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El agente secreto y un relato diferente sobre dictaduras

El agente secreto no es el relato clásico sobre dictaduras. Tiene una víctima que lidera la narrativa principal, pero alrededor hay elementos que ayudan a comprender el funcionamiento de estos regímenes.

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El director Kleber Mendoza Filho y el actor Wagner Moura apuestan por esta arriesgada propuesta, en la que describen la historia de Marcelo, un catedrático interesado en escapar de su país junto a su hijo.

Sin ver esta película brasileña, su título podría hacer referencia al relato de un espía perseguido por agentes de la dictadura; sin embargo, va por otro camino. Es cierto que el protagonista quiere salir del país, pero está amenazado por una autoridad interesada en verlo muerto por ir en contra de sus negocios sucios.

Entonces tenemos a un ciudadano aparentemente inofensivo, motivado a sacar adelante a su familia y a investigar en su carrera, convertido en una amenaza para un gobierno autoritario.

El agente secreto y su riesgo en la estructura

En ese sentido, El agente secreto sale del molde y arriesga en su estructura. Además, añade elementos sarcásticos para criticar este tipo de gobiernos. Uno de ellos, por ejemplo, es la pierna encontrada en la boca de un tiburón.

Este episodio se incluye para darle cierto aire tenebroso a la historia, pero hacia el final funciona para cuestionar el papel de los medios de comunicación en la distracción de las masas durante las dictaduras.

Del mismo modo, la primera escena marca el tono de la película. Mientras Marcelo espera en una estación de grifos a que llenen el tanque de gasolina de su auto, hay un cadáver expuesto al aire libre. Todos observan ese cuerpo tirado en el suelo, incluso la policía, pero nadie hace nada por levantarlo. Para las autoridades, por ejemplo, es más importante intervenir al conductor e intentar quitarle algunos billetes.

Otro buen momento de la película ocurre cuando sicarios contratados van por la cabeza de Marcelo, y ahí se juega con la típica tensión de las escenas de persecución. Sin embargo, la toma sirve para develar la torpeza de los personajes y terminar la secuencia de una manera creativa, con ayuda de un recorte de periódico.

Sutileza sin caer en el morbo

Así se desarrolla la película de Mendoza, con mucha sutileza y calma, sin dejarse llevar por la violencia y describiendo el final de su personaje central con cierta elegancia, sin caer en el morbo.

El agente secreto también huele a nostalgia. Hay mucho color en esta oscura dictadura y un viaje de vuelta a un Brasil de antaño, de carnavales y cines.

Sin embargo, creo que esta película no será accesible para todos, ya que avanza con mucha calma, se apoya en los diálogos y no cae en sobreexplicaciones, sino que deja al espectador sacar sus propias conclusiones. No obstante, resulta importante apreciarla para aprender a identificar una dictadura y evitar caer en los engaños interesados de los políticos.

Familia en renta: Un servicio japonés bajo el juicio de Hollywood

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Parece que Familia en renta (Rental Family) se planteó desde una mirada juzgadora norteamericana.

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La película, protagonizada por Brendan Fraser, parte de una extraña costumbre japonesa: alquilar personas para que representen a familiares en ocasiones especiales. Es decir, los clientes solicitan estos servicios para que actores y actrices interpreten a un esposo, esposa, hijos, etc.

Este extraño trabajo busca mantener las apariencias o, también, llenar esos huecos de soledad de personas sin familia.

Entonces, el protagonista norteamericano, un actor que vive desde hace diez años en ese país, pasa del asombro a aceptar este trabajo por dinero. Sin embargo, cuando se plantean situaciones complicadas, empiezan los conflictos internos.

Por ejemplo, se contrata al actor para actuar como el padre de una niña que no lo ha visto en años. Definitivamente, engañar a una pequeña no es lo correcto, pero la inclusión de este elemento —y otros similares— manipula la narrativa y apunta a cuestionar esta “tradición” japonesa desde la mirada de este actor norteamericano.

Los juicios de Familia en renta

Aquí no se trata de reprochar, sino de hacer cuestionamientos directos para presionar hacia un final que busque el arrepentimiento de los personajes asiáticos y forzar un cambio.

Se pudo profundizar más en este curioso servicio y aportar más, quizá desde la psicología de quienes lo contratan. ¿Por qué lo hacen? Quizás los japoneses no se hacen problemas y viven felices de esta manera. Sin embargo, se optó por una mirada externa que no hace el intento de comprender estos trabajos y, a partir de ello, plantear un cambio o una transformación.

En ese sentido, la película desperdicia esta historia y se inclina por la receta hollywoodense, que busca extraer una moraleja de un contexto que, para Familia en renta, resulta cuestionable.

Marty Supreme: ¿El mejor trabajo de Timothée Chalamet?

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Generalmente, las películas de superación proponen una historia en la que el personaje apunta a un objetivo. En ese camino enfrenta obstáculos, se enamora y, como espera la audiencia, alcanza su meta. Marty Supreme sigue el mismo patrón, pero de manera diferente.

[ACTUALIZACIÓN: Puedes ver Marty Supreme en Prime Video]

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Marty Mausser, un talentoso jugador de ping pong en Estados Unidos, no es precisamente un modelo de humildad, sino un embajador de la soberbia y la malcriadez. Es una persona desagradable cuando habla y, cuando actúa, puede ser frontal y tosco.

Su meta: convertirse en el número uno de este deporte. Pero para ello no cuenta ni con el apoyo familiar ni amical y, peor aún, no tiene dinero. Lejos de amilanarse, asume que solo así puede conseguir ese anhelado sueño.

Primero nota que su soberbia no es la mejor aliada para sus planes; por eso cede, busca dinero de cualquier forma, utiliza a las personas y hasta se humilla cuando observa que la fortuna no le favorece.

No obstante, la vida será generosa con él y le dará una oportunidad para alcanzar una falsa gloria, un premio consuelo que aprovechará en un intenso juego de ping pong, protagonizando el mejor momento de la película.

Marty Supreme y una dura superación 

Marty Supreme habla de superación, pero destruye al personaje hasta humillarlo. Solo le concede unos minutos para arrojarle unas migajas al suelo, para que sacie su hambre de gloria y siga tranquilo con su vida.

La película se plantea al ritmo de un juego de ping pong. No solo hay rapidez en el juego, sino también en los diálogos y en el espacio, ya que el protagonista no deja de moverse e incluso correr para escapar de esas trampas creadas por él mismo con el fin de obtener los recursos requeridos.

¿Llegará el Oscar?

En ese sentido, Timothée Chalamet juega un papel importante. Su interpretación entrega un personaje seguro, pero desagradable: intenso, rápido y fuerte, aunque su cuerpo proyecte una falsa fragilidad. Tiene mucha convicción en lo que quiere y seguridad en lo que posee, pero esta mezcla es peligrosa para personalidades débiles.

En conclusión, este es uno de los mejores trabajos realizados por el actor. No sé si el mejor, pero sin duda se observa una evolución positiva en su trabajo. Si hablamos en clave Óscar, personalmente creo que es la mejor interpretación entre las cinco nominadas de este año. El punto es si la Academia le dará el premio a un joven actor de 30 años que no se caracteriza precisamente por su humildad. Deberían, pero las votaciones suelen ser más emocionales que racionales.

Entonces, Marty Supreme es una excelente película. Sí, habla de superación personal, pero a través de un camino pedregoso y sucio. ¿Marty Mausser termina mejor que al inicio? Aparentemente sí, pero ¿a qué costo?

Oscar 2026: Los pecadores rompen récord

  • Los pecadores pulveriza todos los récords y alcanza 16 nominaciones al Oscar 2026, aunque una batalla tras otra parte como la favorita con 13 candidaturas.
  • Valor Sentimental de Noruega es la película internacional con más nominaciones: nueve en total, e incluso consigue que cuatro de sus actores logren competir por el Oscar. El agente de Brasil de Brasil logró cuatro. Esta es la favorita de la categoría a mejor película internacional.
  • Las guerreras del K-Pop obtuvieron dos nominaciones: Mejor Cinta Animada y Mejor Canción Original.
  • Del mismo modo Sirat de España alcanzó dos nominaciones: mejor Película Internacional y Mejor Sonido.
  • Las ausencias más llamativas fueron Paul Mescal de Hamnet en Mejor Actor de Reparto y Chase Infinity de Una batalla tras otra por Mejor Actriz Principal.
  • F1 alcanzó nominación a mejor película, además de otras tres nominaciones en el Oscar 2026.
  • A diferencia del año pasado Wicked for Good no logró ninguna nominación al Oscar 2026.

Mejor película

Mejor dirección

  • Paul Thomas Anderson (Una batalla tras otra)
  • Ryan Coogler (Pecadores)
  • Chloé Zhao (Hamnet)
  • Josh Safdie (Marty Supreme)
  • Joaquim Trier (Valor Sentimental)

Mejor actor

  • Timothee Chalamet (Marty Supreme)
  • Leonardo DiCaprio (Una batalla tras otra)
  • Wagner Moura (El agente secreto)
  • Michael B. Jordan (Pecadores)
  • Ethan Hawke (Blue Moon)

Mejor actriz

  • Jessie Buckley (Hamnet)
  • Ross Byrne (If I Had Legs I’d Kick You)
  • Kate Hudson (Song Sung Blue)
  • Emma Stone (Bugonia)
  • Renate Reinsve (Valor Sentimental)

Mejor actor de reparto

  • Benicio del Toro (Una batalla tras otra)
  • Stellan Skarsgård (Valor Sentimental)
  • Sean Penn (Una batalla tras otra)
  • Jacob Elordi (Frankenstein)
  • Delroy Lindo (Pecadores)

Mejor actriz de reparto

Mejor guion adaptado

  • Una batalla tras otra
  • Hamnet
  • Bugonia
  • Sueño de trenes
  • Frankenstein

Mejor guion original

Mejor edición

  • Una batalla tras otra
  • Marty Supreme
  • Pecadores
  • F1 (Disponible en Apple TV)
  • Valor Sentimental

Mejor casting

  • Pecadores
  • Marty Supreme
  • Hamnet
  • Valor Sentimental
  • El agente secreto

Mejor fotografía

  • Frankenstein
  • Pecadores
  • Una batalla tras otra
  • Sueño de Trenes
  • Marty Supreme

Mejor banda sonora

  • Pecadores
  • Frankenstein
  • Una batalla tras otra
  • Hamnet
  • Bugonia

Mejor canción original

  • Golden (Las guerreras del K-Pop)
  • I lied to you (Pecadores)
  • Sweet Dreams of Joy (Viva Verdi)
  • Dear me (Diane Warren: Relentless)
  • Train Dreams (Sueño de Trenes)

Mejor diseño de producción

  • Frankenstein
  • Pecadores
  • Marty Supreme
  • Hamnet
  • Una batalla tras otra

Mejor vestuario

Mejor maquillaje y peluquería

Mejor sonido

  • F1
  • Pecadores
  • Una batalla tras otra
  • Sirat
  • Frankenstein

Mejores efectos visuales

Mejor película internacional

Mejor documental

Mejor cinta animada

Mejor corto documental

  • Todas las habitaciones vacías (Disponible en Netflix)
  • Armado con una cámara (Disponible en HBO Max)
  • Children no more: «Were and are gone»
  • El diablo está ocupado (Disponible en HBO Max)
  • Perfectly a Strangeness

Mejor corto de acción

  • The singers
  • Butcher’s Stain
  • Two People Exchanging Saliva
  • A friend of Dorothy
  • Jane’s Austen Period Drama

Mejor corto animado

  • Forevergreen
  • Butterfly
  • The girl who cried pearls
  • Retiremant plan
  • The three sisters

El botín: ¿Es buena la película de Matt Damon y Ben Affleck?

Cada vez que se anuncia una película con Ben Affleck y Matt Damon, hay más expectativa por verlos juntos que por el filme en sí. El botín, película estrenada en Netflix, es una nueva oportunidad para apreciar a esta pareja de amigos en acción.

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En esta cinta, la muerte de una agente de policía genera sospechas. Entonces, un equipo especial tendrá que investigar si este caso está relacionado con organizaciones criminales o con una traición de sus propios compañeros.

Al inicio, El botín juega a despistar al espectador, ya que propone una historia de policías corruptos que aprovechan un operativo para quedarse con el dinero incautado. Sin embargo, en ese desarrollo se van lanzando cifras diferentes sobre los billetes decomisados. Este detalle genera extrañeza, aunque será vital en el final de la película.

No obstante, la cinta conduce al espectador nuevamente a la propuesta inicial —la de la corrupción— al reforzar esta idea con un debate ético sobre lo correcto o no entre los personajes principales, es decir, aquellos interpretados por Matt Damon y Ben Affleck.

En ese sentido, la narrativa da un giro, quizás en la última media hora de El botín, para develar la verdadera intención de este operativo policial. Aquí ingresamos al momento en el que los personajes se muestran muy inteligentes y explican a la audiencia su plan para identificar a los responsables de la muerte de su compañera.

Algo se siente falso en El Botín

Si bien en la primera parte de la película se siembran pistas para dar un giro al final, estas no generan sospechas suficientes como para creer que el planteamiento inicial es solo un engaño. La película apuntala tan bien la historia de los policías corruptos que se quedan con el dinero del operativo que el giro final se siente falso o inverosímil. Este parece un as bajo la manga sacado únicamente para presentar a los protagonistas como mentes brillantes.

Como toda película policial, la historia va acompañada de largos tiroteos y explosiones. No hay nada innovador ni original en estas escenas. Estas tomas se parecen mucho a las que hemos visto en numerosas cintas del género.

No obstante, la película cumple con su objetivo principal: entretener. No aburre, aunque tiene un final que no sé si llamarlo enigmático, críptico o el típico epílogo que deja a la audiencia sacar sus propias conclusiones.

P. D. En busca del destino, la película que hizo famosa la amistad entre Ben Affleck y Matt Damon, está disponible en Netflix. Otras colaboraciones de ambos también pueden verse en Prime Video (Air) y Disney+ (El último duelo).

Song Sung Blue: Vivir con la música de Neil Diamond

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Song Sung Blue tiene dos partes bien marcadas: una en la que dos músicos se conocen y deciden hacer conciertos con la música de Neil Diamond, y otra en la que la mala fortuna aparece y pone a prueba la relación de ambos.

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Protagonizada por Kate Hudson y Hugh Jackman, esta película presenta a dos personajes soñadores y dinámicos, con los mismos problemas personales —crían a sus hijas solos—, pero con el mismo empeño de vivir de la música.

Sin embargo, cuando empiezan a saborear la gloria, aparecen los conflictos. Primero, ella sufre un terrible accidente de tránsito que la aleja de los micrófonos. Entonces, él, lejos de reprocharle a la vida esta “bendita” suerte, se pone a su familia sobre los hombros y continúa aferrado a la idea de que la música lo saque de este hoyo.

No sé si los conflictos aderezan mejor las historias, pero esta última mitad de la película se torna más interesante que el arranque positivo y musical de Song Sung Blue. Además, constituye una oportunidad para demostrar las habilidades actorales de Kate Hudson.

No obstante, aquí el drama ayuda a los personajes a unirse más y a retratar la típica historia de superación sin caer en complejidades, discursos retóricos o tragedias. También permite conocer la nobleza del personaje interpretado por Hugh Jackman.

Aunque la cinta no tiene un happy ending, señala que lo importante es vivir los buenos momentos y disfrutar de las personas que amamos. Esta idea queda en el aire para el debate entre las audiencias.

Homenaje al cantante en Song Sung Blue

La película funciona, además, como un homenaje a Neil Diamond, aunque el cantante no aparece en el filme. Sí está omnipresente a través de su música y sus letras. La cinta no funciona como un biopic, sino como un drama musical que reconoce la influencia de un artista en la vida de sus protagonistas.

Song Sung Blue entretiene, entrega interpretaciones correctas y se apoya bien en la música de Neil Diamond. Esta está bien representada en los conciertos ambientados para la película. Si lo tuyo es la música con poco drama y algo de humor, esta película podría interesarte.

Uyariy y una memoria incómoda

El documental peruano Uyariy iba a estrenarse en Arequipa en una sola función, a las 9:30 de la noche, pero al final de su primera semana de proyección terminó exhibiéndose en más de 20 funciones.

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El día de su estreno, el director de la película, Javier Corcuera, denunció sabotaje y censura por la temática de su filme: la muerte de 18 pobladores durante las protestas organizadas contra el gobierno de Dina Boluarte en enero de 2023.

Entonces, el público respondió y llenó las salas de las pocas funciones programadas en las cadenas de cine. De esta manera, estas, obligadas por la demanda, ampliaron funciones.

Escuchar a las víctimas

Uyariy, palabra en quechua que significa escuchar (algo ausente en estos tiempos), explora el dolor de las familias afectadas por estas muertes. Profundiza en sus historias y asigna nombre y apellidos a las víctimas de esta represión. De esta manera, rompe con una narrativa arraigada en sectores acostumbrados a terruquear a los asistentes a las protestas.

En esta película no hay debate político ni sociológico, sino una exposición de estas historias con una demanda en común: justicia. Han pasado tres años y aún no hay responsables por estas tragedias.

Por otro lado, se narran otras masacres ocurridas en Juliaca en los años cincuenta y veinte, producto de protestas organizadas para reclamar acceso a la educación o el cese de la explotación en las haciendas. Estas también quedaron impunes, al igual que los sucesos de 2023.

Con todo ello, el documental plantea de manera clara las razones de la población de Juliaca para tener poca fe en los jueces del país y sentirse excluida del Perú.

Todo culmina con una escena potente en la que las familias se reúnen a orillas del lago Titicaca para empujar un barco con las fotos de sus parientes fallecidos. Aunque la toma se mantiene distante, se percibe ese dolor aún latente en sus corazones. Esta fue una de las secuencias más emotivas del documental, motivo de sollozos en la sala de cine.

La música presente en Uyariy

Del mismo modo, la música está presente como un elemento liberador y expresivo de una sociedad reacia a olvidar esta masacre. Las letras y melodías están al servicio del manifestante.

Uyariy es importante porque ayuda a construir memoria e invita a escuchar antes que satanizar o caer en prejuicios. Además, demuestra que los intentos de censura en estos tiempos ya no funcionan y que las audiencias están empoderadas para exigir contenidos que consideren trascendentales para su vida cultural.

La asistenta: ¿Una heroína contra la violencia machista?

La Asistenta podría ser un thriller psicológico, una película romance o incluso un nuevo subgénero contra la violencia machista. Podría encajar en cualquiera de estos géneros, pero no en el calificativo de buena película. Entretiene, sí, no lo podemos negar; pero mezcla muchas cosas que termina produciendo una película “Frankenstein”.

[ACTUALIZACIÓN] Puedes ver esta película legalmente en Prime Video

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Millie, interpretada por Sydney Sweeney, consigue trabajo en la blanca mansión de Nina (Amanda Seyfried). Ambas rubias tienen sus peculiaridades.

Primero, Nina es exageradamente amable e incluso podríamos describirla como una caricatura de la bondad. Segundo, Millie logra este puesto mediante falsedades. Nina podría ser la buena y Millie la mala; sin embargo, aflora la supuesta verdadera personalidad de Nina, mientras Millie va posicionándose como la incomprendida de esta historia.

Cambio de línea narrativa de La Asistenta

Cuando se va construyendo una narrativa psicológica alrededor de Nina, la película gana interés. Entretiene y capta la atención. En ese momento, se convierte en la típica historia psicológica con detalles del personaje que apuntan a un secreto mayor.

Luego, esta atmósfera se apaga cuando aparece el esposo de Nina, Andrew (Brandon Sklenar), y se plantea un romance con Millie. Otra vez el habitual relato romántico en el que los amantes disfrutan a la sombra de la esposa. Ya no hablamos de psicología, sino de un triángulo amoroso. En esta secuencia de la película, Andrew es el hombre perfecto y Nina, la antagonista.

Expulsan a Nina de este triángulo amoroso y conocemos su punto de vista. En ese momento se revela el secreto mayor de la película y el motivo de la venganza final. Esto recuerda que la narración, salvando las diferencias, se asemeja a la de Perdida, de David Fincher, en la que los protagonistas dan sus versiones de la historia.

Vamos por la revancha

La Asistenta apunta a la revancha. Por eso es que la última media hora de la película cede a la violencia explícita.

La película, que al inicio parecía ir por la psicología de los personajes y jugar con el suspenso y los secretos de familia, terminó convirtiéndose en un espacio para castigar con ferocidad la violencia machista.

El filme de Paul Feig (director de Damas en guerra) podría considerarse ordenado en su primera parte, pero hacia el final da un giro que pudo dejarnos asombrados con las revelaciones de la historia y que, en cambio, prefirió castigar al villano con torturas, rompiendo con el tono inicial. Además, siembra la idea de una secuela dentro de este nuevo género de venganza machista.

La idea de La Asistenta no está mal, hasta que ese final que derrumba todo lo construido al inicio de la historia.

Final de Stranger Things y su cierre tibio de la serie

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Diez años después, la serie de Netflix Stranger Things llegó a su final. De la sorprendente propuesta estrenada en la primera temporada no quedó nada. El final de Stranger Things llegó horas antes de celebrar el Año Nuevo en Perú, con espectáculo y cursilería.

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Dos horas tuvo el episodio final. La primera hora estuvo dedicada a resolver el destino de Vecna y la otra, a despedir a todo el elenco y darle un happy ending.

La primera hora transitó hacia lo seguro, sin riesgos ni giros inesperados, para proteger a todos los personajes.

De esta manera, los buenos de Stranger Things vencen sin problemas (pensé que Vecna iba a oponer más resistencia) al mayor antagonista de esta historia.

Aunque se quiso incluir una línea más para complicar la trama, esta solo se empleó para deshacerse “heroicamente” de Eleven, la protagonista de esta serie de Netflix.

La siguiente mitad de este final se dedicó a despedir a cada personaje, darle un cierre decente y sembrar dudas sobre la salida de Eleven de la serie.

Final Stranger Things correcto

Así, sin mayores problemas ni aspavientos, terminó Stranger Things, una de las series más vistas de Netflix. Esta fue importante al inicio por su innovadora propuesta de combinar la cultura de los años setenta en una historia de ficción, pero luego se desgastó a lo largo de esta década en parte por mantener una audiencia cautiva cediendo a sus demandas.

La serie de Netflix se complicó innecesariamente con tantas líneas narrativas y la aparición de más personajes que no fueron determinantes en el episodio final de la serie.

Este epílogo me hizo recordar al de Juego de Tronos, en el que la prioridad fue presentar a todos los personajes vivos posibles para homenajearlos, sacrificando el tono de la serie.

No obstante, este final despide la serie con cifras altas en audiencia, lo que demuestra que tuvo un impacto significativo en el público. De esta manera, muchos celebraron el Año Nuevo con esta ficción, pese a su propuesta irregular.

Fue solo un accidente: Un retrato político de una sociedad

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Fue solo un accidente (Un simple accidente), de Jafar Panahi, propone una historia de revancha en una sociedad que agrede.

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Un hombre advierte que su posible torturador está en el taller donde trabaja. Entonces, aprovecha la oportunidad para secuestrarlo y cobrar revancha.

Al inicio parece decidido a ejecutar su venganza; sin embargo, al interactuar con su presunto torturador, le surgen las dudas.

Entonces involucra a más víctimas de este personaje, que tampoco tienen claro si es o no el hombre que abusó de ellos.

No tienen la decisión de ejecutarlo. Son posibles víctimas, tienen el resentimiento a flor de piel, pero no poseen la voluntad de sentenciarlo. Algo les dice que es él: su cuerpo, su olor, sus sonidos. Sin embargo, no se atreven.

Aun así, no desaprovechan la oportunidad para encararlo y recordarle sus maltratos.

En contraste, las autoridades no tienen problemas en corromperse. Para estos personajes, no existen las dudas.

En ese sentido, para mostrar la miseria de estas figuras, la película recurre al humor. De esta manera denuncia, por ejemplo, el caso de los policías que cobran un soborno con ayuda de un POS de tarjeta de crédito.

Contenido político y frontal en Fue solo un accidente

Fue solo un accidente tiene un mensaje altamente político que muestra el hartazgo de ciudadanos resentidos con un sistema político controlador.

Este filme es bastante frontal: no teme hacer críticas y, para ello, utiliza a estos personajes como vehículo para reclamar por los abusos.

Al final de esta historia, podríamos creer que el filme cae en el típico mensaje aleccionador, donde el villano se redime y los personajes “buenos” aparecen moralmente por encima de él.

Así sucede, solo que en el minuto final tenemos un cierre que parece indicarnos que la lección no ha sido aprendida por parte del antagonista; por el contrario, ha sido un error confiar en él. No obstante, al mismo estilo del epílogo de El origen, de Christopher Nolan, queda esa toma para que cada espectador saque sus propias conclusiones.

Esta propuesta de Jafar Panahi expone un sistema político corrupto y tirano en el que el ciudadano busca, de alguna manera, hacer justicia o cobrar venganza.