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Interstellar, diez años después

El año pasado, 2024, los cinéfilos celebraron los diez años de estreno de Interstellar de Christopher Nolan. El reestreno de la película se produjo recién este año en Perú.

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Ha sido una sorpresa el recibimiento que ha tenido la película nuevamente en Perú.

Las cadenas de cines activaron tímidamente la preventa una semana antes del reestreno y tuvieron que ampliar más funciones por la alta demanda por los boletos.

Por lo menos el primer fin de semana se observaron salas llenas con un público de edades variadas. Desde los más jóvenes hasta la generación que la vio por primera vez en los cines.

Las cifras demuestran esta buena demanda. Más de 126 mil compraron un boleto para ver la película en los cines, por encima de los 79 mil que logró en su primer fin de semana de estreno.

interstellar

Este fenómeno ocurre pocas veces y nos lleva a concluir que Interstellar es una de las pocas películas que envejeció bien con el tiempo.

NO APRECIARON INTERSTELLAR

En su momento no tuvo la acogida esperada por diferentes factores. Por ese año Christopher Nolan ya tenía el estatus de director reconocido a nivel mundial. Había terminado la trilogía de Batman con El caballero de la noche asciende y se embarcaba en nueva aventura con Interstellar.

Había mucha expectativa por esta película. Varios críticos en Estados Unidos asumían que esta cinta podía competir por el Oscar y darle la primera estatuilla a Nolan.

El mismo Nolan le puso mucho corazón al proyecto. Incluso la promocionó en la comic con de San Diego de ese año, gesto que no tuvo con ninguna de sus películas de Batman.

Sin embargo el estreno de la película dividió a la crítica y también a los fans. No tuvo la performance esperada y logró salvar la taquilla gracias a Corea del Sur y China.

Al final esta cinta lograría cinco nominaciones al Oscar, todas en las categorías técnicas y solo ganó en la categoría de efectos visuales. La música de Hans Zimmer compitió a mejor banda sonora, pero perdió frente a la música de El grand Budapest de Alexandre Desplat. ¡Adivinen que soundtrack se escucha más en esta época!

Pasó una década e Interstellar recibe el reconocimiento que no recibió en su momento. En redes sociales, como Tik Tok, se comparten vídeos cortos de la película y comentarios con la música de Hans Zimmer de fondo.

QUÉ PASÓ EN UNA DÉCADA

Qué pasó para que la película se valorada en estas épocas. No hay muchos análisis al respecto. Podríamos especular con algunos factores. Quizás haya influido el contexto: cambio climático, avance en el sector aeroespacial, inteligencia artificial, temas que son parte de la conversación de los jóvenes. (Cuando escuchó calentamiento global se me viene a la cabeza esta película)

Vivimos tiempos, también, en que Tik Tok decreta y moviliza a sus seguidores. Interstellar es una película bastante apreciada en esta red social. Hay desde comentarios, reseñas, claves, secretos de la película y análisis de la película siempre musicalizados por la obra de Zimmer.

Es una película emocional, que en su momento se la tildó de cursi, principalmente por los diálogos sobre el amor de Brand, interpretada por Anne Hathaway. Interstellar habla, también, mucho de paternidad y la relación de los hijos. Las mejores frases del filme están relacionados a este tema.

Una factor menor podría ser que en Perú recién se disfruta la cinta en Imax. En su estreno no existía esta pantalla en Lima.

LA MARCA NOLAN

Christopher Nolan

Por otro lado Nolan es un director que convoca masas a los cines como lo hizo en su momento Steven Spielberg. Luego del inesperado taquillazo de Oppenheimer, hay una alta expectativa por su nuevo proyecto: La odisea de Homero.

A nivel personal, llevado por la curiosidad para ser testigo de este fenómeno, me gustó volver a verla en el cine. No es una cinta para streaming. Sigo pensando que no es una cinta fácil, pero sí bastante emotiva. Que deja una final para seguir discutiendo, como lo hizo con Inception o Memento.

Lo interesante también en esta oportunidad es que pocas veces los espectadores se quedan callados en una película. Estaban atentos casi las tres horas de duración. Además vuelven a asustarse en una de las escenas claves de Interstellar.

Bien por Nolan, quien no solo está logrando que sus obras se mantengan en el tiempo, sino que más gente vaya al cine, una de sus mayores obsesiones.

 

Hacks, temporada 3: crítica a la serie de Max

La tercera temporada de Hacks empieza divertida y termina salvaje. Deborah tiene una meta en esta temporada, pero una mala decisión termina arrinconándola y ganándose una inesperada nueva enemiga.

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En esta temporada esta diva pone la mira en el puesto de conductora de un programa nocturno de televisión. Sin embargo hay dos problemas por resolver: su edad y su condición de mujer.

Para ella, apoyada en un equipo integrado por escritores, asistentes y asesores, sale en campaña por el puesto en disputa. A su grupo de apoyo regresa Ava, la joven escritora con quien mantiene una relación tóxica.

En esa campaña por ese cargo mediático vemos a una Deborah más divertida, arrepentida de mantener malas relaciones familiares y de hacer algunos chistes fuera de lugar en su época de juventud.

Además de hacernos notar que no es lo mismo envejecer para un hombre que para una mujer. Tampoco es lo mismo cuando hay un escándalo por responder. En este caso las damas tienen que ocultarse por errores mínimos que la mayoría no olvida.

¿APRENDIÓ AVA?

En este camino también vemos una Ava más cuajada y curtida por los golpes dados por Deborah. Parece haber aprendido la lección y se planta firme frente a ella cuando ocurren los excesos. Pero ¿en verdad habrá aprendido de los errores? Porque la vemos muy confiada y cercana a Deborah.

Pero cuando llegamos a los tramos finales de la serie nos damos cuenta que todo parece un cascarón, una imagen construida para alcanzar sus objetivos. ¿Acaso todo vale para alcanzar fama y poder? La esencia de Deborah parece fluir a superficie y sacar del camino todo lo que se pone en frente.

NOS DEJA CON GANAS

La tercera temporada de esta comedia tiene momentos divertidos en los capítulos seis, siete y nueve, este el último episodio que no hace más que interesarte por lo que viene.

Por otro lado, hay mucha química entre las protagonistas Deborah y Ava. Hay  complicidad y reflexión mutua, aparentan una alianza sólida y una amistad a prueba de balas, pero cuando las heridas no sanan brotan con facilidad, vuelven a doler y manchar a todos.

El trabajo de Jean Smart, quien interpreta a Deborah, es estupendo. Me gusta cuando suaviza su voz para hacer sentir su poder y suelta la carcajada para conectar con el resto. Personifica un personaje engañoso. Nos hace creer que tenemos al frente a una abuelita cálida, incapaz de hacer daño, pero luego reparamos en que todo no es más que una máscara.

Podemos decir que la tercera temporada de Hacks viene divertida, por momentos reflexiva y algunas veces salvaje que hará pasar al espectador un buen momento.

Nosferatu: crítica a la película de Roger Eggers

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Roger Eggers, director conocido por películas como El hombre del norte, El faro y La bruja, entregó el remake de Nosferatu, cinta estrenada, por primera vez en 1922, aún disponible en Youtube.

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La versión del 2024 continua la misma historia del clásico mudo, rodado a blanco y negro. La diferencia se marca a nivel visual. Además que la propuesta de Eggers es más violenta y frenética, por varios momentos, de su película.

Los primeros cincos minutos son intensos y marcan el estilo que se desarrollará a lo largo de la película. Ese primer tramo de la cinta describe el tono de la relación entre la bella Ellen y el conde Orlok, el vampiro. Esa conexión no será romántica, sino más bien tóxica y destructiva.

Luego con ayuda de la fotografía de una Alemania de 1838 antigua y húmeda por las mañanas y casi oscura, iluminada solo con antorchas y velas, por las noches, se desarrolla el mito de un hombre refugiado en un castillo obsesionado por una joven doncella.

La música también, como ocurrió con el clásico de 1922, contribuye a sentir las emociones de los personajes, advirtiendo del peligro que se acerca sobre ellos.

Si bien en la cinta de 1922, se representa a un conde Orlok delgado, sin cabello y uñas largas, como una criatura extraña y repulsiva. En este Nosferatu se añade una voz que viene con ecos desde las profundidades y más grande que su personificación de hace décadas.

Por varios tramos de esta película Orlok esconde detrás de la oscuridad y solo se le escucha su voz. Cuando aparece frente a las luces, entonces vemos un ser más repugnante que extraño.

La cinta de Eggers no limita a su villano y lo coloca como es: feroz, violento y sediento de sangre. En ese sentido el director lo deja consumir sin problemas los jugos rojos que llevan las venas de los personajes.

La caracterización del antagónico de alguna manera rompe con la sobriedad y solemnidad del relato. Más parece mágico que oscuro y eso, también, es parte del sello de Eggers.

Una escena similar se vio en El hombre del norte, donde las valquirias irrumpían en una historia de poder y venganza. El Orlok de Egger parece igual a las valquirias: mitológico y fantástico.

BUENAS IMÁGENES EN NOSFERATU

Esta nueva versión de Nosferatu ofrece buenas imágenes, además se siente ajena al género de terror y más cercana al psicológico.

Por momentos parece asemejarse al Exorcista, gracias al buen trabajo de la actriz, Lily-Rose Depp, quien interpreta a Elle. Lo que hace con sus ojos, lengua y cuerpo es tremendo. Esta interpretación está llena de locura y angustia.

Pero la cinta lejos de dar miedo parece más la exposición visual de una historia. Tiene muy buenas tomas y va en coherencia con el estilo del director, acostumbrado a narrar este tipo de relatos.

Wallace y Gromit: La venganza se sirve con plumas, crítica a la película de Netflix

Han tenido que pasar veinte años para ver una secuela de Wallace y Gromit, aunque en esta oportunidad en streaming.

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Siguiendo bajo la técnica del stop motion, estos dos personajes se embarcan en una nueva aventura.

Wallace, un inventor prolijo, crea un pequeño robot para ayudar en las tareas domésticas de la casa. En un inicio parece una creación útil para la casa, aunque Gromit, un perrito leal a su dueño y encargado de administrar el hogar, lo ve como una amenaza. Pues el instinto no le falla.

Sin embargo este inocente invento se convertirá luego en un dolor de cabeza para los dos cuando un pingüino ladrón lo utilice para robar un diamante azul.

LA IA EN WALLACE Y GROMIT

La historia es un reflejo de los tiempos actuales en que la inteligencia artificial acapara los debates sobre su utilidad y amenaza.

En esta cinta animada los creadores optaron por los efectos perversos de esta tecnología que llega a los humanos entre un halo de servicio y buena disposición, cuando en manos incorrectas puede ser utilizada para hacer el mal.

De alguna manera Wallace y Gromit no se quiere quedar fuera de este debate y claramente precisa este mensaje. Aunque lo toca de una manera más divertida y digerible para las audiencias.

No obstante lo interesante de la película es cómo maneja la historia donde cada elemento mostrado en la pantalla tiene un rol y suma para construir giros sorpresivos, principalmente, hacia el final de la película.

Como sucedió en la primera película, Gromit lleva la voz cantante en esta nueva historia teniendo más sentido común que su amo inventor quien, pese a mostrar destreza para construir las máquinas, muestra mucha inocencia para oler el mundo.

Lo bueno es que veremos una secuela más. Ojalá esta no tarde otros 20 años en llegar y si es así, ¿lo seguiremos viendo en los cines o habrá nacido otro invento que remueve el séptimo arte?

P.D. La primera película está disponible en Max.

Queer: Crítica a la película de Daniel Craig

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Luego de protagonizar cinco películas de James Bond, el actor Daniel Craig dio un giro de 180 grados e interpretó a un inmigrante gay en México, en la nueva película de Luca Guadagnino, Queer.

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La cinta sorprendió a muchos porque no es precisamente un personaje que vaya en la línea del rudo James Bond, sino todo lo contrario. Craig interpreta a un inmigrante dependiente del alcohol y las drogas que busca amores masculinos pasajeros en hoteles de México.

En ese sentido el actor se atreve literalmente a desnudar el personaje en intensas escenas no apta para todos.

Personalmente no es una sorpresa que Daniel Craig presente versatilidad en su trayectoria actoral. Además de protagonizar la franquicia de James Bond, interpretó papeles interesantes en La chica del dragón Tatuado, La estafa de los Logan y Entre navajas y secretos. 

Solo que en Queer está más atrevido. Además se le ve varonil, rudo y por momentos decadente.

Su personaje va en busca de la autodestrucción, pero también de la salvación cuando cree encontrar una oportunidad para encaminar su vida.

DOS PELÍCULAS EN UNA

De esta manera podemos dividir la película de Guadagnino. Una en que el protagonista se entrega a un amor salvaje y convenido, y otra en donde hay más fantasía y alucinaciones.

Cuando inicia la relación de William (Daniel Craig) y Eugene hay una explosión de deseo y distancia entre ambos personajes. La lujuria brota sin censura cuando ambas pieles se acercan, pero cuando se separan hay frialdad.

Sin embargo, al llegar a la otra mitad, donde los dos personajes viajan por Sudamérica en busca de ayahuasca, se cuenta otra película.

En ese sentido siguiendo los efectos de esta sustancia alucinógena, la narración se plantea de otra manera, y rompe con la propuesta inicial. Aquí se profundiza el alma de ambos y se deja de lado el erotismo y complicidad del inicio.

Aquí también hay complicidad en la intimidad, pero fuera de ella, se mantiene la distancia.

Puede o no gustar al espectador que probablemente haya llegado al cine con otra expectativa, pero de alguna manera el director arriesga para contar de una manera diferente este romance LGTBI.

Quizás recurre a esta herramienta para ayudar a conocer mejor esta relación prohibida por esos años. Aunque el final va en la misma línea del resto de película de este género.

CRAIG SOBRESALE

No obstante, la interpretación de Craig sobresale. No solo por las escenas atrevidas que protagoniza, sino también por las emociones que transmite con sus ojos rojos y piel maltratada por el uso de las drogas, como también por su andar inestable por el alcohol.

Mención aparte merece su compañero de reparto Drew Starkey quien interpreta a su pareja en la película, Eugene, y construye con su rostro y sonidos una dulzura erótica.

Queer es quizás la película más atrevida del director de Llámame por tu nombre y narrativamente más arriesgada, que no termina de cuajar bien. ¿Qué sería de esta película sin la buena interpretación de Daniel Craig ?

El juego del calamar, temporada 2: Crítica a la serie de Netflix

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La segunda temporada de El Juego del Calamar no se centra únicamente en los juegos, sino que amplía su historia para explorar lo que hacen los enmascarados y uniformados de rosa mientras los jugadores descansan.

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En esta entrega, también se presentan situaciones que llevan al límite la moral de los personajes. Sin embargo, en los capítulos finales destacan escenas que parecen reflejar la polarización que atraviesan algunas sociedades actuales.

La serie plantea un enfoque diferente respecto a la primera temporada. Aunque hay nuevos juegos, la trama no se limita a ellos, sino que profundiza en cuestiones que probablemente quedaron sin respuesta en la temporada anterior.

SOLO CONTRA EL SISTEMA

Seong Gi-hun, ganador del primer juego, regresa con la intención de advertir a los nuevos jugadores y detener esta violenta competencia.

Enfrenta retos similares a los de la primera temporada, pero si pensaba que volver en el tiempo le permitiría corregir viejos errores, está equivocado: el ser humano parece estar atrapado en un círculo eterno de vicios.

La moral de los participantes sigue condicionada por sus deudas, una motivación que supera incluso el instinto de supervivencia. Esta premisa se refuerza con la esperanza que surge en cada ronda superada.

«Sí, se puede», parecen decirse internamente para animar a sus almas codiciosas, aunque esa esperanza no sea más que un espejismo. Como ocurre con las loterías, es solo un sentimiento ilusorio que los impulsa a seguir arriesgándolo todo, incluso la vida.

Entonces llega la decepción para el protagonista cuando repara que se vuelven a vivir las mismas equivocaciones.

POR SUS VOTOS, LOS CONOCERÁS

A diferencia de la primera temporada, ahora los jugadores tienen la posibilidad de votar, quedarse con el dinero acumulado e irse. Sin embargo, cada sufragio revela más sobre los participantes, haciendo visible su ambición y codicia.

El dinero parece más fuerte que su supervivencia y con la excusa de pagar deudas es que no apagan los juegos.

Este elemento narrativo introduce la política en El Juego del Calamar, aludiendo a los conflictos sociales en sociedades polarizadas, donde el diálogo se vuelve imposible. En un punto crítico de la temporada, se forman dos bandos radicales, dispuestos a enfrentarse hasta la muerte.

Mientras tanto, los organizadores disfrutan del espectáculo sangriento, enfrentándose a su vez al protagonista, un iluso que cree poder derribar este sistema violento. Su esperanza, frágil como barro, se quiebra bajo el peso de las balas.

JUEGOS Y REFLEXIONES

Los juegos de esta temporada conservan la tensión de la primera, pero en esta ocasión parecen más accesorios, ya que el creador pone el foco en los conflictos subyacentes.

Además, la serie deja la puerta abierta y habrá que esperar hasta 2025 para ver la tercera temporada.

Otro aspecto interesante de esta entrega es la vida cotidiana de los uniformados de rosa. A través de ellos, se muestra cómo funcionan los juegos y qué sucede con los cuerpos de los jugadores eliminados.

Aunque el creador no profundiza demasiado en sus historias, se revela que no son simples máquinas de matar; al igual que los participantes, tienen nombre, apellidos y motivaciones propias.

Esta segunda temporada es tan entretenida como la primera, con escenas igual de violentas y personajes igualmente inmorales. Sin embargo, busca ir más allá, construyendo un trasfondo que invita a reflexionar sobre los tiempos que vivimos.

Lo mejor en series y películas del 2024

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Un año que se va y que deja historias de películas y series para compartir. Aquí te dejamos un listado de las mejores series y películas del 2024 estrenadas este año, sin ningún orden en particular.

*Algunas cintas se estrenaron el 2023, pero llegaron a cines o plataformas el 2024.

MEJORES PELÍCULAS

LAS MEJORES SERIES

María: Crítica a la película de Angelina Jolie

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El director chileno, Pablo Larraín, contó la historia de los últimos días de la cantante de ópera María Callas en su película titulada «María». Para ello contó con la actriz, Angelina Jolie, para interpretar a la diva en la pantalla grande.

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El filme cuenta este relato desde la intimidad de la cantante. Vemos al personaje moviéndose en su habitación con sus leales mayordomo y ama de llaves, el último soporte emocional de la cantante.

En ese vaivén María se tortura constantemente porque cree que perdió el talento de cautivar a su público.

Su voz parece la misma para la audiencia, pero ella quiere recuperar esos esos días de brillo en que los escenarios temblaban con sus presentaciones. Sin embargo, parece que esos tiempos ya son historia para la Callas.

Cuando María sale de la habitación ese vaivén de emociones parece terminar y encuentra una especie de tranquilidad a su alma. En las calles se le vienen sus mejores recuerdos de sus conciertos y de sus amores.

Lo interesante es que los halagos vienen de gente sencilla quienes dentro de su escaso conocimiento de ópera encuentra en la voz de María un don extraordinario e imborrable de sus memorias.

Por lo general las películas de Larraín son ásperas, un poco frías, pero en esta película, principalmente, en la primera parte, se nota más cálida y esto gracias a la buena interacción de la protagonista con sus leales empleados.

Al dejar la habitación hay una propuesta diferente para explorar a la cantante y en esta se intenta indagar de una manera particular sobre la trayectoria de la diva.

El trabajo de Angelina Jolie es bueno. Transmite mucha delicadeza en su mirada y gestos. Su voz parece pausada y baja, pero está llena de autoridad. Hay mucha elegancia en sus diálogos con el resto de personaje y por momentos la tristeza aparece espontáneamente para indicarnos el dolor que vive la diva.

A ello hay que subrayar la buena fotografía que ayuda a contar esta historia con mucha calidez esta nueva historia. Hay una luz natural que combina con los colores suaves de los escenarios.

No es el biopic convencional al que nos tiene acostumbrado Hollywood, sino un ejercicio personal de Larraín para explorar en el alma de la diva más grande engendrada por la ópera mundial.

Mufasa: crítica al spin off del Rey León

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Las películas de Hollywood que funcionan se estiran como el chicle hasta sacarle todo el sabor posible. El 2019 se estrenó la versión live action del Rey León y cinco años después se proyectó una película basada en uno de sus personajes, Mufasa. Y adivinen qué vendrá luego. Pues si llegaron al final de esta cinta, probablemente otra película del universo del Rey León.

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Si es necesario o no aprovechar el éxito de ciertos títulos, pues es una discusión estéril, porque Hollywood ya decidió que sí es necesario. Si gustan o no, es otro asunto.

Mufasa no es una mala película. Incluso se parece a El Rey León.

Pues resulta que el papá de Simba también tuvo un origen traumático: perdió a sus papás y en solitario tendrá que demostrar sus capacidades para reinar en la selva.

De esta manera enfrentará una serie de obstáculos cuyo final busca decretar si está preparado o no para el cargo asignado por la naturaleza.

En este relato habrá útiles aliados, personajes divertidos y música…sí, muchas canciones. Es como si hubieran puesto el molde del Rey León y colocado encima materia para sacar una copia similar.

El viaje del héroe es conocido. Todo está hecho para elevar a los altares al nuevo monarca que difícilmente escapa o pierde algún desafío.

LA LLEGADA DEL VILLANO

Lo más interesante de la película, a mi juicio, es la construcción del villano, es decir, Scar.

Los villanos, me fascinan, debo reconocerlo, y en este caso me gustó la transformación de este personaje: de hermano y amigo, a cobarde antagónico de esta clásica historia. Incluso hacia el final se ven los gestos del Scar animado de 1994.

Su cambio no es tan complejo. No se explican razones de su cobardía. Pero está dentro de lo que película plantea: una historia correcta, sencilla y sin riesgos. Es decir que el ascenso de este villano se escapa de la fórmula.

Por otro lado, ha sido criticada la animación de los personajes, sin embargo, en esta propuesta, a diferencia del Rey León del 2019, los rostros de los leones y otros animales de la selva son más expresivos. Sus gestos ayudan a entender mejor sus emociones.

En conclusión, si el resto de películas producidas alrededor del Rey León van a ser como Mufasa, lo más probable es que esta franquicia termine agotando al público en desmedro del buen clásico de los ’90.

 

Equipaje de mano: crítica a la película de Taron Egerton

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Hay películas en que los terroristas escogen un personaje para presionarlo e integrarlo en su juego de terror. Más o menos así funciona Equipaje de mano, el nuevo estreno de Netflix, protagonizado por Taron Egerton.

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Un joven agente de la Administración de Seguridad en el Transporte  en un aeropuerto es chantajeado para dejar pasar un sospechoso equipaje a un avión de pasajeros.

Aparentemente el terrorista tiene todo a su favor, sin embargo, este muchacho es inteligente, rápido y con iniciativa.

Entonces el problema para estos planes malvados no es que la maleta llegue a la nave, sino superar a este agente.

CONSTRUCCIÓN DEL PERSONAJE

Lo interesante es cómo la película construye el personaje central interpretado por Taron Egerton. Primero notamos cuáles son sus motivaciones y lealtades. Él ama a su esposa y van a tener un hijo.

Luego está frustrado por no ingresar a la policía y eso lo llevó a mantener un línea recta, sin ascensos, en este trabajo. Sin embargo cuando su pareja le pide no rendirse y crecer laboralmente, toma nota y va a la acción.

No obstante reconoce que tiene buenas habilidades. Por ejemplo, es bueno para identificar fraudes. Su problema es que lo sabe, pero no lo admite de la boca hacia afuera.

Sin embargo, presionado por este terrorista es que saca a relucir todas sus habilidades. Es allí donde la película es buena ya que cada detalle del personaje expuesto al inicio se hace realidad en cada escena. No se deja ni un elemento al aire. Incluso hacia el final, en el momento del clímax, conocemos más sobre las razones de su lealtad hacia las personas que más quiere.

Pero si bien la buena construcción de este personaje es una de las fortalezas de la película, esto hace que se olviden del resto de roles quienes quedan como accesorios, o elementos secundarios en este plan maquiavélico.

Por ejemplo, no conocemos mucho del villano a nivel emocional o psicológico, salvo unos rasgos, que desarrollados a profundidad hubieran quedado bien cuando se enfrenta cara a cara con el protagonista de la película.

Nadie es antagónico por la simple diversión de hacer mal, siempre hay una motivación detrás, sin embargo, aquí solo importa alimentar con información para conocer mejor al protagonista de la película.

No obstante la cinta es interesante y entretenida. La acción llega a su punto máximo hacia el final (aunque el epílogo parece un poco inverosímil). Hay momentos en que Equipaje de mano te deja atento y sin respirar.

Me pareció interesante ese trasfondo de la Navidad, que me hizo recordar a Duro de matar de Bruce Willis, estrenada en 1989. Seguramente muchos dirán que hay muchas diferencias entre ambos productos, pero quizás Equipaje de mano ayude a poner en vigencia ese clásico de acción de los 80.