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Balance 2025: Las mejores películas y series del año

Christiaan Lecarnaque
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Balance 2025: Las mejores películas y series del año

Es inevitable llegar a fin de un año y hacer un balance del 2025 sobre lo mejor en cine y televisión. El año que se va deja algunos episodios que valen la pena recordar en este texto.

Emilia Pérez y su controvertida propuesta

La temporada de premios calentó con controversia. Karla Sofía Gascón, nominada al Oscar por su trabajo en Emilia Pérez y la primera actriz trans en conseguir este reconocimiento, generó polémica por unos antiguos mensajes de Twitter cargados de discriminación y críticas a actores de la industria. Esta polémica sepultó sus opciones de ganar el premio de la Academia, en consecuencia, también de la película.

Pero además de esta controversia, el filme no cayó bien Latinoamérica por un tratamiento superficial del narcotráfico y el mal uso del español, principalmente, por parte de la actriz, Selena Gómez.

Todo ello ayudó a que la película brasileña, Aún estoy aquí, ganara el Oscar a mejor película internacional, categoría en que competía Emilia Pérez donde llegaba como favorita.

Finalmente, la cinta independiente Anora ganó cinco Oscar, incluso el reconocimiento a mejor película. Cuatro de estos premios fueron para su director Sean Beaker, por su trabajo en edición, dirección, guion y producción.

Cine internacional en alza 

Ad portas de una nueva temporada de premios el cine internacional va ganando visibilidad. Por lo menos hay tres películas que podrían lograr una nominación al Oscar a mejor película. Este sería un hito histórico.

Se trata de la iraní, Solo fue un accidente de Jafar Panahi, ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes, la noruega Valor Sentimental y la brasileña El agente secreto. También tienen posibilidades la coreana No other choices y la española Sirat.

A ello hay que añadir que la película más taquillera del 2025 proviene de China y logró más de 2 mil millones de dólares en recaudación. Se trata de Ne Zha 2.

Llegó un nuevo Superman

En este balance del 2025 no puede faltar una resumen de la taquilla. El estreno de la nueva Superman de la mano de David Corenswet generó resistencia entre los seguidores de Henry Cavill. La cinta tuvo críticas y una taquilla decente, además este hombre de acero tendrá una secuela.

Por otro lado, antes del estreno de Una batalla tras otra se decía que esta película de Paul Thomas Anderson no sería buena. Sin embargo se convirtió en una de las mejores películas estrenada en años y actualmente es una de las favoritas a ganar el Oscar de la temporada 2026.

Finalmente Blancanieves y Estado Eléctrico no les fue bien en taquilla, mientras que Los cuatro fantásticos y Thunderbolts tuvieron interesante aceptación del público y le dieron un respiro a Marvel.

La polémica compra

La compra del año de este balance 2025. Netflix adquirió Warner, incluido su producto HBO. La venta se valorizó en más de 80 mil millones de dólares. Las alarmas se prendieron entre los puristas quienes observan en esta adquisición una amenaza al cine estrenado en las salas. Aunque Netflix manifestó que mantendrá los estrenos en las cadenas de cines, hay mucha desconfianza. Mientras que el gobierno de Donald Trump evalúa si aprueba o no esta compra.

El último adiós

Este año lamentablemente fallecieron leyendas del cine mundial: Robert Redford, Diane Keaton, Gene Hackman, Val Kilmer, David Lynch, entre otros.

Lo mejor del cine del 2025 (este es un ranking personal)

Películas estrenadas este año:

Películas que fueron nominadas al Oscar y recién se estrenaron este año:

Las mejores cintas peruanas:

Las mejores series y miniseries del 2025:

 

Valor sentimental aborda la difícil relación padres e hijos

Christiaan Lecarnaque
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Valor sentimental aborda la difícil relación padres e hijos

Valor Sentimental, de Joachim Trier, aborda los vínculos entre padres e hijos, un tema que el cine ha explorado con insistencia en los últimos años.

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Acostumbrados a ver más historias sobre sacrificios maternos, a los hombres nos toca enfrentar cómo nuestra falta de presencia puede causar dolor, aunque no siempre lo advirtamos.

Las consecuencias de la ausencia paterna están presentes a lo largo de la película y revelan lo complejo que resulta recomponer un lazo y reconstruir, una vez más, la confianza.

Un trío potente en Valor Sentimental

Valor Sentimental se apoya fundamentalmente en las interpretaciones de sus tres protagonistas, aunque el trabajo de Renate Reinsve sobresale por encima de este sólido trío.

Hay un momento en la película en que no habla, pero su rostro expresa dolor o ira. Su cara lo dice todo. Se percibe el deseo de que esos sentimientos afloren, pero algo los contiene. Sin embargo, cuando escucha a su padre a través de un guion cinematográfico, todo ese resentimiento termina por desbordarse.

Por su parte, la actriz que interpreta a su hermana, Inga Ibsdotter Lilleaas, ofrece un registro opuesto. No tiene reparos en exteriorizar lo que siente, y lo más interesante de su trabajo está en el uso de sus ojos azules. Esa mirada transmite mucho, sobre todo cuando el drama necesita ser intensificado. Su personaje indaga en las razones que llevaron a su padre a ausentarse del hogar.

Stellan Skarsgård encarna al padre de ambas y lo vemos siempre orbitando a su alrededor, como intentando recuperar el vínculo. Su personaje es consciente de las consecuencias de su decisión, posiblemente ligada a una tragedia del pasado. Aun así, insiste en recomponer el lazo, a través del arte, especialmente con la hija mayor, interpretada por Renate Reinsve.

Los vínculos entre padres e hijos o hijas no son sencillos: requieren tiempo y construcción. Justamente, la película reflexiona con profundidad sobre este proceso mediante diálogos, gestos y silencios que, en muchos casos, dicen más que cualquier frase enfática. Se suele afirmar que los hombres no son fundamentales en la familia, pero Valor Sentimental propone una mirada distinta.

P.D. La peor persona del mundo de Joachim Trier está disponible en Prime Video. Fue nominada a dos Oscar: Mejor guion y mejor película internacional. También está protagonizada por Renate Reinsve.

Avatar, Fuego y Cenizas: ¿Una saga que se desgasta?

Christiaan Lecarnaque
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Avatar, Fuego y Cenizas: ¿Una saga que se desgasta?

Avatar: Fuego y Cenizas, la tercera entrega de esta saga de James Cameron, me pareció repetitiva, larga, aunque visualmente potente.

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No iba con muchas expectativas, pero tampoco es que al final estas se hayan elevado. Al contrario, me hizo pensar por qué es necesario seguir viendo películas sobre estos personajes azules.

Avatar hace lo suyo: entretener. Tiene una propuesta visual distinta. Sus imágenes se asemejan a las de un videojuego y su tecnología 3D te sumerge en la historia curiosamente cuando hay diálogos o las escenas son más pausadas. En las tomas de acción se sienten muy rápidas y, en consecuencia, con imágenes poco definidas.

El final es igual al de las anteriores películas: Hombres y mujeres luchando por sobrevivir, así como la naturaleza interviniendo para evitar la conquista humana. Lo mismo que en la primera y segunda Avatar.

¿Algo nuevo en Avatar: Fuego y Cenizas?

La historia apunta hacia lo mismo, aunque al contenido ecologista se le añade un tinte religioso. Un remedo de debate sobre qué Dios es más fuerte, sin llegar a una profundidad filosófica. Simplemente, este detalle está ahí para explorar otra narrativa dentro de esta saga.

Las películas de James Cameron se caracterizan por concentrarse en sus secuencias de acción sin profundizar en sus personajes. En este punto, generalmente no falla, y Avatar: Fuego y Cenizas no es la excepción.

Si la película tuviera que llevarse un premio por entretener, lo ganaría de lejos; sin embargo, hubiera sido mejor que fuera más corta y no añadiera tantas tramas que van perdiendo interés desde la mitad del metraje.

Cameron ya lanzó la idea de hacer más Avatar en los próximos años, aunque ello dependerá principalmente de los resultados en taquilla. Por lo pronto, dejó un final abierto para que los personajes retornen en una probable cuarta película. Si la propuesta sigue este mismo sendero, la saga caerá en el olvido.

Bugonia: ¿una sátira o una comedia absurda?

Christiaan Lecarnaque
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Bugonia: ¿una sátira o una comedia absurda?

Bugonia parece funcionar como una sátira de las teorías de conspiración que hoy pululan sin censura por las redes sociales. Sin embargo, el final desdibuja un poco la nueva propuesta del director Yorgos Lanthimos, protagonizada por su habitual colaboradora, Emma Stone.

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Dos primos secuestran a la propietaria de una corporación tecnológica creyendo que es una extraterrestre enviada para destruir a la humanidad.

Desde el momento en que se produce el rapto, se expone la torpeza de los secuestradores y se construye una escena divertida.

Luego, una vez recluida la víctima en el sótano de una casa, se desarrolla un interrogatorio absurdo. Si bien este momento continúa con ese tono satírico, el personaje de Emma Stone proyecta la imagen de un alienígena gracias al maquillaje y al corte de cabello. Esa imagen podría darle la razón a las teorías de su captor.

A ello se suma el secuestrador, interpretado por Jesse Plemons, a quien se observa con mucha convicción al creer que frente a él tiene a una visitante de otra galaxia.

Bugonia: ¿Acaso es una venganza?

Esta empresaria pasa de la sorpresa a un juego psicológico en el que utiliza la narrativa de su secuestrador para intentar escapar del encierro. Así descubre que su raptor tiene un pasado y que probablemente sus acciones no obedecen a su creencia en los alienígenas, sino a su necesidad de encontrar responsables de su triste destino. Incluso se desliza la posibilidad de una venganza.

La idea puede ser interesante, pero a veces Bugonia recurre a convencionalismos —como la aparición de un policía para generar tensión en un momento crítico de la historia— que la vuelven por momentos tediosa.

Sin embargo, el final de Bugonia va contra todo lo que se había planteado anteriormente. Al llegar al epílogo, la sátira se diluye y termina yendo por otro lado. Así, la película no aterriza, sino que despega sin rumbo hacia territorios desconocidos.

Puñales por la espalda, Entre los muertos: Un misterio entretenido

Christiaan Lecarnaque
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Puñales por la espalda, Entre los muertos: Un misterio entretenido

Llega un momento en que Benoit Blanc (Daniel Craig), el personaje protagonista de la saga Puñales por la espalda, sentencia que el nuevo caso a su cargo es imposible de resolver. Según él, no tiene ni idea de cómo atrapar a este nuevo asesino, pero creo que al final el guion fuerza un recurso para salvar su imagen de detective infalible.

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Esta vez, el crimen ocurre dentro de un lugar sagrado: una iglesia, y los sospechosos están sentados en la banca escuchando misa. La víctima es un sacerdote. La razón la conoceremos casi al final, cuando observamos que este cura perdió la vida por cometer uno de los pecados capitales.

Aunque las apariencias indican que los religiosos son personas impolutas y desprovistas de pecado, este no es precisamente un ejemplo de rectitud, sino todo lo contrario: es tan humano como el resto. Además, comparte las mismas debilidades que sus feligreses.

La religión para giros narrativos

De alguna manera, Rian Johnson, director de la saga Puñales por la espalda, se mueve por territorios religiosos utilizando sus historias como elementos narrativos para develar este crimen. No es precisamente respetuoso con la Iglesia, aunque puede plantear debates interesantes sobre el propósito de la religión. Pero, en general, Johnson hace todo menos dar reverencias a este sistema de creencias.

El director utiliza la narrativa religiosa para sembrar pistas o dar los típicos giros de estas historias, que apuntan a distraer al espectador del verdadero responsable del crimen.

Más cálculo que historia

Puede ser interesante, pero en el epílogo —una escena planteada como testimonio en un confesionario— se percibe algo forzado. Incluso montado para rescatar la reputación del detective a quien solo le faltaba decir: «lo sabía». Por eso este momento se siente calculado, como jugando a mantener una espectacularidad por encima de la coherencia narrativa.

Entonces, Blanc se erige como un personaje benevolente, interesado en proteger a la Iglesia, cuando desde el inicio se planteó su poco interés por ella. A él solo le caía bien el sacerdote, bien interpretado por el actor Josh O’Connor.

Puñales por la espalda: Entre los muertos se arriesga, plantea lo imposible, pero cuando resuelve se siente manipulador. No obstante, por momentos genera interés y entretiene.

Task y su historia policial de perdón

Christiaan Lecarnaque
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Task y su historia policial de perdón

El perdón asoma en esta miniserie policial llamada Task, creada por Brad Ingelsby, el mismo que sacó adelante Mare of Easttown, con Kate Winslet encabezando el elenco. Ambos trabajos están disponibles en HBO Max.

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En esta ocasión, con Mark Ruffalo como protagonista, la historia inicia con la formación de un escuadrón especial que investiga asaltos violentos ocurridos en un poblado de Estados Unidos.

La investigación se complica cuando una pareja de traficantes muere en uno de los atracos. Desde este momento, no solo las averiguaciones policiales cobran más interés, sino que también aparece el elemento de la venganza entre los personajes.

Pero ¿qué puede frenar la venganza? Pues el perdón. De alguna manera, casi todos los personajes tienen viejas rencillas en sus corazones. Unos las contienen, pero otros dejan que controlen sus emociones. Estos serán quienes lideren un espiral de violencia que pone a este apacible poblado patas arriba.

Task sin el perdón solo sería entretenimiento

Por un lado, Task ofrece la típica narración policial en la que los detectives van desentrañando una peligrosa red de traficantes. Estos cuentan con cómplices dentro de la institución policial, y este detalle sembrará pistas que darán un giro hacia el final de la miniserie.

Por otro lado, hay una profundidad en los personajes que permite conocer mejor sus resentimientos. Tienen fuertes motivaciones para odiar y pedir cuentas; sin embargo, la miniserie plantea la reconciliación como una vía para resolver estas controversias. Unos recurrirán a este recurso; otros simplemente lo dejarán encarpetado y permitirán que sus instintos primitivos tomen decisiones.

También hay casos en los que los actos de fe preceden los pedidos de perdón, y unos pocos, por cierto, llegarán a dejarse llevar hacia esa vía.

Sin el perdón no habría profundidad

Si el perdón no hubiera estado presente en Task, sería cualquier otra miniserie de detectives hecha solo para el entretenimiento. Sin embargo, este factor hace que la historia no sea muy fluida, pero sí reflexiva y, por momentos, intensa gracias a sus buenas interpretaciones.

Quizás sirva para todos como lección, y nos veamos identificados con algunos personajes devorados por sus resentimientos, incapaces de dar un paso hacia adelante y perdonar los pecados ajenos y los nuestros.

Uchpa, la película: Música para sanar el pasado

Christiaan Lecarnaque
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Uchpa, la película: Música para sanar el pasado

Uchpa permite a su protagonista, Fredy Ortiz, líder de la banda quechua rockera Uchpa, redimirse con su pasado al enfrentarlo con ayuda de la música.

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Ortiz, un antiguo policía peruano, inició esta banda en la que combinaba el rock con la música andina y sus instrumentos.

Pero, previo a esta vida musical, Ortiz hizo servicio policial en Apurímac durante la época del terrorismo. Entonces, el documental alterna entre su trabajo en la música y sus recuerdos del terror.

Hablar de ese episodio violento le sirve a Ortiz para dejar escapar todo ese dolor contenido en su corazón. Reencontrarse con sus compañeros policiales de lucha le permite liberar esas aflicciones y, además, conocer episodios desconocidos.

Del mismo modo, ese trabajo también le sirve para vincularse más con la música del Ande; por eso, en su carrera musical primero empieza tocando rock en quechua y luego fusiona estos ritmos occidentales con los peruanos.

Uchpa y los instrumentos musicales andinos

Lo fascinante llega hacia el final, cuando se explica el origen y uso de los instrumentos andinos en esta banda de rock.

Se expone la composición de las melodías fusionadas, pero también el significado de estos instrumentos en el mundo andino.

Así, vamos conociendo un poco el valor cultural de cada herramienta musical. De ahí la contundente frase de Ortiz: «Vamos a andinizar el occidente».

Este es un documental completo que ofrece los puntos de vista de cada elemento presente en la historia y no solo explora lo positivo, sino también lo negativo. Expone los conflictos entre los miembros de la banda con mucha franqueza y muestra lo complicado que es integrar fusiones andinas con rockeras.

Asimismo, ilustra una nueva mirada al periodo del terrorismo desde una perspectiva diferente: igual desde la tragedia, pero tomando a la música como un elemento redentor y de reencuentro con uno mismo y con nuestro país.

Stranger Things quinta temporada y el espectáculo final

Christiaan Lecarnaque
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Stranger Things quinta temporada y el espectáculo final

Ya perdí la cuenta de cuántos finales ha tenido Stranger Things. Dicen que el 31 de diciembre se estrenará el epílogo de esta serie iniciada en 2016, y que lo visto en Netflix (Stranger Things quinta temporada) hasta hoy solo ha sido un previo para calentar el camino hacia el cierre definitivo.

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Los cuatro episodios de esta Stranger Things quinta temporada, con duraciones que llegan hasta la hora y media, ceden al espectáculo para mostrar a los protagonistas —ya adolescentes— enfrentarse al mal encarnado en Vecna.

Los tres primeros capítulos apuntan a establecer la estrategia para vencer al villano, mientras se sueltan pistas sobre el verdadero rol de Will, un personaje que tuvo poco peso en temporadas anteriores. Will solo era un pie de página en esta historia, pero en las últimas temporadas, principalmente, en esta quinta tuvo más protagonismo.

Además, la narrativa incluye los elementos habituales ya vistos en capítulos previos: música de los 70, humor adolescente, supuestos romances, conspiraciones, criaturas extrañas, etc.

Aun así, no deja de ser un espectáculo interesante, creado para entretener y pasar un buen momento en casa. Seamos franco, la serie dejó atrás la esencia que la hizo atractiva en sus inicios.

Aunque resulta extraño ver a los niños convertidos en adolescentes. Esto es inevitable, sin embargo, es un detalle no menor dentro de Stranger Things.

También se introduce nuevamente el tema del bullying, aunque sin desarrollarlo demasiado. Y es imposible no preguntarse: ¿qué sentido tiene usar este recurso cuando los personajes han vivido experiencias con el más allá y son todo menos tímidos? Por eso este planteamiento no avanza más allá del segundo capítulo: simplemente no encaja.

Solo queda esperar el cierre definitivo de la serie y confiar en que esté a la altura de las altas expectativas de sus fans, y no decepcione como ocurrió con otras producciones populares en años recientes.

Jay Kelly: La poca inspirada película de Noah Baumbach

Christiaan Lecarnaque
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Jay Kelly: La poca inspirada película de Noah Baumbach

Jay Kelly exorciza sus demonios en la película de Noah Baumbach. El filme de Netflix retrata a un actor en un momento de crisis existencial, en el que se pregunta por sus relaciones con su familia, amigos y compañeros de trabajo. Las respuestas no son amables con el protagonista.

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La muerte de un antiguo compañero de trabajo y la aparición de un ex amigo de juventud activarán estas inquietudes en Jay Kelly. A partir de estos eventos, empieza a repasar los episodios más importantes de su vida.

Lo que recibe son reproches que van sumergiendo a Jay Kelly en un pozo de tristeza y depresión.

Lo curioso de esta película es que, si bien hay oportunidad de echarle en cara a Kelly sus indiferencias, no hay espacio para la reconciliación. La relación simplemente queda rota, dejando al protagonista arañar alguna buena amistad o gesto familiar que le permita creer que deja un legado.

Jay Kelly se parece a una película, pero no tanto

La película no es precisamente una historia original, sino que intenta asemejarse —aunque marcando diferencias— a 8½ de Federico Fellini.

Mientras la veía, vino a mi memoria Bardo, de Alejandro González Iñárritu, también de Netflix, donde se interpela a un periodista por sus decisiones personales y los recuerdos subordinados a una promisoria carrera.

Los planteamientos son similares, incluso en la puesta en escena de los flashbacks. En el caso de Jay Kelly, el protagonista sale de la narración principal para involucrarse con sus recuerdos y revivir en el presente aquellos momentos que pudieron marcarlo.

Incluso hay momentos —muy pocos— en los que se juega con la iluminación para evidenciar la oscuridad en la que se ha sumergido el personaje. Hay otro en el que atraviesa un solitario bosque para intentar reparar el vínculo con una de sus hijas.

¿Por qué tan poca amabilidad con el protagonista?

En ese sentido, y sin tregua alguna, se deja al personaje principal prácticamente solo, aferrado al único amigo que le queda y a una carrera que parece decirle que valió la pena el sacrificio. Pero, ¿por qué merece tan poca amabilidad este actor? Es una pregunta que queda en el aire, ya que la cinta no ofrece una nueva oportunidad a Jay Kelly.

Jay Kelly no es precisamente la película más inspirada de la filmografía de Noah Baumbach. Por ejemplo en Historia de un Matrimonio va desarrollando poco a poco la ruptura de una pareja con diálogos punzantes y críticos a las relaciones y sistema de justicia. Todo ello acompañado de intensas actuaciones donde ninguno de los actores desentona.

Aquí la fórmula es más teatral, por momentos, y un diálogo de amigos con un par de cervezas que no permite a los personajes expresar más, sino limitarse a conversar y escuchar. Por ello la cinta es más expositiva y crítica con el protagonista dejando nada en el espectador. 

Zootopia 2 mantiene su encanto pero no ofrece nada nuevo

Christiaan Lecarnaque
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Zootopia 2 mantiene su encanto pero no ofrece nada nuevo

Si tuviéramos que comparar entre las dos Zootopias, tenemos que la esencia de estas películas se mantiene: la misma diversión con un mensaje positivo dirigidos a todas las edades.

También lea: Crítica a la cinta animada Las guerreras K-pop

Aunque es obvio que la idea central difiere entre una y otra, igual se busca dejar un mensaje a las audiencias. Si en la primera película se hablaba de las diferencias y hasta de la falsa inclusión, en Zootopia 2 se aborda a la familia como eje de la historia.

Por un lado, tenemos a una serpiente que hace hasta lo imposible por reivindicar a su clan, y por otro, a un lince intentando encajar en el suyo, mientras ambos protagonistas buscan darle nombre y sentido a la relación que llevan juntos. Como en la primera, deben aprender a trabajar en equipo.

Además, tenemos bromas, ocurrencias, peleas dramáticas entre los protagonistas, una canción de Shakira y una narración detectivesca que apunta a los orígenes de Zootopia, mas no a la convivencia entre seres diferentes, idea propuesta en el anterior filme.

Del mismo modo, en esta secuela las víctimas son aquellas que en la vida real tratamos con miedo y desprecio: las serpientes. Si en la versión del 2016 las inofensivas ovejas funcionaban como inesperadas antagonistas, en este caso los ofidios son blanco de una conspiración. Esta especie busca la reivindicación ante Zootopia.

Zootopia 2: Qué aporta al cine

Entonces, Zootopia 2 no ofrece nada nuevo. No estoy seguro de si evoluciona. Sigue el mismo rumbo que ya funcionó —y le funciona—; si no, observemos sus cifras en taquilla: más de 500 millones de dólares de recaudación en todo el planeta, una verdadera hazaña en tiempos en que los espectadores parecen priorizar el streaming sobre el cine. Ahí está su verdadero aporte.

En ese sentido, esta cinta animada está ayudando a llenar las salas de cine con un entretenimiento sano y coherente. Eso sí: correcta, sin riesgo, con una animación tradicional, pero efectiva. No tengan dudas de que habrá una tercera parte que seguramente repetirá el mismo éxito —y molde— de estas cintas.

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