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Muerte en invierno: Una película de acción de mujeres

Muerte en Invierno es una película de acción de mujeres. En esta interesante cinta, la historia se concentra en ellas y deja que la presencia masculina sea anecdótica.

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Tenemos que Barb (Emma Thompson) aparece conduciendo una camioneta en medio de paisajes cubiertos por nieve para llegar a un lago congelado. Sus recuerdos van indicando que ese sitio está vinculado a un entrañable amor. Sin embargo, este viaje se interrumpe cuando observa que en una cabaña hay una muchacha retenida por una pareja.

Entonces, el viaje cambia de objetivo y la mujer decide rescatar a la joven secuestrada. No será una tarea sencilla, ya que la secuestradora será un hueso duro de roer, pues su violencia tiene una fuerte motivación. Barb tampoco será fácil de enfrentar, debido a que demuestra habilidades de supervivencia útiles para este momento.

En ese sentido, se activa un enfrentamiento frontal entre ambas, movido más por sus objetivos que por un ánimo de sobrevivencia o fuga.

Las motivaciones de ambos personajes se van intuyendo, aunque en el caso de la protagonista se construye una historia más emocional paralela que conecta con la visita a ese lago y el interés por salvar a la muchacha. Esta línea balancea la acción imprimida en el filme.

Mientras que, en el caso de la villana, hay pistas —pocas— que al final develan su motor y motivo para enfrentarse sin miedo a quienes considera una amenaza para ella.

Diferencias en Muerte en Invierno

Muerte en Invierno sigue las pautas de este género de acción y no lo hace mal. A diferencia de un filme liderado por hombres, en este la espectacularidad está excluida de una sucesión de eventos en los que se toman decisiones para salir a salvo de ese paraje congelado. Aquí no hay choques físicos con coreografías rápidas e increíbles, sino un juego inteligente en el que la apuesta consiste en ser mejor cada vez que ambas se enfrentan.

Como actrices, el trabajo es bueno. Tanto Emma Thompson (Cruella) como Judy Greer, la mujer púrpura, aportan ese lado emocional que a veces falta en las cintas de acción convencionales.

Aunque no deja de llamarme la atención que Thompson, una actriz reconocida por sus trabajos dramáticos, se pase a este lado, como lo ha hecho, por ejemplo, Liam Neeson, quien en el otoño de su vida ha dedicado su carrera a la acción.

Por lo general, Muerte en Invierno entretiene, mantiene atento al espectador y no defrauda en lo que el género ofrece.

Bridgerton, temporada 4: ¿Por qué gusta esta serie?

Disponible en Netflix.

La telenovela Bridgerton llegó a su cuarta temporada en Netflix. Dividida en dos partes, la última se estrenó a fines de febrero con el desenlace del romance del joven Benedict.

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No creo que Bridgerton apunte a convertirse en una serie que plantee un desafío intelectual o un debate sobre el amor. Simplemente quiere entretener con escenarios improbables para esas épocas, pero divertidos en la ficción.

Entonces, quienes disfrutan de bailes de salón victorianos, vestidos exuberantemente decorados y música de violín haciendo cover de temas contemporáneos estarán más que bien servidos por estas temporadas.

La Cenicienta, según Bridgerton

Qué duda cabe de que la cuarta temporada es una nueva versión de La Cenicienta, en la que el joven noble y disoluto se enamora de una sirvienta de origen noble. Hay conexión entre ellos y, aunque no hay un zapato mágico, sí hay un guante que hilará esta historia de amor.

Aunque en teoría la historia plantea un desafío narrativo, la inocencia con que se desarrolla Bridgerton permite construir un final feliz bastante predecible.

Por otro lado, cabe subrayar que la develación de la identidad de Lady Whistledown en la tercera temporada deja un vacío para la cuarta. Si bien este personaje aún está presente, se percibe forzado y pierde ese halo de misterio característico de la serie de Netflix en las primeras tres temporadas.

El juego de Bridgerton

Del mismo modo, aunque parezca imposible mezclar clases sociales en una época marcada por jerarquías rígidas, en el mundo de Bridgerton todo es posible. Al final, se forzarán las ideas para llegar al epílogo esperado.

¿Pero su predictibilidad la convierte en una mala serie? Diría que no. Esta producción solo busca entretener y jugar un poco con escenarios ficticios. No intenta complicarse, sino estirar sus propias posibilidades. Tiene su público y lo conoce bien.

De esta manera, se desmarca del juego de poder social de La edad dorada de HBO Max y se asemeja más a las últimas temporadas de Downton Abbey.

La gente quiere más y espera con ansias el anuncio de la quinta temporada, junto con el nombre del personaje que se casará en los próximos ocho episodios de la serie.

Nuremberg y los juicios contra los nazis

Nuremberg es un drama histórico inspirado en los juicios de Núremberg, desarrollados luego de la derrota de Alemania en la Segunda Guerra Mundial y en la posterior captura de líderes nazis.

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Está protagonizada por Russell Crowe, quien interpreta a Hermann Göring, una de las figuras más populares del Partido Nazi. También aparece en el elenco Rami Malek, actuando como Douglas Kelley, un psiquiatra norteamericano que mantendrá una relación médico-paciente con Göring.

La película pone a disposición sus personajes para contar detalles de este evento histórico. Por eso fluyen datos importantes sobre el desarrollo de estos juicios: la captura de los nazis, las conversaciones con el Vaticano, la instalación de los tribunales, etc.

Pero se centra en el vínculo entre el oficial nazi y su psiquiatra, primero para exponer la estrategia norteamericana a fin de conocer mejor al acusado y, en algún momento, quebrarlo emocionalmente. Luego se juega con una supuesta amistad, elemento importante para explicar el giro final de la película.

A la par se desarrolla el personaje del fiscal Robert H. Jackson, interpretado por Michael Shannon, quien tendrá la difícil tarea de acusar a los nazis capturados. En él recae la responsabilidad de sacar adelante estos juicios y también las dudas sobre su capacidad para arrinconar a los denunciados, principalmente a Göring, a quien se le atribuye astucia y frialdad.

Qué rol tiene Nuremberg

Nuremberg funciona más como material para interesar al espectador en profundizar sobre este importante episodio de la historia mundial. No es, en cambio, una tribuna para ver en escena buenos diálogos e interpretaciones.

Cae en estereotipos hollywoodenses, por ejemplo, en la relación médico-paciente, recurriendo a elementos como la seducción, la amistad, la admiración hacia el antagonista y una redención que termina en un acto de sacrificio en el clímax de la película. Esto construye un planteamiento evidente y convencional.

Se propone tensión, pero apelando a personajes que corren y gritan o a las habituales imágenes que se centran en los rostros compungidos o adustos.

Es un drama correcto, convencional, de poco riesgo y cuyo mérito es poner en debate este capítulo histórico, en tiempos en que se intenta reescribir la historia e imponer otros puntos de vista a las jóvenes generaciones.

El caballero de los siete reinos: Una aventura que promete

Disponible en HBO Max

El universo de Juego de Tronos continúa en expansión. El caballero de los siete reinos es una adaptación del cuento de George R. R. Martin, Cuentos de Dunk y Egg, más centrada en las aventuras de estos personajes que en las conspiraciones políticas, como ocurre en Juego de Tronos o La Casa del Dragón.

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Duncan, o Dunk, llega a un torneo de caballeros para ser reconocido como tal. Sin embargo, este proceso no será fácil, ya que tendrá que presentar testigos que acrediten ese título. En ese camino se topará con otra realidad: el mundo idílico y romántico que imaginó no existe; en cambio, se enfrenta a un escenario más brutal e incluso político.

En ese contexto conocerá a un niño llamado Egg, quien, pese a su corta edad, ve en él una oportunidad para cambiar el rumbo de su vida. Este personaje protagoniza uno de los mejores giros de la serie.

Si bien El caballero de los siete reinos pretende convertirse en un relato de aventuras, hay un buen desarrollo de los personajes. Algunos capítulos están dedicados a profundizar en Duncan y Egg. En ellos podemos comprender mejor sus motivaciones y objetivos.

Si hablamos en términos culinarios, El caballero de los siete reinos se adereza con una dosis de política, de donde surgen los villanos. No se trata exactamente de planes para conquistar el poder, sino de personalidades pertenecientes a la élite gobernante que irrumpen en estas aventuras para abusar de su posición.

Una batalla decisiva en El caballero de los siete reinos

El espectáculo está bien logrado. El capítulo cinco (la serie solo tiene seis) ofrece una pelea de caballeros notable. Como era previsible, la violencia y la neblina protagonizan este episodio, pero el capítulo no solo sirve para mostrar las cualidades de combate del protagonista, sino también su escasa inclinación a rendirse.

¿Quién es ese niño?

Todo ello está acompañado de buenas interpretaciones. Principalmente me refiero a la de Dexter Sol Ansell, quien interpreta a Egg. Ofrece una actuación que mezcla la ternura y la inocencia de un niño con una seguridad que intimida a cualquier adulto.

Hay dos escenas que evidencian su buen trabajo: una en la que sostiene la mirada ante su tío, rebelándose contra sus indicaciones; y otra en la que intenta tomar justicia con sus propias manos. En esta última, sus ojos revelan la ira y el odio que siente hacia su contrincante.

Una pequeña dosis de humor

No podemos dejar de mencionar que El caballero de los siete reinos incorpora un humor negro que a veces aparece en momentos de mayor tensión. No busca ser solemne ni sobria, sino aliviar la carga dramática en pequeñas dosis para dinamizar la historia.

El caballero de los siete reinos es efectiva. Me hizo recordar a las primeras temporadas de Juego de Tronos (la historia se desarrolla 90 años antes), en las que se priorizaban la historia y la actuación antes que el espectáculo. No obstante, sus capítulos no son largos: duran apenas 30 minutos, lo justo y necesario para volver a sumergirnos en ese universo.

Cumbres Borrascosas: ¿Vale la pena ver esta película?

Si vas a comprar una entrada para ver Cumbres Borrascosas porque leíste el libro, te diré que hay poco del texto en esta película. Pero, si no leíste la obra de Emily Brontë y vas a ver de qué trata este filme con Margot Robbie, te señalaré que, como cinta, sin compararla con el libro, no funciona.

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La propuesta de Emerald Fennell (Una joven prometedora y Saltburn) está más enfocada en componer una estética visual pomposa y solemne que en profundizar en la historia y los personajes. En consecuencia, como la escena de los vestidos de Margot Robbie, termina asemejándose a un video clip.

¿Cuál es mejor el libro o la película?

En ese sentido, la directora plantea una narrativa alejada del libro: adapta la primera parte, excluye personajes y toma la idea central, pero prevalece más la visión de Fennell sobre Cumbres Borrascosas.

Por eso, si hay expectativas de ver el texto en este filme, probablemente terminen decepcionados. La directora concibe este libro como más erótico y menos arisco de lo que yo lo imaginé tras leerlo.

Cumbres Borrascosas como película

Sin embargo, si sacamos del análisis la comparación con la obra, la cinta tampoco convence. Es la típica película más preocupada por componer imágenes que por ayudar a conectar a los personajes con la audiencia.

El ritmo imprimido a la película, centrado en lo visual, no permite que los personajes dialoguen ni que la audiencia se conecte con ellos.

Quizá por eso Jacob Elordi se muestra ajeno a este romance, sobre todo en la primera hora, y poco conectado con una Margot Robbie desaforada, al estilo Escuadrón Suicida y Babilonia.

Tensión sexual que se rompe mal

Por otro lado, hay un interés por construir una tensión sexual a través de imágenes sugeridas, como la primera toma de un ahorcamiento, la escena de los huevos, el caracol, la paja, etc. Esta se rompe cuando los personajes deciden entregarse mutuamente de una manera convencional, sutil y poco arriesgada.

Más interés generan los secundarios, principalmente Hong Chau, quien interpreta a una villana más contenida, gestual y efectiva en sus maldades. Ella hace más con su mirada que con gritos. Su presencia advierte peligro y probablemente esté mejor dirigida que el resto del elenco. Pero al final hay una redención forzada y no queda claro el motivo de sus conspiraciones.

Creo que Cumbres Borrascosas demuestra que la belleza externa en el cine no funciona si no hay alma, motivación ni actuación. Las imágenes bonitas no son suficientes para construir una gran historia, de lo contrario estrenas un producto vacío.

Blue Moon: Crítica a la película de Ethan Hawke

Blue Moon, novena colaboración del actor Ethan Hawke con el director Richard Linklater, retrata los últimos años del compositor norteamericano Lorenz Hart.

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La historia se desarrolla dentro de un bar bajo una de las características principales del estilo de Linklater: diálogos punzantes, inteligentes y sarcásticos.

Al inicio, el protagonista muestra su talento al interactuar con un pianista. Gracias a esta escena, el espectador conoce la importancia del personaje en la música.

Conforme avanza la película, aparecen sus frustraciones, temores y también su ego. Además, solo deja la silla de la barra para acercarse a dos figuras importantes: su socio y su musa inspiradora.

Hacia la musa dirige su cariño y quizá un ruego por su atención. La juventud de la muchacha y su inteligencia constituyen, para el compositor, un motivo para esperar aunque sea una sonrisa. Con ella está completamente vulnerable.

Con el socio, en cambio, la relación es distinta. Aquí predominan la fricción y el reproche. El diálogo entre ambos es franco y permite conocer mejor al protagonista, ya que su ego aparece para imponerse.

Así, todo se desarrolla dentro del bar, donde se confunden la música, el pensamiento, el amor y las decepciones del personaje central. Ninguno de estos sentimientos parece salir de ese espacio y, solo cuando el protagonista lo abandona, el destino dicta su final.

El estilo Linklater

Linklater construye la historia a su estilo y, para ello, cuenta con un buen intérprete: Ethan Hawke, quien parece divertirse cuando lo halagan y decepcionarse cuando lo encaran. También sobresale Andrew Scott, cuya presencia confronta al protagonista y deja ver un lado oculto detrás del carisma y la genialidad musical.

Aunque el escenario es pequeño, el director organiza en los elementos para mostrar los altos y bajos de una figura importante de la música americana, marcada por una debilidad común a muchos grandes personajes: su poca habilidad para componer una buena historia en la intimidad.

La hermanastra fea, una versión terrorífica de la Cenicienta

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La hermanastra fea toma el cuento de la Cenicienta para contarlo desde el punto de vista de una de las hermanastras. De esta manera, el relato se torna siniestro y desagradable.

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La hermanastra aparece en escena como una inofensiva jovencita que busca acercarse a la no tan inocente Cenicienta. Pero, cuando aparece el príncipe azul reclamando a la mujer más bella del reino para contraer matrimonio, la motivación amistosa se transforma en una feroz lucha por ese premio.

En ese sentido, esta muchacha hace hasta lo imposible para convertirse en una opción hermosa para el joven monarca. Se somete a dolorosos —tanto para ella como para nosotros— tratamientos de belleza y a dietas grotescas.

Llega un momento en que en verdad está hermosa, pero para ella no es suficiente.

Esta oscura versión del cuento de hadas se distancia de las propuestas de Disney y apuesta por ideas más sombrías y terroríficas, en las que la búsqueda de la belleza parece todo menos un noble objetivo. Por cierto, una idea bastante abordada, principalmente en cintas independientes.

El horror en La hermanastra fea

La hermanastra fea no intenta justificar las acciones del personaje, como en Wicked, sino que retrata la obsesión convertida en crueldad, ejercida no solo hacia su entorno, sino también hacia ella misma.

Resulta interesante ver que tanto la Cenicienta como el príncipe azul van en sintonía con el tono de la película, ya que no son seres de luz, sino personajes interesados e incluso lujuriosos.

No obstante, hay que advertir que La hermanastra fea no es una película para el público masivo, sino para una audiencia que disfruta del terror puro y duro, debido a que hay escenas en las que es mejor cerrar los ojos o apartar la mirada por la crudeza de sus imágenes. Aunque, dentro de su estética, ofrecen una armonía mezclada con gore.

Esta cinta sale del molde del cuento clásico y ofrece un punto de vista coherente de una de las antagonistas de estos relatos infantiles.

La hermanastra fea está disponible en Mubi.

Sirat y la dolorosa búsqueda por un desierto

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Sirat puede ser sorpresivamente trágica. La película española dirigida por Oliver Laxe inicia de forma divertida en un lugar alejado, con música electrónica, baile y droga. Pero a ese gozo irrumpe el dolor de un padre por la desaparición de su hija.

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Un grupo de jóvenes se ofrece a ayudarlo o encaminarlo hacia su objetivo por paisajes agrestes de tierra y piedras, atravesados por trochas desafiantes para los vehículos.

La caravana, compuesta por personajes de vestimentas tan extrañas como prácticas, cobija a este desesperado padre y a su otro hijo, incómodos entre este grupo de viajeros.

En ese momento, la propuesta de Sirat pareciera apuntar a una clásica road movie en la que los personajes se vinculan a través de sus diferencias: la pasan bien, se pelean, se perdonan, crecen y alcanzan un happy ending. Sin embargo, sucede lo contrario.

Sirat no será amable con los personajes

A mitad de película, Sirat toma una decisión que lo cambia todo. Ya no es una eterna fiesta electrónica divertida o disipadora, ni un viaje placentero de autoconocimiento, sino un reto de vida o muerte.

Este giro marca un punto de inflexión y aclara que la película no será amable con los personajes. A partir de ese detalle, el desierto devela que no será un aliado en esta cruzada, sino un antagonista difícil de domar y hasta cruel.

En ese sentido, el drama solo tiene unos minutos para exigir la concentración de los participantes ya que no se trata de buscar a alguien, sino de salir vivos. El desierto extingue la esperanza y a cambio ofrece desánimo y crueldad.

En este caso, el sonido juega un papel fundamental, ya que ayuda a sentenciar con frialdad a las figuras de Sirat. También puede contribuir a entender una agonía o la aniquilación de una vida.

El trasfondo de esta película puede interpretarse de diferentes maneras: desde una propuesta sobre la desesperada búsqueda de un ser querido desaparecido hasta una historia dolorosa de migración. Pero lo que no es Sirat es una cinta tibia, sino todo lo contrario: poética, desgarradora y por momentos cruel.

Hamnet: ¿El origen de Hamlet?

Hamnet, un melodrama clásico que propone descubrir el detrás de cámaras o la inspiración del clásico Hamlet de William Shakespeare. Aunque se desarrolla más el retrato íntimo de Agnes, la madre de Hamnet.

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Así como Shakespeare enamorado, película de 1998, intentó explicar el origen de Romeo y Julieta en el amor imposible del escritor con una joven de clase alta destinada a otro hombre, esta cinta de Chloé Zhao hace lo mismo con Hamlet.

Aunque el amor no es el insumo de este clásico, ni Shakespeare es el protagonista, sino la muerte de uno de sus hijos durante la peste negra.

Mientras el texto habla de venganza y amor filial, Hamnet propone una revisión del trasfondo del clásico shakespeariano, una relectura que podría resultar interesante a partir del visionado de esta película.

¿Hamnet o Agnes?

El fallecimiento del vástago del escritor británico funciona como la idea de fondo de la obra; sin embargo, la película se centra más en Agnes, la esposa de Shakespeare, una mujer mística, de profunda conexión con la naturaleza.

La cámara se enfoca en sus reacciones y la historia profundiza en su alma. Somos testigos de sus alegrías y dolores, mientras el niño y el padre pasan a segundo plano, a esa narrativa secundaria preparada para conocer mejor a la protagonista de esta historia.

En ese sentido, la figura paterna parece ajena a la dinámica familiar, enfocada más en su carrera de escritor y en traer dinero al hogar. Del niño conocemos poco, salvo que tiene una estrecha relación con su melliza, por quien está dispuesto a dar su vida.

Es cierto que se quiere vincular esta historia como inspiración de Hamlet, pero la cinta de Chloé Zhao está centrada en Agnes. Importa más su dolor que el del padre, hasta que este demuestra, en su obra representada en el teatro, que también sufrió y amó a su hijo.

Quizás la película debió llamarse Agnes y no Hamnet.

Puntos a favor en Hamnet

No obstante, la película está bien ejecutada: planos abiertos al estilo Zhao, fotografía impecable y una austeridad en los escenarios que excluye decorados excesivos, dejando que la belleza de los paisajes cuente esta historia de época.

No podemos negar que la interpretación de Jessie Buckley es buena. Proyecta ese halo de misterio sobre su personaje, contiene sus sentimientos y deja escapar los necesarios cuando el dolor arrecia, para finalmente soltar esa rabia contenida gracias al arte construido por su esposo.

Pequeña buena interpretación

Pero me llamó la atención la actuación del pequeño Jacobi Hupe como Hamnet. Solo fueron minutos en los que demostró la dosis necesaria de drama para describir el buen corazón de su personaje. Gracias a esta interpretación, esa escena —la toma en la que la peste negra cobra una nueva víctima— queda como la mejor de la película.

Hamnet, de Chloé Zhao, mantiene el estilo de la directora, sin caer en el melodrama chillón y meloso del que se le ha acusado en algunas críticas (que es lo que esperaba ver en la película).

Mis reparos están en que, si la tesis apunta a contar la historia detrás de Hamlet, entonces Hamnet debió tener más minutos en pantalla. Pero no fue así. Al margen de ello, es una película que el espectador de corazón sensible disfrutará mucho en los cines.

Ayuda: ¿Una lucha salvaje por el éxito?

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Parece que Sam Raimi, el director de la película Ayuda (Send Help), da en el clavo cuando propone una historia en la que la empleada busca venganza de su jefe abusivo. Francamente, ¿quién no ha pensado en saldar cuentas con su superior?

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A partir de esta premisa, Raimi construye una oportunidad de oro para la revancha de una contadora: una isla desierta en la que empleada y empleador se enfrentarán para curar sus resentimientos.

Entonces, en este ida y vuelta de reproches, es muy difícil identificar al bueno y al malo. La línea entre maldad y bondad es difusa. Hay argumentos válidos para apoyarla a ella, pero no tanto sus acciones. A veces da un poco de pena el jefe, pero tiene reacciones que terminan por darle la razón a la contadora.

Aunque, por momentos, se siente un poco forzado identificar al varón como villano, ya que hay más argumentos para ir en contra de la empleada.

Ayuda no busca una moraleja

Sin embargo, la película Ayuda no apunta a construir una moraleja, sino a desarrollar una historia de supervivencia en una isla salvaje, donde tiene que sobrevivir el más fuerte. Aquí no interesa dar lecciones de vida, ni buscar la rehabilitación del supuesto villano o construir una historia de amor, sino sobrevivir y aplastar al más débil.

Incluso el final de la cinta parece burlarse del discurso de crecimiento personal que plantean luchas titánicas por el éxito, obviando que muchas veces se llega a la cumbre dejando atrás heridos y muertos. El camino a la gloria se cimenta sobre la base de cadáveres y nadie quiere hablar de ello.

También me pareció interesante el clímax final, en el que ambos tienen una confrontación definitiva y él intenta rogar su perdón. En un relato clásico, ella hubiera cedido y quizá habrían terminado en buenos términos, o incluso enamorada de su antagonista. Pero en la cinta de Raimi la narrativa va por otro lado y, con arma en mano, empodera al personaje femenino.

En ese sentido, mediante este terror psicológico, la película se burla, lleva al extremo a los personajes, propone un humor extraño y unos excesos de violencia, así como construye una historia de éxito salvaje y disruptiva para el género de la autoayuda.