La Voz de Hind Rajab y el drama palestino [Netflix]

Christiaan Lecarnaque
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La Voz de Hind Rajab y el drama palestino [Netflix]

La Voz de Hind Rajab toma un audio real como inspiración para contar la historia de una niña palestina muerta durante un ataque militar israelí.

[ACTUALIZACIÓN: Esta película está disponible en Netflix]

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Hind Rajab, de cinco años, fue asesinada durante un ataque israelí el 29 de enero de 2024. Estaba junto a su familia en un auto intentando huir de la invasión a la Franja de Gaza. Ella pudo llamar a la organización humanitaria Media Luna Roja Palestina para pedir ayuda; sin embargo, en ese interín murió. Además, la ambulancia enviada en su rescate fue atacada por las tropas israelíes.

Entonces, a partir de la grabación de la llamada hecha por la pequeña, se realiza esta película para dramatizar este impactante momento.

La Voz de Hind Rajab toma el punto de vista de los trabajadores de esta organización humanitaria. De esta manera se prioriza, primero, su desesperación por encontrar la ayuda requerida para salvar a la niña. Segundo, hay un retrato de su frustración generada por la respuesta burocrática a sus pedidos.

La Voz de Hind Rajab y el drama

El corazón de esta narrativa está en el drama, más no en el suspenso. En todo momento se observa que se impone la desesperación por encima de cualquier decisión fría. Es que enterarse de que una niña de cinco años está en esta situación condiciona la respuesta de los protagonistas de esta historia, más aún al reparar en que no hay piedad por parte de los antagonistas.

La película no sale de la oficina de los rescatistas. El audio es el actor secundario de una historia liderada por ellos. Del mismo modo, la cinta me hizo recordar por momentos a La noche más oscura de Kathryn Bigelow, protagonizada por Jessica Chastain, sobre todo en el momento en que uno de sus personajes deja mensajes en una de las ventanas.

Esta película es importante y también valiente porque pone en vitrina la actitud indolente de un ejército en el campo de batalla, ya que hablamos de un enemigo sin misericordia. Sin embargo, a veces el drama de los rescatistas retratado en esta película parece ser más importante que la misma víctima, y en ocasiones se alcanzan niveles que podrían distraer de la idea central de La Voz de Hind Rajab. No es una película sobre la niña, sino acerca de ellos.

Pero van ganando espacio historias del drama palestino en el cine, como el documental No Other Land, estrenado en 2025, que ayudan a contarle al mundo su versión. De esta manera se busca romper el discurso de un país conflictivo y empoderado para pisotear y desaparecer a su rival sin ningún remordimiento.

Moana: ¿El público está aburrido de los live action?

Christiaan Lecarnaque
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Moana: ¿El público está aburrido de los live action?

Moana, la versión live-action, no funcionó ni en crítica ni en taquilla. Ya se habla de pérdidas millonarias para esta nueva propuesta (podría perder hasta 125 millones de dólares).

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A nivel cinematográfico no hay mucho en qué profundizar, ya que es la misma historia de la película de 2016. Como sucede en la mayoría de las adaptaciones de carne y hueso, muchos de los elementos que hicieron populares a las cintas animadas quedan atrás. El carisma de los personajes animados, la magia y la fantasía de estas historias no siempre se pueden calcar en una película con humanos; eso depende en gran medida de las actuaciones y los efectos visuales. En ese sentido, la tecnología y las interpretaciones en Moana no pasan de ser correctas: no hay nada virtuoso ni arriesgado en este nuevo planteamiento.

[Las dos películas animadas de Moana están disponibles en Disney+]

Sin embargo, esta es la misma fórmula aplicada en películas como Lilo & Stitch o El rey león. Aquellas producciones tuvieron críticas aceptables y una excelente taquilla. Al igual que Moana, fueron un calco de sus fuentes originales, pero al menos conectaron con el público; algo que con esta nueva versión no ha ocurrido. Incluso, la confianza depositada en este proyecto se respaldaba en la gran aceptación de Moana 2, secuela animada que superó los mil millones de dólares en taquilla a pesar de sus bajos puntajes en las reseñas.

Moana: ¿Hay fatiga del público?

Frente a esto, podríamos hablar de una fatiga en el público, que probablemente esté cansado de estas fórmulas y de su falta de originalidad. Pero también cabe señalar un factor temporal: tanto Lilo & Stitch como El rey león llegaron a los cines en sus versiones live-action después de varias décadas. La versión animada de Lilo & Stitch se estrenó en 2002 y su adaptación en 2025; mientras que El rey león se proyectó por primera vez en 1994 y su propuesta al estilo National Geographic llegó en 2019. Incluso Cómo entrenar a tu dragón se estrenó en 2010 y su contraparte de acción real se programó para 2025. En todos estos casos, el factor nostalgia tuvo tiempo de madurar.

Si bien la primera Moana llegó a nuestras vidas hace diez años, la segunda parte se estrenó hace apenas dos. Por lo tanto, es muy probable que el público esté saturado de la franquicia, la cual, a diferencia de los otros clásicos mencionados, no dejó una larga estela de nostalgia en el camino.

Para que este tipo de proyectos funcione, es necesario proponer algo nuevo. No se trata de reinventar la franquicia, sino de entusiasmar al espectador a nivel visual o narrativo para que decida volver al cine. Al final, ¿por qué pagar una entrada para ver exactamente lo mismo, con la única diferencia de que los personajes son humanos? En esta producción, faltó iniciativa para no dejarse llevar por la flojera cinéfila.

Amarga Navidad: La crítica de Almodóvar al escritor

Christiaan Lecarnaque
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Amarga Navidad: La crítica de Almodóvar al escritor

Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar, cuestiona el proceso de creación de los guionistas de películas.

Aparentemente inofensiva, la película inicia con un escritor tipeando su nuevo guion sobre las migrañas de una joven directora de publicidad. Este dolor permite abordar el lado personal de esta protagonista y su influencia en su trabajo creativo.

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Aunque podríamos intuir que se trata de la experiencia personal del guionista, el diálogo subraya que se trata de una inspiración, mas no de una adaptación real de las vivencias del escritor. En ese sentido, utiliza un artificio narrativo y construye un personaje femenino para, a través de ella, contar algunos recuerdos.

Conforme Amarga Navidad regresa al presente y se enfoca en el proceso creativo del guionista, notamos de dónde va sacando las ideas para su nueva película.

Sin embargo, esta nueva experiencia almodovariana no pretende dar una lección de guion de cine, sino criticarlo. En la última media hora, la historia da un giro y la película se queda con un escritor enfrentado por una de las musas de su inspiración. Esta le reclama adueñarse de una historia delicada para hacer su película, mientras que el otro defiende su posición. Es en ese momento cuando ingresa el interesante término «vampirizar la historia de otros»; es decir, construir un relato a partir de las vivencias externas.

Amarga Navidad y una reflexión en el final

Probablemente esta sea la parte más importante y entretenida de la película, ya que el conflicto plantea ideas y genera debate: ¿quién tiene la razón, el escritor o la musa inspiradora?, ¿es válido apropiarse de testimonios ajenos? Un punto de vista interesante que lleva a la reflexión sobre lo pertinente en el proceso creativo.

Quizás Almodóvar propone esta idea muy tarde, aunque sutilmente la coloca como una pista a mitad de la cinta, ya que la primera parte —por lo menos la primera hora— divaga sobre esa idea de guion que no genera mayor interés ni conflicto.

Pero lo que sí llama la atención es la composición de algunas escenas semejantes a un cuadro. Tenemos la escena final desarrollada fuera de un restaurante cerca de un parque o la visita a los zocos de Lanzarote. Todo ello se combina con el estilo cromático de Almodóvar: rojos, naranjas y verdes. Las historias de Almodóvar se cuentan con un exquisito gusto artístico.

El título Amarga Navidad podría provenir, literalmente, de la escena donde una mujer descubre la infidelidad de su marido, o de cómo este episodio sirve, también, para inspirar el nuevo trabajo de esa directora de publicidad. Un regalo a la creatividad —al fin y al cabo—, pero amargo para quien lo debe observar en la pantalla grande.

Premios Emmy 2026: ¿Conoce las series nominadas?

Christiaan Lecarnaque
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Premios Emmy 2026: ¿Conoce las series nominadas?

En setiembre se darán a conocer los ganadores de los premios Emmy 2026. A continuación los nominados en las principales categorías:

Mejor serie drama

Premios Emmy 2026: Mejor comedia

Mejores miniseries

Mejor película para televisión

  • Criaturas luminosas (Netflix)
  • Gente que conocemos en vacaciones (Netflix)
  • Jefe de estado (Prime Video)
  • Miss You, Love You
  • Jack Ryan, de Tom Clancy: Guerra encubierta (Prime Video)

Conoce a todos los nominados a los premios emmy 2026 en este link

Minions & Monstruos: ¿Algo nuevo en el horizonte?

Christiaan Lecarnaque
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Minions & Monstruos: ¿Algo nuevo en el horizonte?

En Minions & Monstruos estos personajes continúan buscando al villano ideal a quien servir y, en esta oportunidad, se refugian en la industria del cine para alcanzar su objetivo. Es decir, por accidente llegan a Hollywood. A un Hollywood que disfrutaba del apogeo del cine mudo, por lo que los pequeños Minions ingresan a este mundo y disfrutan de esta edad dorada. Sin embargo, con la llegada del cine sonoro ocurre lo que Hollywood ha contado hasta el hartazgo: la caída de estrellas en desgracia y el inicio de una nueva era.

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En ese sentido, los Minions tienen que reinventarse, seguir la corriente y aprovechar las películas para encontrar al antagónico deseado. Lo encuentran, pero no advierten los efectos de su creación.

La novedad en Minions & Monstruos está en el homenaje que hacen al cine al recrear escenas clásicas como Ciudadano Kane, Casablanca o dramas del cine negro. Hace un repaso rápido dirigido más al cinéfilo conocedor de estas escenas clave del séptimo arte. Quien no haya seguido mucho las películas de esos años probablemente se pierda en el camino.

Minions & Monstruos: Una historia que ya no asombra

Hacia la segunda mitad de la película, la historia de los Minions retorna a su marca registrada y ofrece el espectáculo de absurdos y enredos que suele entretener a las audiencias.

Aunque, al igual que Toy Story, esta película no es necesaria, lo interesante es que sus creadores buscan, de alguna manera, nuevas narrativas para conectar con el espectador. En este caso el problema, probablemente, sea que para disfrutar de la primera parte de esta cinta animada hay que conocer de historia del cine. Los críticos la conocen y los cinéfilos también pero, la audiencia en general, ¿la conocerá?

Luego, Minions & Monstruos ofrece lo mismo de siempre en una franquicia que ya debería agotarse y dar pie a nuevas ideas en el cine. Hubo un tiempo en que la animación arriesgaba y le funcionaba, pero hoy en día está refugiada en fórmulas que ya no asombran y que terminarán por afectar la afluencia del público a las salas de cine.

El oso, temporada final: Una despedida en la cocina

Christiaan Lecarnaque
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El oso, temporada final: Una despedida en la cocina

«El oso» (The Bear), en su temporada final, dejó la terapia para enfocarse en la preparación de la comida, tal como ocurrió en sus primeras entregas. Precisamente, la historia de un chef intentando abrirse campo en la industria gastronómica llamó la atención por el ritmo, sabor y color de sus episodios.

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Las primeras temporadas de esta serie, disponible en Disney+, captaban a la perfección el estrés, la tensión, los gritos y la velocidad requeridos para preparar los platos en el tiempo calculado y que llegaran a tiempo a las mesas de los comensales. Lo curioso es que uno de los diálogos señala que se requiere «orden en el caos», lo cual es correcto; pero entre tanto grito, estrés y pelea, hay un orden en la cocina de El oso, hay un método que permite llegar con éxito a las mesas y lograr buenas reseñas. En ese sentido, las personalidades fuertes afloraban y chocaban constantemente, aunque esos conflictos activaban la evolución de los personajes.

Sin embargo, desde las temporadas 3 y 4, El oso se convirtió en una intensa terapia para los personajes. Si bien los creadores apuntaban a profundizar más en sus miedos y tragedias que en sus logros —lo que ayudaba a conocer mejor sus personalidades—, estos elementos terminaron por alejar la historia de la comida y de la fascinación que producía ese ambiente tóxico.

El Oso y el retorno de sus orígenes

Por eso es bueno que, en la temporada final, El oso regresara a sus orígenes al abandonar la intensidad psicológica para entregarse por completo a la cocina. Entonces, uno resulta fascinado con los colores, el orden y la edición rápida que transmite la dinámica de una buena cocina, acompañada de una destacada banda sonora a cargo del compositor Hans Zimmer.

Es cierto que los capítulos finales son predecibles, pero dentro de lo previsto se disfruta cuando llega el episodio 7 y el momento en que uno de los chefs alcanza la gloria. Ese episodio no es dramático ni exagerado, sino bien sazonado y acompañado de una fotografía elegante y nocturna.

Lo mejor que hizo El oso en esta temporada final fue dejar la intensidad y concentrarse en la cocina. Ya conocemos a los personajes y sabemos sus debilidades, por lo que no tenía sentido seguir profundizando en un aspecto ya explorado en temporadas anteriores.

El oso termina bien —lo que es poco usual en las buenas series: cerrar bien sus historias— y aprovecha para recordarnos que uno de los placeres que más disfrutamos se reviste de complejidad y amor.

Te encontraré: Crítica a la miniserie de Netflix

Christiaan Lecarnaque
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Te encontraré: Crítica a la miniserie de Netflix

«Te encontraré», miniserie de Netflix, propone la historia de un padre buscando a su hijo desaparecido. Este thriller se desarrolla con clichés propios del género, pero cuenta con elementos interesantes que vale la pena discutir con los lectores.

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David está condenado a cadena perpetua por, supuestamente, asesinar a su hijo. Sin embargo, descubre que su pequeño está vivo. En ese sentido, «Te encontraré» no apunta a indagar el paradero de su primogénito, sino las razones que llevaron a su desaparición.

Si bien en los primeros dos episodios hay dudas sobre la existencia de este niño, a la mitad este misterio será resuelto. A la miniserie no le interesa encontrar al niño, sino indagar en el detrás de cámaras de este delito.

Resulta interesante que, en este tramo inicial, la miniserie juega a construir dudas sobre la inocencia de David a partir de dos líneas narrativas: una en la que colocan al personaje en situaciones sospechosas y otra en la que las pruebas conducen a una probable inocencia. Sin embargo, luego de este inicio prometedor, estas líneas se fusionan para eliminar sospechas y centrar la narrativa en el objetivo final: el plan de la desaparición.

De esta manera, la historia no se hace exigente, sino que va dejando pistas para enganchar al espectador con el siguiente capítulo; así, para salir de dudas y encontrar respuestas, se consume uno y otro episodio.

Muchos sospechosos comunes

Como ocurre en estos thrillers, desde el inicio hay un sospechoso, pero el verdadero culpable aparece hacia el final. Aquí hay dos problemas: primero, que para dar un giro final sorpresivo se siembran dudas sobre la mayoría de los personajes. Esto genera que queden algunos huecos o interrogantes por resolver. Segundo, se fuerza a un responsable que no estaba en el mapa de sospechosos comunes para darle cierta sorpresa al giro final. Al final, se busca más show que profundidad.

Pero para entretener a la audiencia funciona. No exige y, pese a que se trata de una historia de misterio, se desarrolla con mucha sencillez, sin dejar que otras tramas se crucen y desvíen la atención del espectador. No hay moraleja ni mensaje final, sino el desarrollo de un supuesto crimen perfecto con algunas grietas dejadas al servicio de un buen observador.

Supergirl: ¿Ayudará al universo de DC?

Christiaan Lecarnaque
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Supergirl: ¿Ayudará al universo de DC?

Supergirl es un intento más por construir el universo cinematográfico de DC y, además, la segunda película de superhéroes del mundo DC protagonizada por una mujer. Esta heroína ya fue presentada en la nueva Superman de James Gunn de 2025; aunque no olvidemos a la Supergirl de The Flash (2023) y la serie de 2015.

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Entonces, la versión de la prima de Superman —irreverente y bohemia— de 2025 tiene su propia película estrenada este año. Este filme profundiza más en sus orígenes familiares y lleva al personaje a encontrar sus motivaciones.

El personaje empieza un poco cínico e indiferente, pero cuando tocan a su perro, Krypto, empieza una cruzada por salvarle la vida (parece la idea de John Wick, pero no es John Wick). Esto supone enfrentarse a un villano, superar obstáculos y encontrar sus motivaciones; nada nuevo en este tipo de películas. De esta manera, más que asemejarse a Wonder Woman (o La mujer maravilla), se equipara a un héroe masculino rudo como Deadpool o Wolverine. En estas películas, los protagonistas suelen ser más ásperos y solitarios hasta encontrar su lugar en una nueva pandilla, como ocurre con Supergirl.

Pese a este apunte, en esta película no hay mucho espacio para el desarrollo del personaje. Las secuencias privilegian un espectáculo de efectos visuales desordenado sobre la construcción de Supergirl. A veces pienso que se incluyeron tomas más por su espectacularidad que por sumar a la historia, lo que desbalancea el filme.

Supergirl: ¿Suma o no al mundo DC?

No creo que esta Supergirl ayude a darle impulso a este universo cinematográfico. No arriesga como la Superman de 2025, que proponía una historia más política y un Hombre de Acero vulnerable. O como Wonder Woman, que salía del molde de la mujer frágil para proyectar un rol femenino más empoderado con un punto de vista propio.

Supergirl apuesta más por la espectacularidad y el carnaval de efectos visuales sin sentido. Desaprovecha a personajes como Lobo (interpretado por Jason Momoa), que está más para presentarse que para conectarse con el resto de los personajes; mientras que la presencia de Superman solo sirve para darle cierto aire emocional a la cinta. Los pocos minutos que aparece David Corenswet sirven para calmar la película de la pirotecnia innecesaria.

La película no es un fracaso, sino una más que ni suma ni resta al mundo de DC, el cual todavía está lejos de encontrar el rumbo como alguna vez lo tuvo su rival, Marvel.

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