Ártico es una película de supervivencia. Un accidente de avión deja en abandono a un pasajero en una tierra congelada. Alejado de la civilización y con pocas opciones de contacto con el mundo exterior.
Debe comer pescado crudo, deshielar agua o tragarse el hielo puro para mantenerse vivo, mientras busca señales de cualquier nave de rescate. Lleva varios días allí. Porque su cuerpo empieza a manifestar fatiga. Tiene los labios rajados y los pies destrozados.
El riesgo tomado por el protagonista es mínimo. Vive en una zona cercana al accidente. Quizás espera que noten su ausencia y sus rescatistas empiecen a indagar en el lugar donde cayó el avión.
Pero sus planes dan un giro cuando aparece un helicóptero. Los vientos provocan la caída de la nave. Muere parte de la tripulación, pero no una pasajera. Esta situación lo obliga a explorar un sector desconocido a efecto de alcanzar una única vía para regresar con vida a su hogar.
La única sobreviviente del accidente del helicóptero se convierte en el motor de su misión, en el empuje necesario para salvarse. Por esta nueva compañera camina entre la nieve y lleva su cuerpo al extremo.
Este momento es aprovechado por el director para mostrar la belleza de los paisajes helados de Islandia, país donde se grabó la película. Resulta un contraste peligroso: belleza y peligro, un significado encerrado en una sola capa.
HISTORIA CONOCIDA EN ÁRTICO
No es precisamente una innovadora película de supervivencia. Hay muchas películas así. El personaje sale de su zona confort por un esperanza de vida y es llevado a sus límites para alcanzarla. Solo cuando su espíritu y físico es destrozado al límite, llega al objetivo, tal como ocurre con Ártico.
La fortaleza de la cinta está en la buena actuación de Mads Mikkelsen y en el panorama ofrecido por la salvaje Islandia. No obstante el filme resulta entretenido. Se deja ver.
Mi amigo fiel (You’ve get a friend in me) es la canción de Toy Story. El tema de Randy Newman acompañó las aventuras de Woody a lo largo de estas historias. Se lanzó por primera vez en 1996. Y luego ha tenido varias versiones. Incluso una en flamenco, incluida en la segunda película. El tema fue nominada al Óscar en 1996, pero perdió ante la composición de Pocahontas.
Esta es la primera versión de Mi amigo fiel en inglés.
La versión en latino de la canción de Toy Story está a cargo del cantante, Ricardo Murguía. Desafortunadamente falleció en el 2017.
Luego vendría la versión española de la canción de Toy Story de Gipsy Kings.
También hay una versión de Michael Bublé.
LETRA EN ESPAÑOL DE LA CANCIÓN DE TOY STORY «YO SOY TU AMIGO FIEL»
Yo soy tu amigo fiel, yo soy tu amigo fiel. Y si un día, tu te encuentras lejos muy lejos de tu lindo hogar, cierra los ojos y recuerda que yo soy tu amigo fiel, si yo soy tu amigo fiel. Yo soy tu amigo fiel, yo soy tu amigo fiel, ¿tienes problemas? ja! yo también, no hay nada que no pueda hacer por ti estando juntos todo marcha bien pues yo soy tu amigo fiel, si yo soy tu amigo fiel. Tal vez hay seres mas inteligentes, mas fuertes y grandes tambien tal vez ninguno de ellos te querrá como yo a ti, mi fiel amigo. Nuestra gran amistad, el tiempo no borrará, ya lo verás no terminará Yo soy tu amigo fiel, yo soy tu amigo fiel, si yo soy tu amigo fiel.
LETRA EN INGLÉS
You’ve got a friend in me You’ve got a friend in me When the road looks rough ahead And you’re miles and miles From your nice warm bed Just remember what your old pal said Boy, you’ve got a friend in me You’ve got a friend in me You’ve got a friend in me You’ve got a friend in me You’ve got troubles, well I’ve got ‘em too There isn’t anything I wouldn’t do for you We stick together and we see it through You’ve got a friend in me You’ve got a friend in me Some other folks might be A little bit smarter than I am Bigger and stronger too Maybe But none of them will ever love you the way I do It’s me and you And as the years go by Boys, our friendship will never die You’re gonna see It’s our destiny You’ve got a friend in me You’ve got a friend in me You’ve got a friend in me
También te dejamos la banda sonora de Toy Story 4 a cargo de Randy Newman.
Woody siempre ha lidiado con el temor de los juguetes: ser descartado por su dueño. Los niños se encariñan con sus peluches o carritos, y luego los desechan. Si el juguete tiene suerte, termina donado a otra familia con niños, sino, los osos terminan con el relleno fuera o los autos sin un par de llantas y despintado. Este ha sido el miedo de Woody a través de todas las películas de Toy Story. Toy Story 4 no ha sido la excepción a la regla.
En la primera película se enfrentó a Buzz Lightyear por el cariño de Andy; le atemorizaba ser desplazado por este moderno astronauta. Luego en la secuela su temor resucitaría cuando se ve apartado en una repisa, lleno de polvo, y su depresión pasajera lo llevaría a pensar en una jubilación en un museo. En la tercera lo agobia la separación de sus amigos. En Toy Story 4 reaparece el mismo miedo.
La nueva niña juega con todos menos con él. Gusta más de la mujer cowboy, Jessie, a Woody. Incluso el traje del vaquero genera pelusas por su poco uso. El destino de los juguetes parece inevitable. Serán echados a un lado u olvidados en una caja sucia de cartón. Woody no lo quiere aceptar.
Pero en esta nueva película le llega una oportunidad, no solo de servir a más pequeños, sino también de adueñarse de su vida: enamorarse y tener una familia.
Sus amigos fueron su soporte. Los mejores aliados en misiones. Sin embargo llegó el momento de partir e iniciar un nuevo camino. Hay una ruptura, pero no es dolorosa, menos dramática. Porque sus compañeros están seguros que le irá bien, y ellos estarán bien.
A Woody se le siente seguro. No como en la segunda película cuando lo intentaron convencer que el museo era una buena opción, o en la tercera cuando Andy iba a llevárselo a la universidad. A qué niño iba a cuidar en el campus. A esta altura de la historia, el vaquero está convencido gracias a una oportunidad de amar y servir a su misión.
EL PROPÓSITO DE TOY STORY 4
Nueve años de la buena Toy Story 3, llega Toy Story 4, acaso la última, de esta exitosa trilogía, para cerrar sin dramas la historia del inseguro Woody. Aquí hay una mayor reflexión de los juguetes y su destino. Incluso hay una mejor comprensión a los personajes antagónicos. No son malos porque sí, sino tienen una motivación y derecho a disfrutar de la calidez de un niño, así sea antiguo o pasado de moda.
En las dos anteriores, los villanos se veían tiernos. Quién podría desconfiar de un abuelo o un oso de peluche. Incluso sus acciones de supervivencia a cualquier costo podrían justificarse. Pero la historia los hizo más malos, sin darles oportunidad a redimirse, como esta nueva película.
Además se subraya la importancia de los juguetes en la superación de miedos de los pequeños. Los hacen más fuertes y frontales ante sus temores.
MENOS ACCIÓN MÁS REFLEXIÓN
Toy Story es una franquicia de acción. Principalmente en la segunda y tercera película, donde se describen escenas obvias de Star Wars y algunos guiños a Misión Imposible. Pero esta cuarta, si bien tiene su dosis de tensión, no llega al nivel de las dos cintas expuestas. Quizás porque el final debía ser más reflexivo y enfocado en retratar el valor de los muñecos.
BO PEEP LIDERA LA MISIÓN EN TOY STORY 4
Otro punto a tener en cuenta es que la acción está liderada por un personaje femenino Bo Peep. En otras películas Woody planeaba y ejecutaba, ahora Bo Peep soporta el peso de la misión. Se despoja de su pesada e incómoda falda a efecto de desarrollar mejor las estrategias, y se convierte en el motivo principal de la decisión final de Woody.
Además solo se le veía como una delicada muñeca de porcelana, incluso excluida, sin razón en la tercera película. Pero otros son los tiempos y ese tipo de personajes pasivos ya no tienen cabida en el cine.
Tierna, conmovedora, graciosa con una mejor animación, sin traicionar su esencia, así se podría calificar a esta buena película de Toy Story, altamente recomendable.
Un mes interesante se viene en julio para los estrenos Netflix. Llegan las nuevas temporadas de La casa de papel y Stranger Things. También asistiremos al final de temporada de Orange is the new black. También películas como Blade Runner: Corte final y Réquiem por un sueño.
La casa de papel (19 de julio)
Después de conseguir huir con los mil millones de euros de la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre, El Profesor recibe una llamada: uno de los miembros de la banda ha sido capturado. La única manera de rescatarlo, y de proteger el paradero secreto de los demás, es volver a reunirlos a todos para llevar a cabo un nuevo atraco, el atraco más grande jamás pensado. Uno de los títulos destacados en los estrenos Netflix.
Desde ratas rabiosas y espías soviéticos hasta un nuevo refresco y un deslumbrante centro comercial. Es el verano de 1985 en Hawkins y se avecinan grandes cambios.
Orange Is the New Black: Temporada 7 (26 de julio)
En la temporada final, Piper enfrenta un nuevo desafío: adaptarse a la vida más allá de Litchfield.
RuPaul’s Drag Race: Temporada 10 (1 de julio)
¿Quién se llevará la corona? Catorce reinas se preparan para dejar todo en el escenario y brillar en una nueva temporada llena de glamour, chismes y celebridades.
Blade Runner: The Final Cut (01 de julio)
En una Los Ángeles distópica y asfixiante, el ex Blade Runner Rick Deckard debe regresar al servicio activo para retirar a cuatro réplicos que escaparon de las colonias.
Capitán Fantástico (01 de julio)
Un padre que ha criado a sus hijos en la naturaleza comienza a cuestionar su visión utópica cuando una trágica pérdida los lleva a unirse a la sociedad.
Réquiem por un sueño (01 de julio)
La creciente dependencia a las anfetaminas de una viuda y un programa de TV de autoayuda muestran un paralelismo con las dificultades de su hijo drogadicto y su novia.
Mente indomable (01 de julio)
Cuando los profesores descubren que un joven encargado de la limpieza es también un genio de las matemáticas, un terapeuta decide ayudarlo a enfrentar sus demonios.
Parchís: El documental (10 de julio)
Conoce todo sobre Parchís, la banda infantil española de los ochenta, a través de entrevistas a sus ex miembros y colaboradores, imágenes de recitales y mucho más.
El contador de Auschwitz (01 de julio)
En 2015, comienza el juicio a Oskar Gröning, un exmilitar alemán de 94 años, por su complicidad en la muerte de más de 300 000 personas en Auschwitz.
Sing: ¡Ven y canta! (28 de julio)
Un koala muy optimista intenta salvar su teatro con un concurso musical en el que participan una tímida elefanta, un joven gorila y una estresada cerdita, entre otros.
Chernobyl generó más consenso que el final de Juego de Tronos. La mayoría coincide en calificarla como una buena miniserie de HBO, pues no le falta razón.
Ese camino resulta revelador. Porque se muestra, en primer lugar, una incompetencia gubernamental contagiada de soberbia, incapaz de responder a una tragedia superior a la sucedida en Hiroshima.
Si al momento de esa explosión se limitó y censuró información, en la miniserie no. Aquí se describen autoridades responsables de tomar decisiones minimizando el desastre a efecto de no dañar la imagen del país cayendo en la ridiculez de soslayar voces científicas y cuestionar mandatos absurdos.
Lamentablemente burocracia combinada con incapacidad (o son sinónimos) resultan una poción letal para el pueblo en cualquier punto del mundo, y en Rusia se evitó tomar medidas efectivas para protegerlo del veneno emitido desde Chernobyl.
Los rusos no están contentos con el resultado de la miniserie de HBO. Razón no les falta. Pues se ven en la pantalla chica como un aparato estatal de pocos reflejos, nada empático y preocupado más por la idea de una nación superpoderosa a un sistema vulnerable a cualquier desastre, como ocurre en cualquier otra nación. La defensa de un país fuerte y eficaz, vigente en mentes burocráticas fantasiosas, pudo más.
Chernobyl resulta revelador porque pone en vitrina estas graves deficiencias. La idea queda clara: el Estado no hizo su trabajo. Pero para balancearla se contrasta con muestra de heroísmos de población consciente del peligro reinante por esos años. Quienes, en unos casos, enfrentaron, aunque sea poniendo en riesgo su vida, este desastre para evitar consecuencias mayores. El pueblo tiene más instinto que un político.
LA RADIACIÓN TIENE CUERPO
La historia se apoya en un hecho real investigado por diferentes fuentes, pero no se censura al momento de mostrar los daños de la radiación. El buen libro de la periodista bielorrusa, Svetlana Aleksiévich, «Voces de Chernobyl», recolectó testimonios de pobladores afectados por el desastre de Chernobyl durante dos décadas.
En el texto se lee a vecinos o profesionales renuentes a creer en la existencia de la radiación. No la ven. Por eso se crean mitos. Se le atribuye colores, como un polvo negro.
Sin embargo en la miniserie estas emisiones tienen presencia. Porque asistimos a sus terribles efectos, al proceso de descomposición de los cuerpos heroicos enfrentados sin ningún tipo de protección al poder de Chernobyl. El drama se contagia de unas dosis de terror con estas imágenes. Pero es una lástima, el heroísmo es inútil para detener el avance de las emisiones nucleares.
Y también profundiza el horror cuando los militares van a cazar perros, gatos o cualquier mascota porque llevan la radiación de Chernobyl. La escena final con los cuerpos arrojadas desde un camión resulta trágica.
Pero el tratamiento es el mismo con los muertos humanos. No se les debe velar y la tierra no es suficiente para enterrarlos, sino se requiere de una gruesa capa de concreto para evitar la salida de Chernobyl desde el ataúd.
LO POSITIVO ES UN ENGAÑO EN CHERNOBYL
En la miniserie no hay tiempo para momentos positivos. Y los que hay, maquillan el drama. Son mentiras. Los vecinos deben dejar su hogar. Pero no quieren. Suponen una escena similar a anteriores guerras como la Segunda Guerra Mundial. Pero no es así. En este caso, la situación es terrible. Al enemigo ni se le ve, ni entiende. Por eso deben marcharse. Pero la terquedad puede más. En esa coyuntura la nostalgia y apego a la tierra juega en contra de sus posibilidades de vida.
Algunos pasajes del libro Voces de Chernobyl se adaptan a los episodios de la miniserie. Si te pareció inverosímil alguna escena, pues lee esta obra. Porque la ficción se queda corta al lado de esta terrible realidad.
La miniserie de Chernobyl se cuenta en cinco buenos episodios. En pocas palabras: reveladora apoyada en buenas actuaciones describiendo efectos devastadores sin mordaza. Altamente recomendable. Está disponible en la aplicación de HBO Go.
El 2018 tuvimos la biografía dulzona de Freddie Mercury en el cine, y ahora tenemos otra versión edulcorada de Elton Jhon bajo el nombre de uno de sus temas populares, Rocketman.
La película presentada, primero, en el festival de Cannes, y ahora en los cines, está protagonizada por el joven actor, Taron Egerton. Abarca desde la niñez de Elton John, donde se aborda sus malas relaciones, principalmente, con su padre. Luego se expone su genialidad y ascenso en la música. Viene la caída de la estrella y termina con un nuevo ascenso, y la transición hacia una vida más plena y calmada.
El maquillaje y peluquería complementa el trabajo de Egerton con una voz escuchada anteriormente en la cinta animada Sing. En esta película Taron Egerton interpreta otro de los populares temas de Elton John, I still standing. En la película vuelve a entonar estas letras, pero con otra versión.
Rocketman es un musical. Funciona igual (a veces me hacia recordar a Moulin Rouge) Hay diálogo, coreografías, colores, utilizando letras de las canciones para profundizar en las emociones del personaje. No solo se limita a ver al protagonista en un concierto, sino que en un bar, restaurante o en la calle, se monta un espectáculo y se baila, y canta, al ritmo de Elton John. Esta es la principal fortaleza de la película, porque queda bien. Se disfruta. Incluso sino conoces mucho al cantante.
ROCKETMAN VS. BOHEMIAN RHAPSODY
Pero salvo este punto a favor, no hay mucha diferencia con Bohemian Rhapsody, estrenada en el 2018. La historia se ejecuta con corrección. Sin maltratar demasiado al protagonista (Elton Jhon es uno de los productores de la película). Además que la narración es similar: Ascenso y caída de una estrella.
A favor de Bohemian Rhapsody está el trabajo de Rami Malek, ganador del Óscar a mejor actor en la última edición. Y un buen número musical expuesto en los últimos minutos de la película. En esa toma se ve el espectacular concierto de Queen «AID Live» de 1985 en Londres. Fue una buena adaptación de esta pieza musical de Mercury. Quizás ese momento le faltó a Rocketman para lucir el trabajo de Egerton.
No obstante, Rocketman resulta una obra entretenida y un resumen de la buena trayectoria musical de Elton John. Disfruten de sus canciones.
Retablo es una sorpresa. Se mantiene en cartelera, aunque solo en Lima y dos regiones del país. Pero convocó una cantidad interesante de espectadores semana a semana.
Los halagos vienen de los críticos, como del consumidor del filme rodado en Ayacucho. El fuerte boca a boca anima a otros a verla y mantenerla en la sala de cine.
Los pulgares arriba son frecuentes para calificar esta película. No es un mal filme. La historia describe una relación padre e hijo y un secreto que pondrá a prueba a la familia.
No es spoiler decir que ese padre es gay. Y casi al final del filme enfrenta una fuerte discriminación y censura de un pueblo, y su esposa. La mayoría de espectadores se ha quedado con este mensaje.
Es una fuerte cinta LGTBI que pone en evidencia la triste realidad de esta comunidad en este país. Gracias a poderosos sectores políticos y religiosos que le ponen zancadillas a la aprobación de derechos de este grupo.
PATERNIDAD EN UN RETABLO
Pero también creo que habla con mucha fuerza de la paternidad. En los primeros minutos vemos un padre amoroso instruyendo a su hijo en el arte de los retablos. En esa escena transmite sus conocimientos para forjar al futuro artesano.
Este vínculo se pone a prueba cuando el mismo hijo descubre el secreto de su padre. Desde ese momento entra en crisis. No sabe qué hacer. Se revela contra su entorno y progenitor.
Pero cuando llega la oportunidad de develar la naturaleza de su papá ante su mamá, no lo hace. Se queda callado. Por lealtad a él.
Y cuando el secreto se destapa, el hijo toma posición, y es hacia su padre. No le importa su orientación, es su papá y estará con él en las buenas y las malas.
El final cierra un círculo y resulta conmovedor. El hijo adquiere, finalmente, los conocimientos del padre. Retrata el entrenamiento de su padre en un retablo y así ratifica su lealtad hacia a él. La historia de su progenitor acaba, y empieza la de él.
Retablo es una película LGTBI, pero con un mensaje fuerte acerca de la paternidad. La historia es bonita, conmovedora y aleccionadora. Recomendable.
Románticas. Cómicas. Musicales. Así se ejecutan historias clásicas de la literatura bajo la mirada de Disney. Todo es posible en este mundo de color y fantasía. “Un mundo en el que tú y yo podamos decidir cómo vivir (…)”, dice uno de los versos de la canción “Un mundo ideal”, pues no. Los libros, insumo de estos edulcorantes relatos, son más duros, en unos casos, y menos dulces, en otros. Aladino es un ejemplo.
Aladinose estrenó hace dos semanas en Arequipa. La primera versión se hizo como dibujos animados. Se lanzó en 1994 con un el plus de una canción a cargo del entonces popular y romántico latino, Ricardo Montaner. Antes este filme hubo un episodio incluido en la serie animada de Popeye de 1936. La película hoy en cartelera es un remake de la versión de 1994.
No se sabe en qué momento cambió el cuento de Aladino, pero la principal fuente se remonta a “Las mil y una noches”, probablemente escrita en el año 850, donde la bella Sherezade entretenía con estas aventuras al príncipe cada noche. Si comparan esta obra con las películas de Disney notarán notables diferencias.
Por ejemplo, en la película Aladino solo puede pedir tres deseos con limitaciones. No puede requerir la muerte de alguien o enamorarse de la mujer de sus sueños. En el texto no hay límites. Aladino pide todo lo que se le viene a la cabeza. Hay una “geniodependencia”.
Además que no es el único genio, porque hay otro que lo ayuda a salir de la cueva donde es encerrado por ese hechicero ambicioso y obsesionada con la lámpara maravillosa. Frota por accidente un anillo llevado en uno de sus dedos y aparece una divinidad. Ese ser lo ayuda a escapar. Más adelante se describe que el genio del anillo es inferior al de la lámpara.
Según “Las mil y una noches”, Aladino no es precisamente un joven dócil o comprensivo con el resto. Sino un muchacho rebelde y egoísta. Mientras su madre buscaba alimentos todos los días, para llenar la mesa empobrecida, desde la muerte del jefe de la familia, padre de Aladino, él se dedicaba a pasar el rato con los amigos. La madre lloraba, pero a Aladino ni le importaba. Hay amor con una princesa. En la película se llama Jasmín, pero en el libro “Badru’l-Budur”. En este caso sí se acepta el cambio. Pero no hay ese romanticismo y juego descrito en la película. La monarca del libro se somete a las decisiones de su padre y se casa el galán de su elección. En este relato la princesa no tiene voz ni voto. Aunque queda claro, después, que Aladino se convierte en el amor de su vida.
Si bien Aladino conquista a su suegro, el sultán, con riquezas, también con su liderazgo en el campo de batalla. Una vez casado con la princesa se convierte en un general ganador de varias guerras. Por esta razón se gana más el cariño del pueblo, y también del papá político.
LA TRISTE HISTORIA DE CUASIMODO
En 1996, Disney se atrevió a adaptar la historia de Cuasimodo, uno de los personajes del buen libro de Víctor Hugo, Nuestra Señora de París, bajo el título de El jorobado de Notre Dame. Una cinta floja sin perder el estilo de Disney y condimentada con el tema de “Sueña” de la entonces megaestrella, Luis Miguel. La obra de Víctor Hugo se lanzó en 1831.
Pero en este caso, las diferencias son enormes. El libro es más duro, crítico de una época, con una protagonista confundida y un Cuasimodo, tosco y sordo, enamorado hasta los huesos.
Según la película, El jorobado de Notre Dame o Quasimodo, vive encerrado en la iglesia Nuestra Señora de París, pero llega un momento en su vida donde expresa su interés por conocer más de la vida en esa ciudad. Cuando decide explorar París conoce a la gitana Esmeralda de quien se enamora. Sin embargo la mujer solo tiene ojos para un capitán. No obstante los tres tendrán que luchar contra un poderoso y cruel juez, quien ve la justicia, no como un valor, sino como un instrumento de poder.
Los acontecimientos descritos en el libro son completamente diferentes. Porque el jorobado ni es tan amable como en la película, ni Esmeralda tan valiente. Además que Cuasimodo estaba sordo por el repiqueo de las campanas que frecuentemente hacía sonar. Por otro lado, Febo, el interés amoroso de la gitana, no es un oficial honorable. Y el final de la obra es más trágico. Y en la película, más motivador.
Si en el filme de Disney, el jorobado se enamora de la gitana, Esmeralda, en una obra de teatro, en el libro la ataca en una calle oscura, junto a un diácono, su amo.
El libro va describiendo el amor de Esmeralda hacia el capitán Febo, quien está más interesado en otra jovencita. Mientras Cuasimodo la empieza a amar en silencio. Lo curioso es que su amo, el diácono, también está enamorado de la jovencita. Parece que los personajes de Víctor Hugo entregan sus corazones a personajes equivocados.
Los finales de estos romances son trágicos. Esmeralda muere ahorcada y el archidiácono lanzado de la iglesia por Cuasimodo. El jorobado va en busca de su Esmeralda, encuentra su cuerpo enterrado en una cripta se echa a su lado y se deja morir. Años después encontrarían dos esqueletos abrazados.
LA BELLA Y LA BESTIA, MADE IN DISNEY
La bella y la bestia se escribió en 1740. Su autora, Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve, escribió este cuento de hadas que inspiró la película de animación de 1991. La versión de Emma Watson se estrenó en el 2017.
El romance se mantiene, aunque más complejo. Una diferencia importante es que ni las tazas, ni los platos hablan. Solo son vajilla.
En la obra, convierten en bestia al príncipe por despecho de un hada. Esta hechicera no soportó que la rechazaran y en venganza lo convirtió en un ser horripilante. Mientras que Bella no es una campesina, sino la hija de la relación entre un rey y un hada, un vínculo prohibido. La misma hada que hechiza al príncipe la rapta y la lleva a un bosque para matarla, sin embargo otra hechicera buena evita el crimen y se lleva a Bella a quien deja a cargo de un comerciante.
Pero ahí no queda la cosa. Como si se tratase de una telenovela, el príncipe y Bella son primos. Cómo así. El papá verdadero de Bella, o sea el rey, es hermano de la mamá del príncipe. Ni Laura Bozzo tiene estos casos.
EL LIBRO DE LA SELVA AL ESTILO DISNEY
El Libro de la Selva es una compilación de cuentos de Rudyard Kipling publicado en 1894. Mereció cinco adaptaciones al cine, incluida la película estrenada en el 2016.
Las adaptaciones cinematográficas se basaron en una sola parte del texto, porque hay varias historias en la obra, que abarca desde la niñez hasta la adolescencia del protagonista Mowgli. Hasta ahora no se adapta lo que hizo en la adultez.
La esencia se mantiene, pero la obra es más oscura y menos infantil que la película. Por ejemplo, en la película Mowgli y el tigre, Shere Khan, se enfrentan en el bosque. Después de una lucha de minutos, el felino cae a una hoguera al no sostenerse de un tronco. En el texto hay varios enfrentamientos.
Una primera donde Mowgli quema al tigre con una flor mágica (así dice el libro) y luego se refugia con los humanos. Y una final donde, con ayuda de una manada de bueyes, aplasta al tigre y sus amigos. Si bien Mowgli vence a sus rivales, ya no regresa a su hogar, por este acto.
Otra diferencia, en el texto, el oso es el maestro, y no el personaje cómico como en la película; la serpiente no es tan mala y la pantera, solo lo protege. Disney tiene una forma de contar estas historias, por eso es interesante y recomendable, ir a la fuente primaria para comparar y decidir qué relato es mejor. Porque hasta con Blancanieves y Cenicienta, Disney nos han sacado la vuelta.
La violencia se hace más creativa en cada película de John Wick. La primera media hora de la nueva película de Keanu Reeves muestra una escena de cuchillos dolorosa, intensa y divertida para el espectador. Quien la mira en la pantalla grande comparte el dolor de los ataque de Wick, pero también lo goza. Hay que admitirlo. Los fans de esta película disfrutaron esos momentos. Esos minutos son buenos y superan a las coreografías vistas en sus anteriores películas.
Y como esta toma hay más. Como aquella en que se agarran a balazos debajo del agua. Los proyectiles no tocan a los protagonistas, pero forman artísticas bolas de agua que dibujan su trayectoria.
LOS PERROS YA NO SON TIERNOS EN JOHN WICK
En la mitad, los perros ayudan a darle acción a esta película. Si en los dos primeros filmes, los canes se limitaban a generar ternura y un ánimo de protección entre el espectador, ahora son más activos, y fieles aliados de Wick. Participan en sus propias coreografías y son igual de letales que un puñal.
La acción es la fortaleza de la película, porque la historia continúa. Se mantiene. John Wick sigue siendo perseguido por iniciar una guerra por su perro y un auto. El dinero compra la lealtad, así que en cualquier esquina hay uno dispuesto a llevarse de encuentro a Wick.
KEANU REEVES ES UN CLÁSICO
John Wick: Parabellum resulta entretenida y un poquito mejor que las anteriores. Además nos recuerda el buen trabajo de Keanu Reeves, su protagonista, a la largo de su trayectoria. Su rostro se asocia a filmes de culto como Matrix, o clásicos como Máxima Velocidad, e incluso El abogado del diablo con Robert De Niro.
Aladino y la lámpara maravillosa es una historia universal. Un relato contado desde niños. Pero narrado con los mismos hechos y personajes. Cuando la historia original tiene otras descripciones.
La historia de Aladino proviene del libro «Las mil y una noches». El texto es un clásico. Tiene como protagonista a la bella Sherezade quien alrededor de mil y una noches va contando una historia. Una de ellas es de Aladino.
Este cuento sirvió de insumo para adaptaciones al cine. Disney estrenó una en 1992 y lo volvió a hacer en el 2019. La serie animada Popeye también se animó a incluir un capítulo dedicado a este personaje.
Las tres historias se cuentan igual, salvo con diferencia de detalles. Pero en relación al original, hay pocas semejanzas.
NO HAY TRES DESEOS CON LA LÁMPARA MARAVILLOSA
En el cine, Aladino solo puede pedir tres deseos. No puede pedir una resurrección o que alguien se enamore de él. Esas son las reglas. Pero en el libro no. La facultad de solicitudes es ilimitada. Cada vez que hay un problema, Aladino frota la lámpara, sale el genio, escucha el requerimiento y en segundos lo cumple. Un buen aliado para el buen Aladino.
ALADINO ES UN PROBLEMA
El personaje de Aladino es excesivamente rebelde y problemático. Su padre, un sastre, muere y deja en la pobreza al muchacho y su madre. No tienen dinero. La madre debe vender lo que tiene para comer, pero eso no le importa a Aladino. El muchacho solo quiere juntarse con sus amigos y realizar travesuras. Mientras que en las películas es un pilluelo, pero inofensivo. Ese Aladino jamás haría llorar a su madre como en el libro.
EL OTRO GENIO DE LA LÁMPARA MARAVILLOSA
Hay otro genio en el libro. Un viejo engatusa al joven para llevar a la cueva que alberga la lámpara maravillosa. Pero antes que Aladino ingrese, le regala un anillo para su protección. Aladino retorna con la lámpara maravillosa, pero no quiere dársela al viejo, porque lo ve molesto. En venganza, ese anciano lo encierra en la cueva.
El joven no sabe qué hacer. Se frota las manos y del anillo sale un genio. Esa divinidad, lo rescata de la cueva.
Ese genio vuelve a aparecer más adelante cuando Aladino pierde la lámpara maravillosa. Pero queda claro, que en el mundo de los genios hay jerarquías. El ser del anillo, no puede deshacer los hechizos del genio de la lámpara. Qué curioso, no.
HAY AMOR PERO NO AL ESTILO DISNEY
Hay un poco de romance en el libro solo que la protagonista no tiene voz. Su padre el sultán le ordena casarse con el hijo de su visir (asesor) y así lo hace. Solo que Aladino interviene, con ayuda del genio, y le hace la vida imposible al joven príncipe en su noche de bodas. Como esa relación no se consuma, entonces procede el divorcio. Meses después Aladino se casa con la muchacha. Luego se describe el amor de la princesa hacia el dueño de la lámpara maravillosa.
ALADINO EL GENERAL
Aladino no solo es rico, gracias a la magia de la lámpara, sino que una vez casado con la princesa, se dedica a liderar las tropas del sultán. Tiene éxito.
CUANDO SE CONOCE LA VERDAD
Cuando se conoce que Aladino no es precisamente un príncipe, el sultán lo condena a morir. Sin embargo la población le tenía cariño, porque solía compartir sus riquezas. Incluso se describe una fuerte protesta y gente escalando el palacio para rescatar a Aladino. El sultán da marcha atrás en sus órdenes y le concede un plazo para recuperar a la princesa. Este episodio se ve en el corto de Popeye.
LA MUERTE DEL HECHICERO
El príncipe Aladino pierde la lámpara maravillosa por culpa de un hechicero. Va en su búsqueda y se la arrebata. El sultán condena a este mago a morir quemado. En el cine, en las dos versiones de Disney, lo convierten en genio y encierran en una lámpara.
EL FINAL DEL GENIO
En el libro, el genio sigue siendo esclavo de Aladino, en las películas es liberado.
FINAL FELIZ
Pues sí. En las películas Aladino se queda con la princesa, al igual que en el libro, solo que tienen un incidente. Un hermano del mago quemado se hace pasar como sanadora. Acude al llamado de la princesa porque no podía concebir. Le recomienda buscar un huevo de un pájaro sagrado.
Aladino entiende la solicitud y se la pide al genio. La divinidad enfurece porque ese pájaro es su Dios. Lo ataca. Se vuelve violento. Pero Aladino le explica y allí le advierte que esa supuesta sanadora no es más que el hermano del hechicero. Se deshacen de él y Aladino con la princesa viven felices con sus hijos.
El cuento es una fábula, pero describe escenas opulentas, mágicas. Es un relato más duro y directo. En el cine la historia es más romántica, divertida y aleccionadora.
