una carga política más evidente. Hay un claro ejemplo de toma de poder que se reduce a la frase dicha por el personaje de Natalie Portman: «La democracia muere con un aplauso atronador», una de las más recordadas por los fans.

De esta manera no solo asistimos a la conversión de los personajes, sino también al nacimiento del imperio.

A ello hay que sumar las buenas peleas sostenidas (mi favorita aquella sostenida entre el maestro Yoda y Palpatine) y el drama emocional cuando se conoce el trágico destino de los Jedi.

Con La venganza de los sith se cerró la segunda trilogía de Star Wars. La experiencia no fue mala. Termina siendo la mejor de esta precuela irregular. Incluso mejor valorada por la crítica y los fans. Dejando la puerta abierta a más historias de este universo cinematográfico. Como así sucedió, diez años después con la llegada de El despertar de la fuerza.

P.D. Ese año, además, se estrenaron películas como Batman Inicia de Christopher Nolan, la película que inició la mejor trilogía de superhéroes de la historia del cine. También llegó a las salas de cine Harry Potter y el cáliz de fuego; Las crónicas de Narnia: El león, la bruja y el ropero; La guerra de los mundos de Steven Spielberg con Tom Cruise; King Kong; Madagascar; Hitch; Secreto en la montaña; Sin City, entre otras.

La venganza de los sith está disponible en Disney+.

 

Thunderbolts: crítica a la película de Marvel

Christiaan Lecarnaque
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Thunderbolts: crítica a la película de Marvel

Después de varios intentos parece que Marvel encontró en Thunderbolts el aire fresco que necesitaba para sacar adelante su nuevo universo cinematográfico. Luego de Los vengadores: Endgame vinieron varias películas que no dieron en el clavo hasta que estrenó esta nueva propuesta con una brisa renovadora.

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Thunderbolts se siente más emocional y menos fría que sus antecesoras. Tiene más alma y esencia que otras películas de Marvel limitadas a coreografiadas escenas de acción, efectos visuales y diálogos divertidos. En esta están presentes estos tres elementos, pero detrás de cada personaje hay una historia que los empuja a buscar un sentido en sus vidas.

¿Por qué este nuevo equipo de superhéroes tiene esta motivación de dejar de sentirse vacíos y encontrar un nuevo propósito en sus vidas? Pues por su pasado. No son seres ejemplares ni modelos de superación, sino personajes con más bajas que altas que los ha llevado a sentirse huecos.

Entonces la premisa de la película gira sobre ello. Qué hacemos con nuestras anteriores acciones. ¿Las olvidamos? ¿Luchamos contra ellas? o ¿las aceptamos y abrazamos? Pues la respuesta a esta interrogante está en la resolución a la película. Precisamente cuando encuentran esta solución se construye una metáfora que da forma a un final emotivo.

Incluso esta discusión sobre el pasado se plantea en un diálogo entre Bucky, El soldado de invierno, y Mel, la asistenta de Valentina. Ambos reflexionan sobre este tema y dan la clave para resolver el futuro nudo de la historia.

En ese sentido resulta curioso que el problema planteado en Thunderbolts no se resuelva con golpes o estrategias rebuscadas, sino con perdón y aceptación.

UN PROCESO COMPLICADO 

No obstante, para alcanzar este nivel emocional habrá que transitar por un proceso que implica liberar ese resentimiento, aprender a confiar en el resto y trabajar en equipo. La receta ya no es desarrollar un plan elaborado con la intervención de múltiples actores, sino hacer lo más difícil (incluso para todos): enfrentar nuestras culpas y mirar adelante.

Quien hubiera pensado que una película de superhéroes se comportaría así, luego de varios años. Parece que Marvel entendió que no todo se trata de efectos visuales, escenas de acción de alta complejidad, ni chistes divertidos, sino de darle a la historia una dosis de emotividad y reflexión.

NO ES UN DRAMA

Queremos aclarar que la cinta no es un drama completo, sino que está bien combinada con tomas de peleas, por cierto, bien hechas, así como diálogos sarcásticos, que por momentos arrancan una carcajada.

No es una obra maestra, pero tiene menos problemas que las anteriores y lo mejor para Marvel, es que se trata de un buen reinicio para su universo que parecía perderse en el horizonte.

P.D. El trabajo de la actriz Florence Pugh (Yelena) de lejos es el mejor del elenco. Sobre sus hombros carga la premisa de esta película y es este personaje quien concluye que los golpes no solucionarán el conflicto de esta historia. Pueden ver su trabajo en Oppenheimer (Max). 

Estragos: crítica a la película de Tom Hardy en Netflix

Christiaan Lecarnaque
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Estragos: crítica a la película de Tom Hardy en Netflix

Estragos (Havoc) parece que quería emular el ritmo de John Wick, pero no con creativas peleas de artes marciales coreografiadas, sino a balazos. Hay por lo menos tres secuencias de aproximadamente 10 minutos en que dos bandos se enfrentan, pero con armas. Todo se hace tan repetitivo que varias veces adelanté la película.

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En esta historia encontramos al típico detective rudo y sarcástico que no va en búsqueda de justicia, sino de una verdad. Quiere atrapar a los responsables de una masacre ocurrida en una discoteca y en ese sentido desatará más balaceras en la ciudad.

En Estragos no hay buenos ni malos, sino gente buscando venganza y eliminar gente incómoda a sus intereses y por eso es que están dispuestos a disparar unos contra otros por sus objetivos.

Al final solo quedan cuatro personajes vivos. De todos los que hemos visto al inicio, solo queda este cuarteto de supervivientes a los balazos disparados por uno de los bandos enfrentados.

IDEAS QUE QUEDARON EN EL AIRE

La cinta no es precisamente violenta, sino repetitiva. Vemos una y otra vez la misma secuencia, con la misma cantidad de sangre y balas que llega a cansar. Estas tomas no suman a la historia, sino la estancan y no la dejan enfocarse en temas más importantes tales como, por ejemplo, conocer mejor al rudo detective protagonista del filme.

¿Qué hay detrás de esta hosquedad que esconde un tipo interesado en encontrar la verdad? Al encontrar esta motivación podríamos profundizar más en este personaje y mejorar la historia.

O ¿por qué hay un fuerte lazo entre el alcalde y su hijo? ¿por qué simplemente son padre e hijo o hay otra historia detrás? Si respondíamos esta pregunta la escena clave en que ambos se ven cara a cara le daría un enfoque más emocional.

Hay muchas ideas que se pudieron hacer en vez de dedicar tres tomas de casi 10 minutos a una lluvia de balas en los interiores y exteriores de las locaciones usadas para contar esta historia.

John Wick, por ejemplo, llegaba a caer en la repetición de la violencia, pero por momentos se volvía creativa y audaz y eso le daba un valor agregado a la película, en cambio, aquí la violencia aparece básica y ruidosa, sumando poco al resultado final.

Puede entretener, pero por varios momentos Estragos llega a cansar, aburrir y en consecuencia hacerse prescindible.

 

Soltera, Casada, Viuda, Divorciada 2: crítica a la película peruana

Christiaan Lecarnaque
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Soltera, Casada, Viuda, Divorciada 2: crítica a la película peruana

Cuando miraba Soltera, Casada, Viuda, Divorciada 2 me puse a recordar películas sobre amigas en el cine o series. Me llegaron recuerdos de la reciente tercera temporada de The White Lotus en que tres amigas se pelean y terminan más unidas. Del mismo modo recordé Chicas Pesadas (Mean Girls), Damas en Guerra, La boda de mi mejor amigo, donde dos mujeres compiten ferozmente por el amor de una mujer.

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Todas estas películas tienen algo en común: amigas del alma que pelean con uñas y dientes y terminan más amigas que nunca. Eso no se observa en Soltera, Casada, Viuda y Divorciada 2. En esta comedia peruana suavecita el conflicto simplemente no existe. Es como si se retratara a peruanos y peruanas promedio que prefiere obviar las verdades y simular amistad eterna para evitar problemas.

La película solo es una exposición de los líos personales de las cuatro protagonistas combinada con bromas, ocurrencias y conversaciones rápidas. Aquí ni siquiera hay enredos.

POR QUÉ LE TEMEN AL CONFLICTO

Pero este es un problema de las películas comerciales peruanas ¿Por qué le temen tanto al conflicto? ¿Será un problema de creatividad o una decisión práctica de complacer al espectador peruano y mantenerlo sentado en una butaca de cine con bromas básicas?

Más parece lo segundo porque si la fórmula ya funcionó ¿para qué reinventarla? Las carcajadas que escuché en la sala de cine, mayormente del público femenino, le dan la razón a esta premisa.

LA CLAVE ESTÁ EN EL HUMOR

La película funciona porque prioriza más las bromas y ocurrencias, incluso algunas adaptadas del Tik Tok, como aquella que se produce en el spa. ¿Qué tiene de malo pasar un buen rato en el cine? Hollywood lo hace porque no lo haría el Perú.

Esta película toca temas importantes entre las mujeres como la menopausia (siguiendo algunos estereotipos), el poco interés por el matrimonio, volver a casarse o no luego de la viudez o la soledad en la tercera edad, aunque sin la debida profundidad.

PREGUNTAS AL AIRE

Sigo pensando que si una cinta se planteó divertir a su audiencia y logró, pues el objetivo está cumplido. Entonces ¿Deberíamos dejar de escribir que por momentos el filme parece una publicidad de Youtube? ¿Que los hombres tienen respuesta a los problemas de estas mujeres en apuros? ¿Qué casi todas las protagonistas terminan sus historias tal cual como empezaron la historia?

Por ejemplo, Lorena no quería casarse, entonces ¿el riesgo es no casarse y continuar con su vida de madre no planeada, cuando desde el inicio de la película renegaba de ella? Pasamos de una chica con problemas para lidiar con hijos ajenos a una chica lidiando con hijos ajenos, aunque sonriendo en la toma final.

Connie extraña a su nieto llevado a España y termina extrañándolo con una sonrisa; Catalina no acepta la menopausia y al final la acepta con una sonrisa; mientras que a Cecilia parece irle mejor ya que pasa de viuda a empezar una relación, sin sus consultorios médicas, en las heladas montañas de Chile. También sonríe al final.

En el balance la película tiene problemas, pero a su favor está el público que viene llenando las salas de cines. Aquí no importa si hay mensajes profundos o actuaciones destacadas, sino solo divertirnos.

P.D. Gianella Neyra y Facundo Arana vuelven a reencontrarse en esta película luego de protagonizar la telenovela argentina Yago, pasión morena, estrenada el 2001. El personaje de Arana llegó en el momento perfecto para reconstruir la vida de Cecilia (Gianella) y de paso aprovechar la nostalgia que podrían causar estos dos actores que trabajaron juntos en esta novela.

Black Mirror, séptima temporada: crítica a la serie de Netflix

Christiaan Lecarnaque
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Black Mirror, séptima temporada: crítica a la serie de Netflix

Volví a ver el primer capítulo de Black Mirror estrenado en diciembre del 2011. En ese episodio se exploraba el morbo, la deshumanización y el espectáculo generado por las redes sociales y medios de comunicación, situación que se vive con más intensidad en la actualidad.

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Black Mirror apuesta por generar debate a partir de los efectos de la tecnología en nuestras vidas. No necesariamente los inventos descritos en los episodios están en el mercado. A veces se adelanta al futuro y a partir de ellos narra una historia disruptiva, fascinante, pero siempre describiendo a las reacciones humanas.

En ese sentido tiene capítulos alucinantes y uno que me llamó la atención en esta séptima temporada lleva como título «Una pareja cualquiera».

UN YOUTUBE PARLANTE

Cuenta la historia de una pareja de esposos enamorados que se pone a prueba cuando ella tiene un derrame cerebral. Entonces aparece una vendedora de una empresa de biotecnología que plantea al esposo insertarle un chip para reactivar sus funciones cerebrales y en consecuencia volver a su rutina.

Todo va bien hasta que repentinamente la mujer empieza a pronunciar anuncios publicitarios. El chip insertado en su cabeza correspondía a un plan básico que venía con esta publicidad. Para suprimirla tenían que abonar una onerosa cantidad de dinero. Quitarle el chip no es una opción ya que puede morir.

Es decir la mujer funcionaba como un servicio de streaming con publicidad porque pagaba el plan más bajo. Era un Youtube parlante.

Esta es una idea loca y divertida, pero lo que sucede con los personajes no es gracioso ya que esta tecnología termina por destruirlo. ¿Podría esta ficción convertirse en realidad? Pues ya se habla de insertar chips en los cerebros humanos. No resulta descabellado que alguna corporación ya esté maquinando la forma de ganar dinero con un poco de publicidad.

Por otro lado, este capítulo, para mí el mejor de la séptima temporada, solo es una muestra de las historias que trae Black Mirror.

Hay otro que recuerdo donde una joven lucha por mantenerse activa y popular en las redes sociales. Esa desesperación la lleva a tomar decisiones equivocadas que terminan enviándola al exilio social. Esta situación es muy común en la actualidad. Este episodio se estrenó hace más de diez años.

De ahí la riqueza de Black Mirror, de adelantarse a estas situaciones e intentar promover discusiones sobre los efectos que está teniendo la tecnología en nosotros como humanidad.

LA TECNOLOGÍA TIENE SU LADO OSCURO

Es cierto que la tecnología tiene sus beneficios, pero tampoco podemos negar sus desventajas. Por ejemplo, los celulares funcionan como una paradoja: acortan distancias, pero a la vez nos alejan. Ya es muy común que las familias o amigos no conversen en las mesas, sino que están pendientes a las últimas actualizaciones de celulares. Incluso hay muchos que almuerzan o cenan mirando sus celulares. Entonces de qué comunicación estamos hablando.

Ni mencionar a las redes sociales que generan una falsa felicidad o sensación de éxito que hace sentir a los menos activos en seres inútiles y sin norte en la vida.

Bien hace Black Mirror en poner este tema en debate y hacernos reflexionar sobre el camino que está siguiendo la humanidad si dejamos que la tecnología se apodere de nuestras vidas.

UNA TEMPORADA REGULAR

Aunque la séptima temporada inicia bien, en general el balance de todos los capítulos es regular.

El segundo, Béte Noire, habla de la computación cuántica y espacios simulados, pero queda más en la fantasía sin aterrizar la idea en la realidad. En contraste el tercero Hotel Reveire, también es bueno. Aunque la idea no es nueva: una inteligencia artificial consciente; trabajan bien el lado emocional y técnico sobre todo porque cuentan la historia a blanco y negro, y ese detalle muchas veces queda bien. El resto está bien; nada extraordinario.

Pero en general Black Mirror sigue en la línea de aterrorizarnos con el poder la tecnología y advertirnos de lo que pasará si seguimos permitiendo que domine nuestras rutinas.

iRehén: crítica al estreno de Netflix

Christiaan Lecarnaque
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iRehén: crítica al estreno de Netflix

iRehén es el relato convencional de la toma de rehenes a una tienda de Apple en Holanda. Basada en hechos reales esta película llega a Netflix para entretener a su audiencia y sumar una cinta más a este género.

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Un transportista sorprende a clientes y vendedores de una la tienda de Apple. Desde el inicio se nota que no está preparado para esta toma del local cuando, al inicio de la película, lo vemos rebuscar varias veces un arma con el objetivo de atacar este establecimiento.

Al final ni clientes ni vendedores reparan en este detalle y permiten que se apodere del local. Unos huyen, y otro, que fue a comprar airpods, queda retenido por el secuestrador. Hay otros en el segundo piso y cuatro encerrados en un almacén. Sin embargo este torpe delincuente no se da cuenta de estas presencias, sino hasta que los rescata la policía.

No solo se observa su torpeza en estos detalles sino también en la forma como negocia con la policía solicitando imposibles o fantasías sacadas de una película siendo, incluso, motivos de burlas del mismo rehén retenido.

No se conoce mucho de él, ni mucho menos del rehén que tiene a su lado, ni tampoco de los otros cuatro encerrados en un almacén. Estos personajes solo son piezas en esta narración de una historia de un secuestro.

En ese sentido iRehén se hace convencional, apegándose a las fórmulas del género y poco original. No obstante lo hace bien. Cumple con su propósito de entretener. La puesta en escena está bien, pero en general la película no ofrece nada nuevo, ni exige mucho al espectador.

 

Pecadores: crítica a la película de Michael B. Jordan

Christiaan Lecarnaque
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Pecadores: crítica a la película de Michael B. Jordan

Vampiros blancos contra gente negra. Ryan Coogler, director de Creed y Pantera Negra, ofrece con Pecadores un punto de vista diferente sobre el racismo en los Estados Unidos.

Dos gemelos, interpretados por Michael B. Jordan, alborotan un pueblo habitado, en su mayoría, por trabajadores negros en plantaciones de algodón, con la inauguración de un bar con música blues.

La primera parte va construyendo una atmósfera que gira sobre la presencia de los gemelos y la expectativa que generan por su bar. Para un pastor de iglesia su música representa un peligro, pero para la población un alivio al trabajo extenuante de los campos de algodón.

Además vamos conociendo los demonios internos de cada uno. Lo que vamos escuchando nos advierte que la música no es el peligro, sino el pasado violento de los gemelos. Sin embargo, la película no va por ahí, sino en algo más siniestro y sobrenatural: la llegada de un vampiro.

Este villano ataca primero a miembros del Ku Klux Klan, los convierte a su rebaño y luego se va en búsqueda de los indefensos negros que disfrutan las melodías del blues.

Entonces la solemne descripción inicial se rompe cuando aparece la fantasía y el terror a la mitad de la película. El ritmo se acelera y los cortes de edición se usan con precisión para generar sobresaltos.

LOS AJOS Y LA MÚSICA

Para vencer a los vampiros se necesita ajos, estacas y música. Sí, la música. Pues una guitarra empleada para tocar blues juega un papel fundamental para enfrentar al líder de los espectros.

En la película la música tiene un rol fundamental. Por unos minutos Pecadores se convierte en un musical desarrollado para rendir homenaje al blues. En ese sentido se arriesga y añade imágenes del presente con música electrónica, ropas y peinados divertidos para dejar claro el legado que este género musical ha dejado a la humanidad. El riesgo surte efecto porque le añade otra tonalidad a la música y la hace más seductora.

En general la música aporta mucho a la historia y no se ve lejana de la idea central. Este es un elemento fundamental en el cierre y tiene mucho sentido en la lucha contra los vampiros.

LOS VAMPIROS

El planteamiento es bastante original, no solo para tocar un tema delicado como el racismo, sino también de vampiros, ya que estos personajes tienen diálogos interesantes que pretenden seducir a las víctimas y atraerlos a su causa. Uno de los mejores momentos está cuando uno de los afectados reza el Padre Nuestro y también el vampiro, lo que evidencia su poder y su invulnerabilidad.

La parte de los vampiros no se limita a producir morbo con tomas violentas, explícitas y llenas de sangre.

EL RACISMO

¿Por qué Pecadores habla de racismo? ¿Por qué hay vampiros blancos atacando a negros? Pues la historia se desarrolla en un tiempo en que la discriminación era moneda de todos los días. Por eso es que hay referencias al Ku Klux Klan, dinero de plantación, fuga de esclavos, entre otras. Y esto es intencional en la historia de Coogler.

Hay mucha sutileza en el trabajo de Coogler para exponer el racismo como lo hizo en Pantera Negra. En la película de superhéroes va poco a poco hasta proponer el conflicto de la historia. Para ello se apoya en diálogos para exponer esta problemática y llevarnos hacia su punto de vista.

Ryan Coogler nos ha entregado buenas películas y esta no es la excepción

PD. Pueden ver las películas de Ryan Coogler en streaming. Las dos películas de Pantera Negra en Disney+;Estación Fruitvale en Prime Video.

Las vidas de Sing Sing: crítica a la película de Colman Domingo

Christiaan Lecarnaque
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Las vidas de Sing Sing: crítica a la película de Colman Domingo

Por momentos Las Vidas de Sing Sing (Sing Sing) me recuerdan a Sueños de Fuga (The Shawshank Redemption 1994, disponible en Max). Ambas películas hablan de prisioneros adaptándose a esa vida de encierro, pero sin dejar la esperanza de abandonar los barrotes y vivir otra vez la libertad.

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En Las Vidas de Sing Sing un grupo de presos encuentran paz en un programa de teatro. Es cierto, es un programa de rehabilitación en la prisión de máxima seguridad de Sing Sing, pero para ellos significa un espacio para compartir, dialogar con amigos y aprender.

A ese ambiente llega Clarence «Divine Eye» Maclin, un actor que se interpreta así mismo y que pasó 17 años en la cárcel por robo. Estuvo en el programa de Rehabilitación a través de las Artes. Actualmente se desempeña como consejero juvenil y especialista de artes creativas. Toda su experiencia en prisión está volcada en esta película.

SE CAMBIAN LOS PAPELES

Su personaje busca incluirse en este programa. Tiene habilidades, pero se muestra desconfiado de sus compañeros. Al inicio no entiende cómo funciona el teatro, sin embargo el arte hace su magia y lo abre a su comunidad convirtiéndose en un elemento valioso.

Lo interesante es que termina por ayudar a John «Divine G» Whitfield (Colman Domingo) quien asume el liderazgo del grupo, pero que no esconde sus ganas de dejar los barrotes que lo mantienen encerrado.

La llegada de Clarence será vital para ayudarlo a cumplir su objetivo ya que como sucede en la vida real, las personas que más ayudan, más apoyo necesitan y no es fácil abrirles el alma para darles una mano. Clarence entiende ello y se convierte en la llave de su alma.

De esta manera el teatro ayuda a desactivar sus escudos para guiarlos y convertirlos en mejores personas como el resto de reclusos miembros de este programa de rehabilitación, quienes parecen haber olvidado sus culpas para encontrar en el arte sentido a sus vidas.

Las Vidas de Sing Sing ofrece una actuación sincera de Colman Domingo, pero más aún de Clarence quien aporta mucha sabiduría y soporte, desde su experiencia.

Esta es una película para valorar la amistad, pero también para apreciar la magia del arte en toda su expresión y en nuestros corazones.

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