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Compañera perfecta: crítica a la película Jack Quaid

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La relaciones románticas también pueden ser tóxicas con un robot. Compañera perfecta (Companion) parte de una premisa interesante: alquilar un autómata para que actúe como una pareja.

Parece una solución perfecta. Programas esta adquisición a tus objetivos y deseos. Pero qué sucede cuando no se cumplen los acuerdos. Pues problemas.

Más aún cuando esta robot adquiere cierta inteligencia colocándola al nivel de los humanos para cuestionar y atar cabos.

Este tipo de historias no son una novedad en el cine. Abundan relatos de robots que van adquiriendo conciencia conforme avanza la relación con los humanos. Sobre ello se narra la historia convirtiendo a una creación inocente en alguien más evolucionado, fuerte y extremadamente inteligente.

Lo mismo sucede en Compañera perfecta. Solo que se apela al hipotético romance entre robot y humano para abordar esta temática.

A ello se le añade un poco de humor negro, unos giros sorpresivos (e interesantes) en la parte inicial de la historia y un poco de violencia siempre bienvenida por las audiencias.

También hay un poco de nostalgia en elementos materiales como autos y celulares, hasta en música rememorando los años favoritos de esta época: los ’70 y ’80.

Además de referencias a películas como Terminator (la escena del robot vestido de policía; la mano de la protagonista)

Sin embargo, en el fondo, parece que fuéramos testigos de una relación tóxica donde los protagonistas dicen sentir amor cuando solo los une dependencia e intereses nada románticos.

La protagonista sobresale desde el inicio porque su bello rostro oculta angustia, inseguridad e incertidumbre, como si advirtiera que algo malo está por venir. Su instinto, a diferencia de su pareja, no le falló.

Jack Quaid, pareja de esta robot, parece trasladar su personaje en la serie The boys de Prime Video a esta película. Al inicio lo observamos torpe y descuidado, luego malicioso y con buenas habilidades para la comedia. Lo hace bien. Está en su zona confort y nada debería fallar.

Compañera perfecta podría cuajar dentro de una tragicomedia que funciona bien para entretener a las audiencias.

 

 

Canina: crítica a la película de Amy Adams

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Amy Adams incursiona en un papel diferente en su carrera. En Canina (Nightbitch) interpreta a una madre abrumada por las tareas del hogar y el cuidado de su hijo, que en momentos de estrés imita las conductas de un perro. Está disponible en Disney+.

Esta mujer hizo una pausa en su vida como pintora para dedicarse a cuidar, junto a su esposo, a su hijo.

Decir que atiende a su pequeño junto a su pareja, es un decir, porque en la película se observa que este hombre más que ayudar, estorba.

Canina está dirigida por Marielle Heller. La directora hizo películas como ¿Podrás perdonarme? que logró tres nominaciones al Oscar . También participó como actriz en la serie Gambito de dama, donde interpretó a la mamá de la protagonista

Vemos, por lo menos en el primer tramo de la película, que la maternidad supone un enorme sacrificio, demanda tiempo y genera mucho estrés.

Precisamente cuando el personaje de Amy Adams llega al límite es que empieza a adoptar conductas de un perro. Se imagina que va transformándose en un canino, primero, físicamente, y, después, emocionalmente.

Incluso interactúa de esta manera con su hijo para calmarlo en sus berrinches.

De esta manera la película juega con un obvio mensaje sobre los sacrificios que exige la maternidad y esta metáfora canina que no queda muy clara, aunque luego supone una inspiración para su trabajo final como pintora.

LOS SACRIFICIOS DE LA MATERNIDAD

Pero sí. La maternidad es muy dura. Exige demasiado y no necesariamente es comprendida, principalmente, por la persona, testigo directo de la crianza: el esposo.

Por eso Canina retrata bien ese esfuerzo a través de los cansados ojos de Amy Adams y su forma de vestir que dice mucho del descuido personal en que viven las madres de niños pequeños.

Lo gracioso de la cinta se materializó cuando el esposo busca ayudar y, a través de una edición rápida, notamos que más estorba y se convierte en una complicación más para esta madre que solo desea descansar unos minutos.

Incluir esta metáfora del perro, no queda clara. Parece una manera de canalizar el estrés que un trastorno psicológico. Aunque al final se llega a vincular con el final de la película.

Por momentos Canina resulta reveladora, graciosa, entretenida, por otros se hace densa e incómoda. Aunque Amy Adams siempre cae bien parada a lo largo de la cinta.

 

Oscar 2025: Escucha a las nominadas en canción original

EL MAL (Emilia Pérez)

La favorita de la categoría en esta temporada del Oscar 2025. Jacques Audiard está nominado por la letra de esta canción. Quizás sea uno de los pocos mejores momentos de la película. El tema ya ganó el Globo de Oro. También están como candidatos los músicos franceses Clément Ducol y Camille.

NEVER TOO LATE (Elton John: Never Too Late)

Canción principal de documental autobiográfico de Elton John. Esta es la quinta nominación del cantante quien ya ganó el Oscar en dos oportunidades. Junto a él también compiten Brandi Carlile, Andrew Watt y Bernie Taupin

MI CAMINO (Emilia Pérez)

Segunda canción nominada de Emilia Pérez. Este tema es cantado por la Selena Gómez, una de las actrices de esta película. También están nominados los músicos franceses, Camille y Clément Ducol.

THE JOURNEY (Seis triple ocho)

Diane Warren obtiene su nominación 15 al Oscar como mejor canción original. Compitió con temas como I Don’t Want to Miss a Thing de Armaggedon, There You’ll Be de Pearl Harbor y I’ll Fight del documental RBG. No ha ganado en ninguna oportunidad. ¿Será este año en que reciba por primera vez el premio de la Academia? La posibilidad parece remota.

LIKE A BIRD (Sing Sing)

Los músicos nortamericanos, Abraham Alexander y Adrian Quesada, reciben por primera vez su nominación al Oscar en esta categoría.

Conoce más nominados al Oscar 2025 en este link. AQUÍ

La diplomática, segunda temporada: crítica a la serie de Netflix

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La segunda temporada de La diplomática empieza con las secuelas de un ataque terrorista producido en el Reino Unido.

En ese atentado hay muertos y también heridos como el esposo de la embajadora de Estados Unidos, Kate Wyler.

Naturalmente la diplomática está preocupada por su pareja, pero también por conocer quién es el responsable de ese ataque. De esta manera en el primer episodio lanza una hipótesis: el primer ministro británico, ultraderechista, está detrás de esta agresión.

Sobre esta tesis giran los posteriores cinco episodios (la temporada dos tiene seis capítulos) hasta encontrar a los verdaderos responsables de este atentado. La verdad sorprenderá a todos.

La embajadora encabeza estas investigaciones, sin embargo, pese a su interés, parece novata en estas conspiraciones y su intuición poco entrenada la conduce por caminos errados.

Su falta de malicia y apego a un idealismo en un mundo de poder y política la ponen constantemente en desventaja en relación a sus enemigos.

No obstante estos detalles la segunda temporada de La diplomática se maneja bien hasta develar con sorpresa a los responsables del atentado en el Reino Unido. Lo que se viene en una probable tercera temporada será tremendo porque la pelea por el poder será a una escala mayor.

Lo interesante es la justificación de ese ataque lo que nos hace pensar si nosotros en su lugar tomaríamos o no esa decisión. Si es ético o no. Entonces esta serie de Netflix tiene un efecto interesante en la audiencia y al ser corta logra que se vea con mucho interés y rapidez.

Para todos aquellos seguidores de historias de conspiraciones, política o pelea por el poder, vean esta serie que quedarán complacidos.

La chica de la aguja: crítica a la película danesa

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La chica de la aguja (The girl with the needle), nominada al Oscar a mejor película internacional en los Oscar 2025 en representación de Dinamarca, trae una historia violenta, retorcida y perturbadora.

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Karoline trabaja como costurera en una fábrica donde mantiene un romance con el dueño. Ella está casada, pero su esposo participó en la Primera Guerra Mundial y asume que está muerto.

La protagonista quedará embarazada del dueño de la fábrica y también supone que se encargará de ella y su hijo. Nada más alejado de la verdad. Cuando Karoline conoce a su futura suegra también enfrentará su triste destino. Ni su hijo ni su familia se harán cargo de ella y su bebé.

De esta manera inicia el martirio de Karoline. La pregunta que se hace en ese momento es seguir o no con el embarazo. Su situación económica no es buena, tampoco la sentimental, por ello es que tomará una decisión que luego lamentará.

Contada a blanco y negro, La chicha de la aguja, dirigida por Magnus von Horn, puede ser una película, por momentos, incómoda de ver.

La protagonista no hace más que tomar decisiones equivocadas que terminan por llevarla por el camino equivocado. Entonces en vez de evolucionar hacia arriba, termina tocando fondo.

CARGANDO CULPAS

Pero parece que su caída se acelerara cuando toma una decisión sobre el futuro de su embarazo. Desde ese momento se activan consecuencias nefastas para quienes quieren ir en contra de la maternidad (o ese es el mensaje que quiere dar esta película).

Es como si esas mujeres deberían cargar con es culpa por el resto de sus vidas. Incluso, en una de las escenas finales, hay un diálogo directo que califica a estas jóvenes.

Lo bueno de esta película es su puesta en escena, sus buenas composiciones visuales utilizando el blanco y negro para acercarse a un relato de terror con personajes maquillados y peinados para retratar su desesperanza.

La música cae en el momento adecuado para advertirnos, principalmente, que algo malo se viene en camino.

Mientras que no solo la protagonista vive en una oscuridad perpetua, sino que los personajes parecen oscuros, destruidos por dentro, sin alma y con ánimo de hacerle daño al resto; salvo uno que pese a su apariencia terrorífica funciona como un salvavidas para la desorientada Karoline.

Un dolor real: crítica a la película de Kieran Culkin

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Un dolor real (A real pain) es una pequeña película independiente dirigida por, Jesse Eisenberg, quien actúa en este filme junto con Kieran Culkin, conocido en estos últimos años por su papel como Roman Roy en la serie Succession de Max.

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Ambos interpretan a dos primos judíos que viajan a Polonia a conocer la casa natal de su abuela.

Como sucede en este tipo de películas dos personalidades distintas coinciden en un viaje de turismo para conocerse mejor y reflexionar. Las diferencias en ambos se notan desde que se encuentran en un aeropuerto.

En este caso Benji (Kieran Culkin) tiene una personalidad más sensible y punzante. No teme decir lo que siente ni entrar en rodeos. Sus comentarios pueden generar apoyo, como recelo en el resto.

Mientras que su primo David (Jesse Eisenberg) es más prudente, lejano y a veces tímido. Parece conocer a Benji, pero este viaje servirá para profundizar mejor en la personalidad de su primo.

Ambos integran un tour que los lleva a los sitios más emblemáticos de la historia judía, terminando en los campos de concentración de Majdanek.

Aquí Benji lidera las reflexiones acerca de genocidios y propone cambios en la rutina turística para que esta sea más cálida y menos repetitiva.

No obstante, Benji es tan sensible que no tiene problemas en expresar sus emociones en cualquier momento y lugar, y esto a veces deja perplejo a David.

Cuando veo a Kieran Culkin interpretando a este Benji honesto y directo me recuerda a su papel como Roman Roy en Succesion. Incluso los personajes se parecen ya que en la serie Roman también tenía una lengua sin filtro.

Sin embargo, hay dos momentos en que se aleja de este papel. Uno cuando toca el piano, luego de una discusión con sus compañeros de tour, y otra al dejar el campo de concentración, llorando.

Esos dos momentos describen bien al personaje.

Un dolor real es una cinta sencilla que no habla del holocausto, sino de dos personas que se encuentran luego de varios años para conocerse mejor y quizás unirse más.

Es un filme de hora y media, con más de diálogo e interpretaciones, que te hacen pensar en situaciones que probablemente muchos no hemos reflexionado.

Oscar 2025: Conoce las nominadas de este año

  • Emilia Pérez lidera las nominaciones con 13 candidaturas en estos Oscar 2025. Mientras Wicked y El brutalista lograron diez, Conclave y Un completo desconocido ocho, Anora con seis. Emilia Pérez es la película internacional más nominada de la historia de los Oscar.
  • BRASIL HACE HISTORIA. Aún estoy aquí, dirigida por Walter Salles de Brasil ingresa a mejor película, mejor película extranjera y mejor actriz por el trabajo de Fernanda Torres. Brasil no obtenía una nominación a mejor película extranjera desde Estación Central en 1999.
  • Karla Sofía Gascón es la primera actriz trans en competir en la categoría a mejor actriz principal de los Oscar 2025.
  • Demi Moore logró su primera nominación al Oscar y parte como favorita en su categoría.
  • Como todos los años hay «ignorados» en las nominaciones. En esta temporada llamó la atención la exclusión de Edward Berger, director de Cónclave. También se notó la ausencia de Dennis Villeneuve por Duna: parte II, Daniel Craig por Queer y Margaret Qualley por La Sustancia.
  • Robot Salvaje logró tres nominaciones (mejor cinta animada, sonido y banda sonora), mientras Flow obtuvo dos (mejor cinta animada y película internacional por Latvia)
  • La ceremonia de los Oscar 2025 será este 2 de marzo.

MEJOR PELÍCULA

MEJOR DIRECCIÓN

  • Brady Corbet (El brutalista)
  • Sean Baker (Anora)
  • Jacques Audiard (Emilia Pérez)
  • James Mangold (Un completo desconocido)
  • Coralie Fargeat (La sustancia)

MEJOR ACTOR

  • Adrien Brody (El brutalista)
  • Timothee Chalamet (Un completo desconocido)
  • Ralph Fiennes (Cónclave)
  • Colman Domingo (Sing Sing)
  • Sebastian Stan (El aprendiz)

MEJOR ACTRIZ

  • Demi Moore (La sustancia)
  • Mickey Madison (Anora)
  • Karla Sofía Gascón (Emilia Pérez)
  • Fernanda Torres (Aún estoy aquí)
  • Cynthia Erivo (Wicked)

MEJOR ACTOR DE REPARTO

  • Kieran Culkin (Un dolor real)
  • Edward Norton (Un completo desconocido)
  • Yura Borisov (Anora)
  • Guy Pearce (El brutalista)
  • Jeremy Strong (El aprendiz)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

  • Zoe Saldaña (Emilia Pérez)
  • Mónica Barbaro (Un completo desconocido)
  • Isabella Rosellini (Cónclave)
  • Ariana Grande (Wicked)
  • Felicity Jones (El brutalista)

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

  • Cónclave
  • Emilia Pérez
  • Sing Sing
  • Nickel Boys
  • Un completo desconocido

MEJOR EDICIÓN

  • Emilia Pérez
  • Cónclave
  • Anora
  • El brutalista
  • Wicked

MEJOR FOTOGRAFÍA

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN

  • Wicked
  • El brutalista
  • Duna: parte II
  • Cónclave
  • Nosferatu

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

  • La sustancia
  • Wicked
  • Nosferatu
  • Un hombre diferente
  • Emilia Pérez

MEJOR BANDA SONORA

  • El brutalista
  • Cónclave
  • Wicked
  • Robot Salvaje
  • Emilia Pérez

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

  • El mal (Emilia Pérez)
  • Never too late (Never too late) (Disponible en Disney+)
  • Mi camino (Emilia Pérez)
  • The journey (Seis triple ocho) (Disponible en Netflix)
  • Like a bird (Sing Sing)

MEJORES EFECTOS VISUALES

  • Duna: parte II
  • El reino del planeta de los simios (Disponible en Disney+)
  • Wicked
  • Better man
  • Alien: Romulus

MEJOR SONIDO

  • Duna: parte II
  • Wicked
  • Un completo desconocido
  • Emilia Pérez
  • Robot salvaje

MEJOR CINTA ANIMADA

MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL

MEJOR DOCUMENTAL

  • No other land
  • Sugarcane (Disponible en Disney+)
  • Soundtrack to a Coup d’Etat
  • Black Box Diaries
  • Porcelain war

MEJOR CORTO DOCUMENTAL

MEJOR CORTO ANIMADO

  • In the shadow of the cypress
  • Beautiful Men
  • Yuck!
  • Wander to Wonder
  • Magic candies

MEJOR CORTO DE ACCIÓN

La habitación de al lado: crítica a la película de Pedro Almodóvar

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Primera película en inglés del director español, Pedro Almodóvar, y ganadora del León de Oro del Festival de Venecia, La habitación de al lado es una película íntima que habla de un tema bastante espinoso: la eutanasia.

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Martha (Tilda Swinton) tiene cáncer y los médicos advirtieron que la enfermedad avanza sin control por su cuerpo acelerando su final. Entonces ella toma una decisión: poner punto final a su vida.

Para ello contará con la ayuda de su amiga Ingrid (Julianne Moore) quien luego de resistirse, decide apoyarla en esta decisión.

La película se desarrolla con diálogos entre ambas protagonistas analizando decisiones del pasado, recordando buenos momentos y preparándose para el día final.

Es una de las cintas íntimas de Almodóvar en que vemos más a estos personajes que al resto de secundarios.

En la mayoría de sus películas, hay roles secundarios que están en constante comunicación con los protagonistas. Pero en La habitación de al lado solo escuchamos las voces de ellas reflexionando sobre la vida y la muerte.

EL ESTILO ALMODÓVAR

No obstante su sello está en la historia. Sus colores. Sus rojos intensos y verdes cálidos. A veces el rojo parece vestir a la persona que apoya a la otra y en otras irrumpe para circular por la mitad de un desierto áspero y solitario, o indicarnos con una puerta que la decisión final ha sido tomada por Martha.

Hay un juego interesante que hace Almodóvar antes que Martha deje este mundo. Cuando nos hace creer que ya partió con la ayuda de una puerta roja, reforzando esta idea con la aparición fantasmal de Martha. Almodóvar juega bien sus cartas para mantener por unos segundos este suspenso.

La habitación de al lado toca un tema delicado generador de ardorosas posiciones que en la propuesta de Almodóvar no se cuestiona, sino que se desarrolla con mucha naturalidad, sin dramas, como si se tratase de una decisión diaria.

Las reflexiones, a veces se apoyan, en literatura, pinturas y clásicos de cine, así como hermosas composiciones que regala la naturaleza.

Por momentos se intenta vincular al cambio climático, como si la Tierra agonizara, aunque no queda claro si la reflexión apunta proponer que terminen los días del planeta. Pero esta parte es la más política y directa de la película, así como saca por unos momentos del planteamiento de la eutanasia.

Interesante debut de Almodóvar en inglés con dos de las mejores actrices en Estados Unidos, que ojalá sirva para que siga experimentando con más historias y más intérpretes de este país.

El día del chacal: crítica a la serie de Disney+

El día del chacal es una trepidante serie de acción disponible en Disney+ que tiene como personaje central un francotirador con talento.

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Esta historia es una adaptación de la película del mismo nombre estrenada en 1973 y que en esta oportunidad se contó en diez episodios.

El chacal, como se llama al protagonista, es un asesino a sueldo y francotirador diestro bien cotizado entre aquellos interesados en quitar piedras en su camino. Pero a la vez es un padre de familia y esposo modelo.

Sin embargo los días tranquilos se van acabando para el chacal cuando asesina a un reputado político alemán e involucra a la policía británica a intervenir y ordenar su cacería.

Lo que aparentemente tenía controlado se va desmoronando cuando interviene la agente Bianca, una mujer igual de buena en su trabajo, como él.

Aunque para Bianca no será fácil atraparlo, para el chacal tampoco será fácil escapar, porque la persistencia de esta agente lo pondrá contra las cuerdas en varios momentos.

¿QUIÉN ES EL CHACAL?

Mientras se va desarrollando esta cacería vamos conociendo más rasgos del chacal a quien parece quedarle algunos sentimientos para su hijo y esposa, más no para la humanidad.

Conforme avanzan los episodios se retrata a un monstruo sin ningún tipo de conflicto moral para ejecutar sus trabajos.

Sin embargo, parece tener similitudes con sus perseguidores quien, al igual que él, guardan secretos y en unos casos viven una doble vida. Además que toman decisiones prácticas como él para alcanzar sus objetivos.

UNA SERIE COMPLETA

El día del chacal tiene profundidad y también intensidad. Se cuenta con una película de acción principalmente cuando vemos en acción al francotirador.

La primera escena, es decir los primeros minutos, se desarrollan como mucha paciencia para ver en acción el trabajo del chacal.

Estamos acostumbrados a observar como el dedo en el gatillo, dispara la bala y al segundo da en el blanco. En ese caso se toman unos segundos para que el impacto llegue en el momento menos esperado para el espectador.

Otro rasgo interesante de la serie es cómo los cazadores se cruzan con este asesino, sin que ellos se den en cuenta, sencillamente porque conocen poco de él. Pero la serie juega con estos elementos para generar confusión y expectativa entre los usuarios.

Esta serie de Disney+ es un producto completo que entretiene y da razones para las acciones de sus personajes, sobre todo, profundiza más en el personaje central. Este producto va gustar para aquellos aquellos que gustan de estas historias de espías y conspiraciones.

Babygirl: Crítica a la película de Nicole Kidman

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El primer minuto de Babygirl es intenso. Comienza con los gemidos de una mujer sobre una pantalla negra, hasta que se revela la escena: una pareja de esposos haciendo el amor en la cama de su dormitorio.

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El enfoque aquí es el placer femenino. Sin embargo, lo interesante ocurre después de lo que parece ser el clímax: la mujer abandona la habitación, busca una computadora, ve porno y finaliza lo que quedó inconcluso en la cama.

Así, la película gira en torno a la historia de Romy (Nicole Kidman), una mujer exitosa en lo profesional pero profundamente insatisfecha en lo sexual. En su búsqueda de algo que no encuentra dentro de las cuatro paredes de su hogar, se aventura en un territorio prohibido: el trabajo.

Samuel, un joven recién llegado a la empresa de Romy como practicante, se convierte en su inesperado objeto de deseo. Su osadía despierta el interés de Romy (la escena de la leche es buena), quien, guiada por el placer, decide arriesgarse a mantener una relación con él para satisfacer sus necesidades.

Esta no es la típica historia de drama erótico con escenas perfectamente coreografiadas y gemidos exagerados. Aunque hay una escena similar a Bajos Instintos, la película se esfuerza por ser lo más cruda, real y, en ocasiones, incómoda posible (como la escena de la sumisión).

Tampoco encasilla a sus personajes como símbolos sexuales idealizados, con cuerpos marcados y estilos impecables. Por el contrario, apuesta por una representación más humana y auténtica.

NICOLE KIDMAN, COMO NUNCA ANTES VISTA

Nicole Kidman asume uno de los papeles más atrevidos de su carrera en Babygirl. Arriesga al interpretar a un personaje tan complejo, y su esfuerzo fue recompensado con el premio a Mejor Actriz en el Festival de Venecia, además de otros galardones otorgados por círculos de críticos estadounidenses.

La escena inicial de Kidman es impactante, no porque esté mal hecha, sino porque cuesta imaginar a una actriz top mundial en un rol tan visceral. Sin embargo, ella lleva su actuación al límite y demuestra que no teme explorar personajes fuera de su zona de confort.

En Babygirl, Kidman no interpreta a la típica femme fatale de los años 90, sino a una mujer insatisfecha que ve una oportunidad y la aprovecha, como lo haría un hombre. Sin embargo, las consecuencias no son iguales para ambos géneros, y la película lo deja claro.

No es la película erótica habitual, pero sí es atrevida y, en momentos, explícita. Vale la pena verla.