Crítica a The Green Knight de David Lowery

The Green Kinght es una extraordinaria experiencia visual dirigida por David Lowery a quien se le conoce por trabajos como Una historia de fantasmas (A ghost story) y Un ladrón con estilo (The Old Man and the Gun).

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La película ya estrenada en Estados Unidos (sin fecha en Perú) cuenta la historia de Sir Gawain, un hombre que en busca de su honor atraviesa bosques y sortea obstáculos con el único objetivo de convertirse en caballero.

La narración de esta película es atípica y nada convencional. Poco predecible, sacando siempre un as bajo la manga durante la ejecución de la historia, lo que significa que requiere la máxima atención posible para entender la cruzada de este joven caballero.

Una historia de fantasmas con Rooney Mara y Casey Affleck, dirigida por Lowery.

Es que como si se filmara esta historia como un mito, una leyenda, una fantasía, un cuento de abuelos, que incluyen eventos extraordinarios e irreales que busca resaltar la misión del futuro caballero. No sin reflexionar sobre esos acontecimientos, como aquel diálogo en que uno de los personajes parece burlarse de las motivaciones del protagonista: el honor; o para dar sus apreciaciones sobre el verde.

No obstante, las imágenes colocadas en la película son extraordinarias. Una fotografía donde sobresale el amarillo y el verde en contraste para describir la angustia e indecisión del protagonista. The green knight merece ser vista en una sala de cine para apreciar ese lenguaje visual comparable al que se observó con Blade Runner 2049, de notable fotografía, hace unos años.

Si bien The green knight es una película de aventuras fantásticas, no es precisamente parecida a El señor de los anillos o Juego de Tronos. No tiene tinte comercial y significa un reto para el espectador que esté dispuesto a soñar un poco más y apreciar la apuesta de este director. Como para verla dos veces.

Crítica a Amparo de Simón Mesa Soto (25FCL)

Amparo es una madre capaz de todo por sus hijos en tiempos donde los militares ordenan y los civiles cumplen.

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La película colombiana Amparo de Simón Mesa Soto, primer largometraje de este director, retrata la historia de Amparo, madre de dos hijos, trabajadora, de rostro serio, que se ve en la encrucijada de salvar a su hijo de los militares. El muchacho, quien no estudia ni trabaja, tiene 18 años, es llevado a la fuerza a un cuartel. Prestará servicio militar en una zona altamente peligrosa. Así como sucedía en Perú hace dos décadas, en la época del terrorismo, en que los adolescentes eran llevados a la fuerza a estos centros y que los mayores bautizaron como «leva», como el caso de este adolescente.

El problema es que ni Amparo quiere soltar a su hijo, ni él irse a prestar servicio al sur de Colombia. Hay una solución, pero requiere de dinero y ella apenas gana para sobrevivir. Así empieza el martirio de esta madre por conseguir el billete requerido por los oficiales para rescatar a su muchacho.

En este camino la joven madre se topa con sus errores, afronta en silencio los reproches y la angustia de ver a su hijo en un cuartel.

Su objetivo es el dinero y no será fácil en un entorno donde tampoco sobra la riqueza. Ni mucho menos cuando la autoridad aprovecha esta situación para someter a estas mujeres desesperadas a sus condiciones.

Queda claro en esta película que ni el sistema ni el entorno favorece a Amparo y hacia el final de la historia las opciones se reducen a una única opción colocando a la mujer en una situación que probablemente no avizoró.

AMPARO: BUENA ACTUACIÓN

La película se disfruta, primero, por la buena actuación de la actriz, Sandra Melisa Torres, cuyo personaje transmite angustia, frustración, resignación. Pocas veces se quiebra y cuando lo hace solo recibe portazos en la cara.

Luego viene la denuncia que se hace sobre un sistema ideado para aprovecharse de la desesperación de las mujeres. En la película se priorizan las tomas de Amparo junto a otras mujeres, los hombres desde la clandestinidad ordenan y someten.

Buena película colombiana para ver en este festival de Lima.

Crítica a Hatun Phaqcha, Tierra Sana (25FCL)

Dentro de la sección Hecho en el Perú aparece el documental Hatun Phaqcha, Tierra Sana, dirigido por Delia Ackerman, una película dedicada a resaltar las bondades y variedad de alimentos nativos cultivados en el Perú.

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La diversidad de alimentos nativos en el país es enorme, impresionante y desconocida. Con ayuda de especialistas en agricultura y otros vinculados a esta rama, vamos conociendo los miles de tipos de productos existentes y que probablemente no llegan a la mayoría de mercados.

El documental, además, aborda las técnicas de cultivo, su conservación y beneficios de los alimentos cultivados en costa, sierra y selva. Destaca en sus imágenes los paisajes y los colores de estos alimentos haciendo agradable a la vista y la boca esta historia.

HATUN PHAQCHA, UN HOMENAJE A LA RIQUEZA PERUANA

Pero también ahonda en las amenazas que acechan estos cultivos como el poco interés de los jóvenes en la agricultura, o el cambio climático. Además de subrayar las contradicciones que existe en un país rico en variedades de alimentos, pero con problemas de anemia y desnutrición.

Hatun Phaqcha es un documental para admirar, una vez más, a tu país por la riqueza que poseemos y no la apreciamos o ayudamos a conservarla. Parecemos bendecidos por la naturaleza, quien sentada está esperando a que los peruanos se decidan a disfrutarla.

Crítica a El perro que no calla de Ana Katz (25FCL)

El perro que no calla de Ana Katz ofrece una escena que puede interpretarse de muchas maneras. El joven protagonista tiene un perro cuyos ladridos molestan a los vecinos, por tal motivo lleva su mascota a su centro de trabajo, donde obviamente tiene problemas.

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Digo obviamente porque no es usual llevar tu «mejor amigo» al trabajo y es aquí donde aparecen las interpretaciones. Porque probablemente para algunos esta escena sea absurda y risible, y para otros, los amantes de los perritos, sea todo lo contrario y totalmente justificada.

Pero también esa toma inicial habla de la soledad y dependencia emocional del protagonista hacia esa mascota. No es más que su trabajo, su cuarto alquilado y su perra; nada más. Por eso es que el destino le juega chueco y rompe a la mala ese vínculo para que busque algo más en su vida.

Desde ese momento vemos a ese joven vagando como alma pena tratando de sobrevivir a las circunstancias y buscando un sustento sin objetivo aparente; como cuando un perrito se queda sin dueño.

Todo le llega en el camino y lo acepta. No dice no. Simplemente se deja llevar hasta encontrar a la fuerza un norte en su vida.

Una de las escenas  notables de El perro que no calla es las escenas referidas a una pandemia donde la gente debe usar unas burbujas para evitar el contagio de un virus desconocido. De lo contrario deben agacharse (perro la pasaría bien esta pandemia) y casi gatear para comunicarse, porque si sobrepasan el 1.20 metros de altura se enferman.

Igual este joven pasa este momento y lo vemos más centrado, seguro y con una vida casi resuelta, sin olvidar su amor por los perros. A veces la vida debe golpear fuerte para encontrar ese norte perdido. Buena historia a blanco y negro; interesantes animaciones para subrayar los momentos más dramáticos de la cinta. Disponible en el 25 Festival de Cine de Lima.

Crítica a Autoerótica de Andrea Hoyos (25FCL)

autoerótica

La película Autoerótica de Andrea Hoyos expone un despertar sexual adolescente bastante traumático. La protagonista camina por una experiencia cuyo final probablemente muchas mujeres quisieran esquivar.

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La cinta peruana, una de las competidoras en el 25 Festival de Cine de Lima, cuenta la historia de Bruna, una adolescente en Lima que empieza a explorar su sexualidad a través de un programa de citas, sin reparar en los riesgos que implica contactar a un desconocido por internet.

No es que caiga en manos de un mal hombre, sino que de esa relación hay una consecuencia. Peor aún, sin saberlo, se relaciona con alguien que es pareja de una de sus mejores confidentes.

Sin caer en el spoiler diremos que Bruna inicia luego un camino por solucionar ese «efecto colateral» enfrentándose a un sistema que ofrece a las mujeres pocas alternativas para tomar una decisión.

Así tenemos una adolescente decidida a explorar su cuerpo y conocer sus límites, a otra insegura, angustiada, pero igual de decidida a tomar la decisión que mejor le convengan en el futuro.

Desafortunadamente los padres siempre se mantienen distantes a ella, pese a que, sin muchas señales, intenta acercarse a ellos para intentar hablar sobre el tema. Sin embargo, en esta película (y quizás en la vida real), están ocupados en otros asuntos.

Lo único que queda en el aire en esta película es el final del causante de este embrollo, un detalle no menor, teniendo en cuenta su relación con una de las aliadas de la protagonista, que no se resuelve bien y que quizás hubiera puesto en mayores apuros a Bruna. Así el final no hubiera sido agridulce, sino simplemente agrio.

Autoerótica deja lecciones, expone un problema y cuenta con una actriz, Rafaella Mey, que interpreta bien los conflictos e inseguridades de una adolescente. Una de las mejores películas peruanas en proyección en el festival de Lima.

Crítica a Odisea Amazónica de los hermanos Sarmiento (25FCL)

Una «road movie» se desarrolla en una carretera donde los personajes exponen sus bondades y miserias. La película documental, Odisea Amazónica, toma un barco para navegar por el río más caudaloso del mundo, Amazonas, y retratar a lo largo de más de una hora,  los hábitos y costumbres de las comunidades instaladas a lo largo de este caudal.

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El fuerte trabajo de los estibadores inicia este largo viaje retratado en la película dirigida por los hermanos Álvaro y Diego Sarmiento, autores de obras como Río Verde y Sembradoras de vida. El documental expone la fuerza y sudor diario de estos trabajadores en la distribución del cargamento que llevará el barco amazónico. Luego aparecen los pasajeros con su equipaje de bolsas cargadas en manos y hombros. A continuación viene el largo viaje por el Amazonas.

Trailer de Río Verde, otra película de los hermanos Sarmiento.

Las imágenes muestran un Perú diferente al que estamos acostumbrados. Me llamó la atención esa escena en que los ambulantes esperan en la orilla del río a que se acerque el barco para subir, unos descalzos y otros con sandalias, a ofrecer comida y bebidas a los pasajeros. Eran decenas. Ni cerca a los paraderos de buses hay tantos comerciantes esperando que abran puertas y ventanas para vender chicharrones, maíz, etc., entre otros suculentos bocadillos. La mayoría son mujeres. Abordan la nave con ayuda, jaladas de la mano. Otras ascienden por una madera. Después juntas pregonan sus productos a los viajeros.

Ese Perú amazónico se ve diferente y distante, no visto con frecuencia por el resto del país acostumbrado a un día a día de combis y taxis. Por lo que a ojos que han visto poco en esta vida, todo se ve diferente y lejano; increíblemente hermoso, húmedo y rural.

ODISEA AMAZÓNICA: TESTIMONIOS Y PAISAJES

Este viaje está matizado con testimonios de viajeros y conductores quienes relatan desde su punto de vista lo que significa realizar esta odisea por el Amazonas. Subrayo aquel en que un conductor recuerda la única vez en que protagonizó un accidente marino con la pérdida de vidas. Hay otro en que hablan sobre los asaltos realizados por los «piratas del río»

Además aprovecha bien los hermosos paisajes que ofrece la selva peruana, aún vírgenes a la vista del resto de peruanos, sazonados con los sonidos que emana este paraíso.

Odisea Amazónica termina bien un recorrido de río exponiendo la vida y estilos de comunidades conectadas al mundo por el inmenso Amazonas.

La película está en competencia en el 25 Festival de Cine de Lima.

 

Crítica a Free Guy con Ryan Reynolds

Free Guy es la nueva película de Ryan Reynolds, el actor de Deadpool, y Jodie Comer, quien protagonizó la serie, Killing Eve con Sandra Oh, la inolvidable Cristina de Grey’s Anatomy. Ambos lideran una historia adaptada en un videojuego.

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Todo videojuego tiene una misión y metas por cumplir, pero en esta película el personaje de Comer tiene un solo objetivo: descubrir cualquier rastro que le ayuda probar que su idea fue robada por el actual propietario de Free City, una especie de maqueta de ciudad donde los jugadores pueden robar, matar y adoptar increíbles imágenes o avatares que distan de sus rostros reales.

Free Guy
Ryan Reynolds como Deadpool.

La primera parte de la película inicia con mucha acción. Parece una historia más videojuegos llevándolo al género de acción. Pero en la segunda mitad mejora cuando quedan claras las motivaciones de los personajes principales.

En realidad Free City se convierte es una especie de escenario de guerra entre los creadores del videojuego y su propietario. Los primeros quieren demostrar que les robaron la idea y el segundo busca impedir que alcancen esta verdad.

jodie comer
Jodie Comer, protagonista de Free Guy.
Jodie Comer en Kiling Eve con Sandra Oh, la popular Cristina en Grey’s Anatomy.

En medio de esta pelea aparece un personaje accesorio de Free City o lo que los «gamers» llaman NPC, bautizado como Guy. Los NPC solo están de adorno en esta historia de videojuegos y sirven para darle forma a la misión. Además que su capacidad de decisión está limitada.

Así se conjugan estas historias. Una pelea dentro de un conglomerado tecnológico y un personaje que encuentra la inteligencia suficiente para darse cuenta que puede ser libre y tomar sus propias decisiones, contagiando su nuevo deseo al resto de compañeros. Al final todos tienen el mismo objetivo: encontrar la verdad que los hará libres.

FREE GUY: UNA HISTORIA INTERESANTE Y ENTRETENIDA

Free Guy se vuelve así es una historia interesante y entretenida con contenido que no deja la acción para mantener atento al espectador.

Además que incluye música de los 70 u 80 para las escenas más emotivas y al final realiza un homenaje a películas como Star Wars o Los vengadores, lo que convierte al momento en uno de los más graciosos de la cinta. Estos recursos suelen verse en varias películas y aún no cansan.

Otro punto a su favor es que este conflicto de creadores y empresario se desarrolla de forma graciosa, porque uno esperaría pleitos legales o policiales, pero todo se realiza dentro del videojuego. Afuera no se observa ni percibe nada, salvo por los propios usuarios de la historia. Aquí las herramientas son un teclado y una computadora, más no montones de papeles.

Free Guy cumple lo que promete: entretenimiento y pasarla bien. Recomendable si estas dos premisas son tu motivación para ir al cine.

Crítica a Las mejores familias de Javier Fuentes-León (25FCL)

El 25 Festival de Cine de Lima trae la nueva película de Javier Fuentes-León, director de Contracorriente y El elefante desaparecido.

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Fuentes-León explora la relaciones familiares en este nuevo filme que intenta divertir al espectador a costa de los secretos de dos familias ricas.

El retorno de uno de sus integrantes con su novia motiva a Alicia y Carmen, dos buenas amigas, la organización de una reunión familiar. Precisamente la aparición de esta pareja revivirá un secreto supuestamente guardado bajo llave. Esta develación hará caer como naipes esa estabilidad de barro en que viven las dos amigas.

Como si se tratara de una telenovela los enredos generan más enredos y es a costa de estos pecadillos que la película aprovecha para burlarse de estas familias supuestamente ajenas al escándalo.

LAS MEJORES FAMILIAS: DIVERTIDA Y CRÍTICA

Los diálogos entre los personajes son aprovechados, también, para mostrar la distancia que hay entre estas familias y la ciudad. Además muestra su poco conocimiento del resto de familias que no son como ellos y una falsa seguridad protegida por una débil burbuja.

Las mejores familias es una historia que se narra con muchas tomas aéreas, ediciones divididas y principalmente con mucha ironía para divertir al espectador. No es precisamente lo mejor de Fuentes-León, pero entretiene y no decepciona.

La película está en competencia en el 25 Festival de Cine de Lima.