Crítica a Dopesick con Michael Keaton

Dopesick, es una miniserie protagonizada por el actor, Michael Keaton, que aborda la crisis de adicción generada por el medicamento OxyContin, recetado para tratar el dolor crónico en los pacientes.

El medicamento fue lanzado a fines de los 90 por la farmacéutica Purdue Pharma, con éxito en los años 2000. Se le considera un opioide capaz de generar una fuerte adicción entre sus consumidores. El negocio generó ganancias multimillonarias a la empresa y también graves conflictos legales. Ni mencionar el repudio público de la sociedad norteamericana hacia los fundadores de esta compañía.

La miniserie de ocho episodios ilustra bien este caso. En la primera parte de Dopesick se observa que los personajes principales no pueden escapar de las bondades de esta medicina. Parece que de alguna u otra manera caerán en manos de esta seductora píldora que alivia momentáneamente los dolores. A la par asistimos a la estrategia marketera bastante agresiva que busca meter por las narices el OxyContin. Primero, a los médicos y, luego, a los pacientes.

Después vemos cómo es que la empresa va echando mano a su poder y dinero para eludir las investigaciones desarrolladas con tibieza por organismos la FDA, encargada de regular la venta de medicinas en los Estados Unidos. Así como algunos órganos de justicia. Parecen controlar todo y con bastante efectividad.

NO ES FÁCIL CAZAR A LOS PODEROSOS

No es fácil cazar a poderosos y Dopesick así lo plantea. Los empresarios son mostrados como seres capaces de recurrir a cualquier artimaña para defender su producto y principalmente sus ganancias. Mientras del otro lado hay pocos que buscan justicia y sancionar a estos criminales.

En la vida real la empresa ha sido juzgada y obligada a pagar una indeminización por más de seis mil millones de dólares. Además que el nombre de la familia fundadora de esta farmacéutica, los Sackler, ha sido retirada de todas las instituciones que recibieron sus donaciones en nombre de la ciencia. En acto público este clan deberá pedir perdón a las víctimas de sus creaciones medicinales.

Dopesick sirve para conocer un poco más como funciona este negocio de las farmacéuticas que tienen más de lucrativo que filantrópico. Disponible en Star+.

Will Smith y la bofetada que borró la ceremonia del Oscar

Vaya que la bofetada del actor, Will Smith, al comediante, Chris Rock, dejó a todos en shock. La agresión vista en vivo en todo el mundo rompió la inercia en que se desarrollaba la ceremonia de los Óscar, desde Los Ángeles.

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Chris Rock apareció para presentar al ganador a mejor documental del año y antes de anunciarlo hizo una broma que no gustó a Smith. Rock dijo que la esposa de Smith, la también actriz Jada Pinkett Smith se parecía a G.I. Jane, nombre de una película dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Demi Moore.

En esa cinta Moore aparece sin cabello como la esposa de Smith. El chiste celebrado por la mayoría de asistentes a la ceremonia generó al incomodidad de la actriz y la inesperada reacción de Smith.

Will Smith subió al estrado y le dio a Rock una bofetada que dolió a todos. Luego volteó y regresó a su asiento. Mientras caminaba se escuchaba algunas risas. En ese momento se pensó que se trataba de una escena sacada de un guion para ganar audiencia. Pero la ficción empezó a desaparecer de escena cuando desde su asiento, Smith gritó dos veces: “Keep my wife’s name out of your fucking mouth!” (Mantén el nombre de mi esposa de tu maldita boca). Detrás de Smith, la actriz, Lupita N’yongo, ponía una cara de real sorpresa que representaba a todos los cinéfilos y curiosos que veían la ceremonia.

NO FUE FAKE

Rock no dejaba de sonreir, luego del golpe. Incluso se le veía la cara volteada y continuó con su papel de anunciar al ganador en la categoría documental que recayó en El verano del soul.

Desde ese momento las redes sociales despertaron, luego de una densa ceremonia iniciada dos horas antes del golpe. Los periodistas en Estados Unidos hicieron su trabajo y confirmaron la agresión. No fue fake. Cuando pensamos que ya lo habíamos visto todo en vivo y en directo pasa esta situación protagonizada por uno de los actores más venerados a nivel mundial.

Vídeos publicados por Twitter revelarían a Smith llorando, mientras Denzel Washington se lo llevaba a un lado para conversar con él. Luego, más calmado, se sentó junto a su esposa, a quien no le soltaba la mano.

POR QUÉ SE MOLESTÓ SMITH

La reacción de Will Smith se debería a que su esposa padece un problema de alopecia, pérdida de cabello, que la llevó a hablar públicamente sobre este problema y tomar la decisión de quitarle el cabello.

Todo continuaba como si no hubiera pasado nada. Nadie hacía mención de ese momento. Ignorando la bofetada como la guerra entre Ucrania y Rusia, solo señalada por Francis Ford Coppola en su discurso.

Por cierto esta actuación de Will Smith opacó tremendamente el homenaje organizado por la Academia a El Padrino por sus 50 años de estreno. Minutos después de esa bofetada se hizo esta presentación que motivó la aparición de Francis Ford Coppola, Al Pacino y Robert DeNiro en escena para recibir el respeto del público aún con la cabeza en el golpe de Will Smith.

GANÓ EL OSCAR

Will Smith subiría luego a recoger su Óscar, el primero de su carrera, convirtiéndose así en el primer actor en recibir el premio de la Academia tras golpear a un presentador. Pero no ganó por esa bofetada, la interpretación más real de su carrera. Sino por su protagónico en la película Rey Richard, un biopic correcto sobre el padre de las hermanas Venus y Serena Williams, Richard Williams.

No dejó de llorar durante su discurso. Apeló a su personaje de Rey Richard para señalar «que haría lo necesario para proteger a su familia». Además de presentar disculpas a la organización y audiencia.

Ya no se habla del Óscar, sino de la bofetada propinada por Will Smith. Pero esta escena describe lo malo que fue esta ceremonia. Una edición previsible, sin ninguna sorpresa, ni cambio. Reconocieron a Coda como mejor película, un filme bueno, pero no el mejor en la lista de diez candidatas. Por encima de esta cinta estaba El poder del perro, West Side Story y Drive my car. Pero la Academia no siempre reconoce a la mejor, sino a la que mejor conecta y emocione, aunque envejezca más rápido que sus rivales.

PREMIOS DISCUTIBLES

También discutibles las elecciones como mejor guion original y adaptado. Los académicos escogieron a Belfast y Coda, respectivamente, cuando había mejores trabajos como Drive my car, La hija perdida, El poder del perro y La peor persona del mundo. Del mismo modo generó controversia que no se haya elegido a Flee, como mejor documental, al hablar de la historia animada de un refugiado en Europa. Otro premio que generó críticas en redes sociales fue Encanto como mejor cinta animada. Mejor opción era The Mitchells vs. las máquinas. 

Fue una ceremonia larga cuando el objetivo era recortarla. Por eso excluyeron a algunas categorías de la transmisión televisiva que luego las incluyeron con similar cantidad de tiempo, una contradicción.

Los momentos a destacar fueron quizás reunir elencos de actores de películas emblemáticas como Tiempos Violentos, Juno y El Padrino.

Pero igual a estas alturas a nadie le importa si la ceremonia fue buena o mala, sino el golpe de Smith, una situación que no merece ningún aplauso.

LA LISTA DE GANADORES

Dune ganó seis Oscar, todos obtenidos en las categorías técnicas. Coda recibió tres trofeos. Los ojos de Tammy Faye, dos. Jane Campion ganó como mejor directora; el año pasado también ganó una mujer, Chloe Zao.

Troy Kotsur es el primer actor sordo en ganar un premio de la Academia. Ariana de Bose ganó por su papel de Anita en West Side Story, un papel que también le dio el premio a Rita Moreno por la misma película en 1961. Coda se convierte en la primera película producida por un servicio de streaming, Apple TV, en ganar el premio mayor.

  • Mejor película: Coda
  • Mejor dirección: Jane Campion por El poder del perro
  • Mejor actor: Will Smith por Rey Richard
  • Mejor actriz: Jessica Chastain por Los ojos de Tammy Eye
  • Mejor actor de reparto: Troy Kutsur por Coda
  • Mejor actriz de reparto: Ariana de Bose por West Side Story
  • Mejor guion original: Belfast
  • Mejor guion adaptado: Coda
  • Mejor película internacional: Drive my car
  • Mejor cinta animada: Encanto
  • Mejor documental: El verano del soul
  • Mejor edición: Dune
  • Mejor fotografía: Dune
  • Mejor banda sonora: Dune
  • Mejor diseño de producción: Dune
  • Mejor maquillaje: Los ojos de Tammy Faye
  • Mejor vestuario: Cruella
  • Mejor sonido: Dune
  • Mejores efectos visuales: Dune
  • Mejor corto documental: La reina del basquetbol
  • Mejor corto de acción: El largo adiós
  • Mejor corto de animación: El limpiaparabrisas

Oscar 2022: Las apuestas finales al premio de la Academia

A días de la celebración de una nueva edición de los premios Oscar 2022, El poder del perro de Jane Campion y Coda de Sian Heder aparecen como las favoritas a mejor película.

Las dos provienen de dos estudios de streaming: Netflix y Apple TV, y es la primera vez que los filmes de dos directoras disputan el premio mayor del Oscar.

Coda no aparecía en las apuestas, pero luego de su victoria en el sindicato de productores (PGA) que suele coincidir con los ganadores del Oscar y utiliza el mismo sistema para designar a los ganadores, empezó a figurar en las quinelas en los expertos en Estados Unidos.

MEJOR ACTRIZ

También se espera una sorpresa en la categoría a mejor actriz, el apartado más difícil predecir de la temporada. Jessica Chastain por Los ojos de Tammy Faye y Penélope Cruz de Madres Paralelas tienen la primera opción de ganar el premio en esta categoría. Chastain no ganó el Oscar, mientras que Cruz sí se lo ha llevado por Vicky, Cristina y Barcelona de Woddy Allen, como actriz de reparto. Si gana sería la primera vez que lo haga como actriz principal. Junto a Cruz, su esposo Javier Bardem está también nominado a mejor actor por su trabajo en Being Ricardos.

Penelope Cruz empezó a despuntar en los últimos días por un papel que parece haber conmovido a muchos. Sin embargo Chastain retrata un personaje que polariza en una película que ha gustado a pocos.

CATEGORÍAS CANTADAS

Hay categorías en que ya se conoce a los ganadores. Jane Campion como mejor directora; Will Smith como mejor actor. La victoria de Smith supondría que luego de casi 15 años, un actor negro se lleva el premio en esta categoría. El último fue Forest Withaker por El último rey de Escocia.

Troy Kotsur, actor sordo, ganaría el Oscar 2022 a mejor actor de reparto por Coda. Desde 1987 que no gana un intérprete con esta discapacidad. La última fue Marlee Matlin, la compañera de reparto de Kotsur. Mientras que Ariane de Bose vencería en el apartado de actriz de secundaria. Sorpresa sería que venza en esta categoría Kirsten Dunst por El poder del perro.

Se espera que Dune recoja la mayoría de premios en las categorías técnicas como: efectos visuales, sonido, banda sonora por el trabajo de Hans Zimmer (no gana el Oscar desde 1994 por El rey león), edición, diseño de producción. Podría ganar en fotografía, pero tiene como rival a Ari Wegner por El poder del perro. Si gana Wegner, sería la primera mujer fotógrafa en ganar la categoría.

El año pasado hubo algunas sorpresas en el Oscar. Se espera lo mismo en esta edición. Más aún con una Academia más internacional. Casi el 20% proviene de otros países fuera de Estados Unidos (mientras que el 40% no eran académicos el 2015). Con una cantidad de miembros que supera los 9 mil. Lo que se espera es más decisiones arriesgadas (como la victoria de Parásitos) y menos conservadoras como en anteriores ediciones. Pero principalmente que se reconozca a lo mejor del cine.

LAS APUESTAS FINALES

  • Mejor película: El poder del perro/Coda
  • Mejor dirección: Jane Campion por El poder del perro
  • Mejor actor: Will Smith por Rey Richard
  • Mejor actriz: Jessica Chastain por Los ojos de Tammy Eye/ Penelope Cruz por Madres Paralelas
  • Mejor actor de reparto: Troy Kutsur por Coda
  • Mejor actriz de reparto: Ariane de Bose por West Side Story
  • Mejor guion original: Belfast/Licorice Pizza
  • Mejor guion adaptado: El poder del perro/Coda
  • Mejor película internacional: Drive my car
  • Mejor cinta animada: Encanto
  • Mejor documental: Flee/El verano del soul
  • Mejor edición: Dune
  • Mejor fotografía: El poder del perro/Dune
  • Mejor banda sonora: Dune
  • Mejor diseño de producción: Dune/El callejón de las almas perdidas
  • Mejor maquillaje: Los ojo de Tammy Eye
  • Mejor vestuario: Cruella
  • Mejor sonido: Dune
  • Mejores efectos visuales: Dune
  • Mejor corto documental: La reina del basquetbol
  • Mejor corto de acción: El largo adiós
  • Mejor corto de animación: Robin, Robin

 

Banda sonora de Batman: escucha las melodías de la película

El compositor detrás de la banda sonora de Batman de Matt Reeves y protagonizada por Robert Pattinson, también apuntó sus melodías en Spiderman: Sin regreso a casa. Se trata del reconocido Michael Giacchino quien por primera vez compone el soundtrack para una película de DC Comics.

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Si te gustaron los temas de Batman, pues el responsable de esta música es Giacchino, ganador del Óscar por su buena música en Up, y nominado por la banda sonora de Ratatouille.

Le ha puesto la música a muchas películas animadas como Intensamente, Cars, Zootopia, Los increíbles. También a las tres películas de Spiderman con Tom Holland.

No ha sido fácil componer para esta película, más aún cuando existe una buena banda sonora compuesta por Hans Zimmer reverenciado por los seguidores de las aventuras del Hombre Murciélago.

Te dejamos la banda sonora de Batman en Spotify y YouTube.

THE BATMAN

CATWOMAN

THE RIDDLER

Más de la música de Batman en este link AQUÍ

Batman: crítica a la película de Matt Reeves

La venganza es la idea central de la nueva Batman (The Batman), dirigida por Matt Reeves, y protagonizada por Robert Pattinson. Pero esta premisa se aborda desde sus efectos en una persona.

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Batman siempre ha sido un personaje lleno de ira, debido al asesinato de sus padres. En Batman Inicia de Christopher Nolan, vemos en la primera hora un personaje carcomido por el resentimiento y llevado por la vida a vengarse de los autores de la muerte de sus progenitores. Un hombre enojado convencido que todo acabará cuando finalice a los responsables de este crimen, como en esta película.

En este filme tenemos a un Bruce Wayne enojado, pero controlado, sin embargo se presenta al Acertijo como si fuera un Batman dominado por sus resentimientos.

Este villano, al igual que Batman, tiene el objetivo de limpiar Gótica de los corruptos, pero a su manera. El hombre murciélago quiere castigo para estos criminales, bajo las leyes de la ciudad. El Acertijo también, pero bajo sus reglas.

Incluso las motivaciones de sus rencores son similares. Ambos son huérfanos. Pero Batman controla su rabia. Su enemigo no. El Acertijo es un hombre gobernado por sus resentimientos. Dotado de una superioridad moral capaz de juzgar a todos.

Solo al final Bruce Wayne se da cuenta que la venganza no es el camino, ni mucho menos un motivo de inspiración. Lo interesante en esta película es que el hombre murciélago evoluciona y termina más maduro, sereno y hasta enamorado. El Acertijo progresa, pero hacia abajo.

LA PELÍCULA

Matt Reeves dirige una película con un protagonista más detective, investigador, que tiene al frente a un enemigo que siempre va por delante de él. Que no le llega anticipar ninguna jugada, ni siquiera al final. Batman llega cuando todo está resuelto, solo para mitigar efectos y evitar consecuencias devastadoras.

La historia se desarrolla con un nivel técnico bastante bueno. Destaca la banda sonora, diseño de producción, fotografía y hasta el sonido.

Gracias a estos elementos nos regala una de las escenas más espectaculares de la película utilizada para presentar en sociedad al batimóvil. La toma protagonizada por el hombre murciélago y el pingüino, otro de los villanos de la película, es sencillamente extraordinaria. Hay una excelente combinación de iluminación, música, interpretación y sonido. La escena transmite una sensación de claustrofobia gracias a sus tomas cerradas sobre los actores protagonistas dándonos la oportunidad de imaginar que estamos dentro de ambos vehículos. Esa es una de las mejores secuencias de la película.

Por este aporte técnico es que no se percibe mucho las tres horas de duración de la película. Hay un buen equilibrio entre el diálogo y las escenas de acción para mantener activo al público.

SEVEN Y BATMAN

batman
Seven con Brad Pitt y Morgan Freeman de David Fincher.

También hay que decir que hay una clara referencia de la película a Seven: Los 7 pecados capitales de David Fincher, película de 1995, protagonizada por Brad Pitt y Morgan Freeman. Hoy disponible en HBO Max, en Latinoamérica. Los planteamientos son similares: detectives cazando criminales. Incluso el diálogo utilizado en la secuencia en que un auto irrumpe en un velorio es idéntico a uno de Seven. No obstante se hace notar la ausencia del realismo de Seven en esta película de superhéroes.

También habría similitudes con Zodiaco, otra cinta de Fincher, donde el criminal daba pistas a la policía con crucigramas. En música parecer haber una referencia en el tema «Meow and you and everyone we know» a Gotham Reckoning de la banda sonora de El caballero de la noche asciende.

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Hay espectadores pendientes a si esta película es mejor o no a El caballero de la noche de Christopher Nolan. Los planteamientos son diferentes. Las visiones de Batman son distintas. Lo que debería alegrarnos es que haya pocas cintas malas de este personaje, sino buenas propuestas que terminan por influir en otras cintas del género.

Vayan a verla al cine. Altamente recomendable (si la ven subtitulada, mucho mejor).

 

Crítica a Flee, documental nominado al Óscar

El documental animado, Flee, ha conseguido tres nominaciones al Oscar 2022: mejor película internacional en representación de Dinamarca, mejor cinta animada y mejor documental.

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Flee es una película de animación que cuenta la historia de un refugiado de Afganistán en Dinamarca. La película se basa en un episodio real, aunque se guarda la identidad del protagonista, bautizado como Amin.

El documental describe el tormentoso camino seguido por Amin para encontrar algo de paz en su adultez. La crisis de su país en Afganistán lo obligó junto a su familia a dejar ese país y refugiarse en Rusia en época en que mandaba el comunismo.

Empujado por las difíciles circunstancias en que vagaba esa nación, Amin junto a su madre y hermanos decidieron probar suerte en otras naciones europeas. Llegaron a Rusia, pero no encontraron la paz soñada. Intentaron otro destino y debido a su estatus de ilegal pactaron con traficantes para llegar a esos países. Estos viajes colocaban su vida cerca al abismo y con un pie en una tumba. Aunque el viaje de Amin y su familia es duro, se siente una recompensa a medias al final, un epílogo agridulce que lo otorga una nueva oportunidad.

Flee aborda uno de los muchos testimonios de migrantes que abandonan sus países de origen en busca de un mejor destino. La historia resulta triste, conmovedora y valiente.

Pero Amin no solo huye de su país, sino también de su identidad sexual. Es homosexual, una orientación inaceptable en una familia musulmana. Sin embargo, dada la situación de su familia no es momento de develar este secreto, sino sumar fuerzas para encontrar el paraíso prometido. En esta triste aventura Amin deberá esconderse y priorizar objetivos en este caos.

ANIMACIÓN

La animación facilita no solo ocultar la identidad del personaje central, sino también la narración. Una cinta animada se toma muchas licencias para describir emociones y exponer temores, para hacer fluir mejor la historia. Esta propuesta se presenta como un valor agregado al testimonio de este refugiado.

Flee es un documental que merece verse en momentos en que no decae ese sentimiento aintimigrante avivado muchas veces por políticos ambiciosos y necesitados de popularidad para mantenerse vigente ante sus despistados electores. Este documental nos hará recordar que jamás quisiéramos estar en los zapatos de un refugiado.

Crítica a Licorice Pizza de Paul Thomas Anderson

Licorice Pizza es una comedia romántica divertida que se aleja del molde comercial del género.

La película cuenta la historia de dos jóvenes que casualmente se conocen en la fila de espera de un colegio para la sesión fotográfica de un álbum de promoción escolar. Gary aprovecha una oportunidad para hablar con Alana quien parece poco interesada en el adolescente. Pero la convicción y seguridad de Gary terminan por convencer a Alana de salir por primera vez juntos. El interés de Alana es inmediato. Se nota en su rostro cuando se percibe interesada en el adolescente.

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A partir de esa primera cita suceden una serie de eventos divertidos, peculiares y ocurrentes que terminan por compenetrar más a la pareja.

El romance va contándose con la música de los 70, un elemento recurrente en películas estrenadas en los últimos años, apelando a una nostalgia que ha tenido buena respuesta, hasta ahora, del espectador.

Además de una buena fotografía, como siempre ha caracterizado a las películas de Paul Thomas Anderson.

Pero en Licorice Pizza destaca, por encima de todo, el buen trabajo de Alana Haim. Conocida más por su música en la banda Haim, que por su actuación, siendo este su debut en el séptimo arte. Su trabajo es brillante y se convierte en el motor de toda la película. La diversión nace de ella con un personaje honesto, directo, franco, pero enamorado, aunque intente poner una barrera, una y otra vez, para no caer en los encantos del joven Gary. Su interpretación se parece a roles como Lady Bird.

Gary, interpretado por Cooper Hoffman, hijo de Philip Seymour Hoffman, también ofrece una buena interpretación. Entregando a un joven decidido y seguro.

Las dos interpretaciones merecían un espacio en las nominaciones al Óscar (ya que estamos en esta temporada), pero fueron obviados del quinteto nominado por la Academia.

Licorice Pizza no es precisamente uno de los mejores trabajos de Paul Thomas Anderson, pero tampoco es que sea regular o malo. Se siente divertida, ligera, bien actuada, pero lejana a trabajos como El hilo fantasma, Petróleo Sangriento o The Master. Lo que no es, es una típica comedia romántica, vacía y telenovelesca.

Crítica a El callejón de las almas perdidas de Guillermo del Toro

Guillermo del Toro hizo de los monstruos sus personajes favoritos a lo largo de su filmografía. En El callejón de las almas perdidas (Nightmare Alley) no hay estas criaturas, pero sí humanos que parecen encerrar monstruos.

Esta película es un remake de la película estrenada con el mismo nombre en 1946. Además que es una adaptación del libro homónimo publicado también en 1946.

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Desde el anuncio del rodaje de esta película llamó la atención por la presencia de Guillermo del Toro en el proyecto. Una película que lo regresa al cine luego de su exitosa La forma del agua que lo llevó a ganar el Óscar, por primera vez, a mejor director. El filme, también, tomó la estatuilla como mejor película. Pero el proyecto cinematográfico también ganó titulares, porque la cinta tiene en el elenco a Bradley Cooper, Cate Blanchett, Roney Mara, Willem Dafoe, Toni Collete, David Strathairn, Richard Jenkis, entre otros. Intérpretes reconocidos en la industria hollywoodense.

Entonces esperando a lo que Del Toro podía proponer se aguardó con expectativas altas este proyecto.

El callejón de las almas perdidas no es precisamente una buena obra como La forma del agua o El laberinto del fauno, la mejor de sus películas. Pero es una cinta que no falla, principalmente a nivel técnico. Ofrece una buena fotografía y diseño de producción, como lo han mencionado otras críticas.

Pero también, sobre todo hacia el final, presenta las miserias de los humanos por conseguir todo lo que sus ambiciones tejen en sus cabezas. No importa sacrificar el amor o la amistad. Lo importante es salirse con la suya cueste lo que cueste, aunque sea solo por placer.

Al inicio hay una muestra de esa moral sin límites. Aunque se percibe como una larga introducción para conocer las motivaciones de los personajes, ya te va adelantando lo que viene y presagiando el final de esta novela oscura.

Cooper está bien en esta película. Hay un buen trabajo con Cate Blanchett en el epílogo de El callejón de las almas perdidas. Se observa química entre ambos personajes, pero hacia la toma final, Cooper muestra con acierto las consecuencias de los actos de su personaje, llevándolo a un camino oscuro y sin esperanza.

Del Toro se luce a nivel técnico, pero también en esas escenas violentas. Ahí está su sello. Alguna vez dijo que buscaba en esas tomas que el público también percibiera dolor, como si le hubiera pasado a ellos y no a los personajes. Lo logró en sus anteriores películas y también en El callejón de las almas perdidas.

La mayoría de monstruos del cine de Del Toro son seres amables que no tienen miedo a interactuar con los humanos. Pero los monstruos de esta película son oscuros y dan temor.