La zona de interés: Crítica a la película de Jonathan Glazer

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Se han hecho tantas películas sobre el holocausto que los directores empiezan a plantear nuevas formas de contar esta tragedia. En La zona de interés los judíos no son los protagonistas, sino una familia alemana que vive en una casa vecina a Auschwitz, un conocido campo de concentración o exterminio utilizado en la época de la Alemania nazi.

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Lo interesante de La zona de interés es que se concentra en la rutina de estos alemanes quienes hacen su vida como si nada pasara alrededor. Cerca a ellos pasan tragedias y se escuchan ruegos.

Ese día a día transita entre sonidos de balas, gritos de militares y ruegos de judíos exterminados en ese campo de concentración. Además de noches iluminadas por el fuego empleado para cremar los cuerpos de los «prisioneros».

Sin embargo estos «detalles» parecen no importarles a estos alemanes más interesados en comer, vestir y vivir bien. Además sus diálogos irrelevantes no tienen a Auschwitz en sus conversaciones. Solo uno de esos personajes parece darse cuenta de lo que se vive alrededor y huye sin dejar rastro ni enfrentar a los cómplices de esta masacre.

Incluso vemos un momento en que se planifica la movilización de más gente a los campos de concentración y nos damos cuenta que se desarrolla como si fuera una reunión ejecutiva organizada para trasladar paquetes. Hay una frivolidad de los personajes hacia lo que se está haciendo que ni ellos mismos se dan cuenta de ese pecado imperdonable.

En general esta familia bien puede representar a todos aquellos que sabiendo de la comisión de crímenes no hacen nada. Simplemente siguen con sus vidas, dejando que los poderosos pisoteen y desaparezcan a sus enemigos.

Esta es una manera innovadora de conocer un poco más de esta época tocada en todos los ángulos por el cine. Su fortaleza está en el riesgo de plantear una historia tan delicada de esta manera dejando solo al espectador con esta gente indiferente a esa tragedia y encontrar probablemente respuesta a una pregunta que alguna vez nos hemos hecho: ¿Qué hacía la mayoría de alemanes de esa época cuando ocurrió el holocausto? Muy recomendable.

Orion y la oscuridad: crítica a la película animada de Netflix

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Orion y la oscuridad empieza con una premisa conocida: el miedo a la oscuridad que todos hemos tenido de chicos. Cuando nuestras pequeñas piernas colgaban de las camas pensábamos que la oscuridad traería una infinidad de seres monstruosos para asustarnos.

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En esta película basada en el guion de Charlie Kaufman (también guionista de Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, Ladrón de orquideas y Anomalisa) se presenta al pequeño Orion, un niño asustadizo que teme a la oscuridad.

Entonces la oscuridad personificada por un gracioso personaje aparece no para atemorizarlo, sino que lo invita a tour nocturno para que conozca in situ que sus miedos están infundados.

De esta manera Orion observa que no hay muchos motivos para asustarse, sino incluso hay momentos que debería admirar o apreciar como las noches estrelladas. No hay nada que temer a la oscuridad.

Sin embargo el perjuicio y el miedo son más fuertes que las pruebas fehacientes de una verdad, y Orion continúa temiendo la oscuridad ocasionando una cadena de sucesos que terminarían por afectarlo a él y la humanidad.

Por momentos la película me hizo recordar a Intensamente por la presentación de algunos personajes secundarios que llegan con la noche. Pero lejos de profundizar en ellos, la película solo busca mostrarlos e identificar sus bondades.

En varios momentos de Orion y la oscuridad se cumple a cabalidad la mecánica de un tour nocturno donde solo se exhibe lo que esconde esta parte del tiempo. Pero no hay más. El conflicto viene hacia el final. Se activa para culminar la película.

Este filme animada más parece estar hecho para animar a los más pequeños (quizás también adultos) a desafiar la noche y dormir tranquilos en sus habitaciones, sin temor a que alguien los va a despertar.

Crítica a La gran noche del Pop estrenado en Netflix

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No se habla mucho de este documental titulado La gran noche del pop, estrenado en Netflix. La película cuenta el detrás de cámaras de la creación y grabación de uno de los himnos de la música mundial: «We are the world».

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De la mano de Lionel Richie vamos conociendo detalles de este proceso y divertidas anécdotas de la convivencia con las megaestrellas de ese momento.

Recordemos que esta canción se grabó con el objetivo de llamar la atención sobre el problema del hambre en África. Para ello se convocó a la élite musical norteamericana para que participara en este proyecto en 1985.

En ellos estuvieron Michael Jackson, Bruce Springsteen, Diana Ross, Stevie Wonder, Ray Charles, Bob Dylan, Cindy Lauper, Tina Turner y muchos otros que contribuyeron a convertir este tema en un himno mundial.

No solo Lionel Richie participa con sus recuerdos sino también Springsteen, Lauper, etc. Viejos, pero aún con la memoria intacta.

Al margen de algunas anécdotas divertidas, no fue fácil hacer esta grabación. Si bien todos estuvieron predispuestos a participar del proyecto, durante la grabación empezó a notarse miedos, cansancios y egos que por unos minutos tensaron la grabación.

Hay una toma interesante en que se observa la inseguridad de Bob Dylan al momento de grabar su parte de la canción, porque no sabía cómo hacerlo. Sentía que su estilo no se apegaba al de la canción. Sin embargo con la intervención de Stevie Wonder es que encuentra su camino y logra superar el desafío.

El detrás de cámaras es muy cordial, transmite camaradería pese a algunos momentos de tensión, pero el objetivo de La gran noche del pop es subrayar la hazaña de reunir tanta estrella en un solo salón por un mismo objetivo.

Al final después de una larga noche terminaron por entregar una obra escuchada hasta nuestros días.

Crítica a Anatomía de una caída de Justine Triet

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¿Inocente o culpable? Toda persona es inocente hasta que se demuestre lo contrario, o en este caso hasta que la película lo diga. Anatomía de una caída disecciona un crimen o accidente entregando pistas al espectador para que arme este rompecabezas.

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Sandra es una joven escritora juzgada por la muerte de su esposo. Ella alega accidente y luego suicidio, pero las autoridades creen que hay un crimen en este fallecimiento.

La historia lleva a la protagonista por todo el proceso de investigación policial y fiscal hasta el juicio donde supuestamente se definirá su inocencia o culpabilidad.

En ese proceso judicial vemos a un fiscal especulativo, teatral y exagerado intentando probar que Sandra mató a su esposo. También a peritos aportando cada uno su propia teoría sobre esta muerte y psicólogos especulando sobre la vida privada de la pareja. Hay momentos en que lejos de despejar dudas, las aumentan.

Pero lo mejor viene cuando se presenta una pelea de Sandra y su esposo. Este momento está bien actuado y editado. Hay reproches y gritos, pero cuando llega la violencia el sonido hace lo suyo y el rostro de la protagonista el resto. No hay necesidad de ser explícito cuando que queda mejor con esta sutileza. En ese momento también cambia el punto de vista que tiene el público sobre la protagonista.

No pierda ningún detalle

Hay que prestar mucha atención a la media hora final, principalmente, cuando aparece el hijo de la pareja a declarar para definir si ella es culpable o no. El juicio dice una cosa, pero los detalles, el subtexto, parece decir otra. Incluso la presencia de un perro puede decir mucho al público.

Anatomía de una caída, nominada al Oscar a mejor película, es un filme más de diálogos y actuaciones. Otorga bastante espacio a las averiguaciones policiales y fiscales. El juicio sirve como plataforma para ver las interpretaciones, una de ellas, la de Sandra Huller, nominada al Oscar a mejor actriz.

Como bien menciona el título de la película hay una disección completa de la caída que apunta a soltar pistas para que el espectador haga su trabajo. Recomendable.

Crítica a Vidas Pasadas de Celine Song

Una pareja de amigos se pregunta que hubiera pasado si se enamoraban y casaban. Vidas Pasadas presenta a Nora y Hae Sung, dos jóvenes atraídos en la adolescencia. Sin embargo esta atracción no llega a madurar ya que ella migra, junto con su familia, a los Estados Unidos por un mejor futuro poniendo la relación en suspenso.

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Gracias a las redes sociales, y varios años después, vuelven a retomar la relación. Ambos quieren y no quieren iniciar algo más serio hasta que se da una ruptura mayor. Ella se casa y él se concentra en buscar un buen trabajo. Cuando se reencuentran se hacen una pregunta inevitable: ¿Y si hubiéramos sido pareja? ¿Qué hubiera pasado?

Esta es una historia de reflexión, preguntas, de situaciones condicionales que nunca se dieron y probablemente no se darán.

Los planes no siempre salen como los imaginamos. Muchas veces en el camino aparecen otras oportunidades y los sueños se replantean. En Vidas Pasadas no solo la idea de un amor eterno se desvía, sino las metas laborales también cambian. Los protagonistas expresan sus anhelos de niños, pero ya de adultos son otros los objetivos.

También se habla de los apegos culturales y cómo es que Nora tiene que ceder para moverse en la cultura norteamericana. El cambio viene con su nombre ya que para vivir en ese país tiene que someterse a un nuevo bautizo. Pese a que aún mantiene sus raíces se siente como pez en el agua en este nuevo país.

El otro Nueva York

Un aspecto interesante de la película es que la historia se desarrolla en un Nueva York menos cosmopolita o sofisticado; en calles tan comunes como las nuestras. Solo la belleza de sus atractivos aparece cuando la pareja se encuentra por última vez y se esconden cuando toman una decisión final.

Las ciudades parecen iguales, aunque los horarios sean diferentes. Resulta interesante cómo es que la directora comunica al espectador que ambos conversan a través de un computadoras en horarios diferentes.

Vidas Pasadas es una película de diálogos, reflexiones al aire libre. Solo se concentra en estos personajes y sus inquietudes. Por eso es que las interpretaciones se contienen y no salen de los límites de una conversación madura.

Esta es una película agradable que nos hace preguntar por esos «hubiera» que hemos dejado en el camino. Pero que en el fondo sabemos que nunca se darán. Recomendable.

Mejor banda sonora: Oppenheimer suena a favorita

En esta nota conoce un poco más a los nominados en la categoría a mejor banda sonora del Oscar 2024.

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Oppenheimer-Ludwig Göransson

El joven compositor sueco parte como favorito en la categoría de mejor banda sonora. Sería su segundo Oscar ya que anteriormente lo ganó por Pantera Negra.

Después de Tenet esta es la segunda colaboración con Christopher Nolan, director de Oppenheimer, y, además, su segunda oportunidad para ganar el premio. La música aporta mucho para conocer las emociones del personaje central.

Esta banda sonora ha tenido tal impacto que Can You Hear the Music, uno de los temas de esta banda sonora, logró 2.1 mil millones de impresiones en Tik Tok.

American Fiction-Laura Karpman

Esta es la primera vez que la compositora está nominada al Oscar, incluso su candidatura fue una sorpresa porque no estaba dentro de las apuestas de los críticos. Su trabajo está más ligado a la televisión por el cual ganó premios Emmy.

Indiana Jones y el llamado del destino-John Williams

Nunca apuesten contra John Williams. Tampoco estaba entre los favoritos en la categoría a mejor banda sonora y finalmente logró colarse entre el quinteto de nominados de este año.

Tiene 91 años y esta es su nominación 53. Esta es su cuarta candidatura por colocarle la música a cuatro de las cinco películas de Indiana Jones. El año pasado compitió con Los Fabelmans de Steven Spielberg y la última vez que ganó el Oscar fue en 1994 con La lista de Schindler. ¿Ganará el Oscar? Muy poco probable ya que su nominación suena más a homenaje que a oportunidad de una victoria.

Los asesinos de la luna-Robbie Robertson

Robbie Robertson ha sido un frecuente colaborador en las películas de Martin Scorsese. Le puso la música a trabajos como Toro Salvaje, Pandillas de Nueva York, Los infiltrados, El lobo de Wall Street. Esta es su primera nominación al Oscar y si hay un rival para Oppenheimer es el trabajo de Robertson. Falleció en agosto del 2023 a meses del estreno en cines de la película de Scorsese.

Pobres Criaturas-Jerskin Fendrix

También es su primera nominación al Oscar. También fue candidato a los Globos de Oro de este año.

Escucha todas las bandas sonoras en esta playlist:

Crítica a Balenciaga: miniserie sobre la vida del diseñador

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Star+ estrenó para Latinoamérica la miniserie Cristóbal Balenciaga, basada en la vida del destacado diseñador de moda español durante su estancia en París.

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A través de una entrevista periodística se va conociendo sobre su vida en la capital francesa como fueron sus inicios, su relación con los nazis durante la ocupación de Francia en la Segunda Guerra Mundial, su relación con otros importantes diseñadores como Coco Chanel y Christian Dior, hasta su retiro voluntario a fines de la década de los 60.

La miniserie se centra, además, en conocer el estilo del diseñador y por eso le dedica varios minutos a la confección y desfile de vestidos realizados por Balenciaga. Estas escenas se complementan bien con la buena fotografía de la miniserie.

Todo ello da pie a conocer su personalidad: un ser perfeccionista en constante innovación.

El capítulo dedicado a su relación con los nazis podría ser el más controversial de su vida, pero vemos a un diseñador bastante práctico poniendo como prioridad su trabajo, antes que algún idealismo o afán de ponerse a favor de los franceses.

Lo interesante es el cruce con importantes personajes de la moda como Coco Chanel con quien mantuvo una relación tirante, y además Christian Dior, a quien se le presenta como un rival para Balenciaga.

La música está a cargo del conocido compositor español Alberto Iglesias, aunque hay momentos, principalmente, en las escenas sobre los desfiles de los vestidos donde las melodías incluidas parecen estar inspiradas en El hilo fantasma de Paul Thomas Anderson quien dedicó su película a un diseñador británico.

Es una miniserie que podría gustar a todo aquel fascinado con las historias de época, hilvanada con mucha corrección y respeto al diseñador. Pero que a veces deja diálogos interesantes como aquel en que Balenciaga refiere: «La alta costura siempre ha estado al servicio de las clases dominantes». Véanla.

Crítica al El niño y la garza, película nominada al Oscar

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El maestro Hayao Miyazaki no cuenta las historias de una manera convencional en el cine. Toma una idea y la desarrolla con ayuda de fábulas y personajes fantásticos para armar un mensaje generalmente de superación y redención.

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En El niño y la garza plantea la historia de un adolescente que pierde a su madre en la Segunda Guerra Mundial y queda con la desazón que no hizo todo lo posible por salvarla.

Pasado este conflicto bélico va a vivir con la nueva pareja de su papá. Hasta este punto la idea se desarrolla de manera normal, hasta que aparece la garza y desencadena una serie de eventos fantásticos.

Evidentemente todo apunta a ayudar al personaje central a sobreponerse a la muerte de su madre otorgándole una segunda oportunidad para rescatar a la que considera su nueva mamá.

En esta parte de la película se presentan seres dibujados al libre albedrío del maestro Miyasaki. Entre ellos hay personas y animales, pero lo que me llamó la atención de los animales es que convierte en villanos a seres que en la vida real podríamos considerar inofensivos como los loros o pericos.

Aquí hay mucha reflexión y crisis interior por parte del adolescente quien toma en serio esta misión por aprovechar esta segunda oportunidad.

Pero mientras apreciaba El niño y la garza no dejaba de pensar en lo prolija que es la imaginación de Miyasaki para sacar del bolsillo tanto personaje fantástico. Es cierto que algunos se parecen a, por ejemplo, los aparecidos en El viaje de Chihiro, pero la mayoría son novedosos.

Las películas de Miyasaki, como El viaje de Chihiro o El castillo ambulante, disponibles en Netflix, hay que disfrutarlas y fascinarse con su imaginación sin límites.

Todos sus filmes funcionan así y no hacen más que hacer más entretenida la historia. La idea está clara y la ejecuta de tal manera que funciona. Véanla y gócenla.