Festival de Venecia: Arranca la competencia

Christiaan Lecarnaque
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Festival de Venecia: Arranca la competencia

el poder del perro

Este 1 de septiembre inicia el festival de Venecia y de esta manera arranca una nueva temporada de premios que finaliza con la entrega del Óscar, evento que se desarrollará el 27 de marzo del 2022.

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Además se espera regrese con su brillo habitual luego de las restricciones impuestas el año pasado por la pandemia de la COVID-19.

Para esta edición habrá interesantes obras como Madres Paralelas de Pedro Almodóvar y Dune de Dennis Villeneuve. Además de lo nuevo de Jane Campion, El poder del perro, la máxima apuesta de Netflix para dominar esta temporada de premios. De este encuentro cinéfilo saldrán las primeras cintas favoritas para el Óscar 2022.

Aquí una guía de las películas que se proyectarán y los días de sus presentaciones.

COMPETENCIA OFICIAL

-Madres paralelas de Pedro Almodóvar (1/09)

-The Power of the Dog / El poder del perro, de Jane Campion (1/09)

-The Card Counter, de Paul Schrader (2/09)

-Fue la mano de Dios, de Paolo Sorrentino (2/09)

-The Lost Daughter, de Maggie Gyllenhaal (2/09)

-Spencer, de Pablo Larraín (3/09)

-Il Buco, de Michelangelo Frammartino (3/09)

-Competencia Oficial / Official Competition, de Gastón Duprat y Mariano Cohn (4/09)

-Sundown, de Michel Franco (4/09)

-Mona Lisa and the Blood Moon, de Ana Lily Amirpour (5/09)

-Ilussions perdues / Lost Illusions, de Xavier Giannoli (5/09)

-L’Evenement, de Audrey Diwan (5/09)

-La caja, de Lorenzo Vigas (6/09)

-Reflection / Vidblysk, de Valentin Vasyanovych (6/09)

-Qui Rido Io, de Mario Martone (7/09)

-Captain Volkonogov Escaped / Kapitan Volkonogov Bezhal, de Natasha Merkulova y Aleksey Chupov (7/09)

-Freaks Out, de Gabriele Mainetti (8/09)

-Leave No Traces / Żeby Nie Było Śladów, de Jan P. Matuszynski (8/09)

-America Latina, de Damiano D’Innocenzo y Fabio D’Innocenzo (9/09)

-Un Autre Monde, de Stéphane Brizé (9/09)

-On The Job: The Missing 8, de Eric Matti (10/09)

FUERA DE COMPETENCIA

Dune de Dennis Villeneuve (3/09)

The last duel de Ridley Scott (10/09)

Last Night in Soho, de Edgar Wright (5/09)

Aquí el programa completo del festival de Venecia. Hacer click AQUÍ

Crítica a Clara Sola, película ganadora del festival de Lima

Christiaan Lecarnaque
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Crítica a Clara Sola, película ganadora del festival de Lima

La película Clara Sola de Nathalie Álvarez Mesén ganó el premio a mejor película en la competencia de ficción del 25 Festival de Cine de Lima.

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Clara Sola, protagonizada por Wendy Chinchilla Araya, cuenta la historia de una mujer con poderes sobrenaturales. A lo largo de la película el espectador se dará cuenta que no se trata de un mito, sino de una verdad. Porque en realidad tiene una magia que cura y asusta a la población.

Lo que muchos podrían ver este talento en un regalo de Dios, pues para Clara no. Porque este don parece una cárcel que la somete a los deseos de los demás quedando ella en segundo plano. Ni siquiera puede someterse a una cirugía médica para corregirse un problema en la columna, porque para su madre, lo que Dios ha creado, no puede corregirse.

Clara ya no lo entiende así y de esta manera empieza buscar su libertad a través del sexo. Estos impulsos la llevan a buscar la liberación ansiada encontrando una fuerte oposición en su madre. Su progenitora no es una aliada de su libertad, sino que prefiere mantenerla concentrada en poner sus poderes en beneficio del resto, aunque esto signifique sacrificar la libertad de su hija.

Gracias a la buena interpretación de la actriz, Wendy Chinchilla Araya, percibimos bien ese proceso de exploración, esas ganas por imponer la libertad de decidir de su personaje, por encima del interés del resto. Si bien tiene un don, este no tiene porque encarcelarla y convertirla en un objeto que satisfaga al resto, llevando a Clara a un camino de medidas radicales por conseguir ese objetivo.

La película calza bien en una competencia donde las protagonistas de la mayoría de películas exhibidas en el festival buscan su libertad y respeto a sus decisiones.

 

Crítica a Limiar, documental de Coraci Ruiz (25FCL)

Christiaan Lecarnaque
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Crítica a Limiar, documental de Coraci Ruiz (25FCL)

La película documental, Limiar de Coraci Ruiz, terminó ganando la competencia a mejor documental del 25 Festival de Cine de Lima. La crónica sobre la transición de género de una adolescente, dirigida por su madre, convenció al jurado para llevarse este reconocimiento.

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El documental no es precisamente una descripción detallada del proceso de transición de este joven, sino más bien un proceso de comprensión de la directora sobre la decisión tomada por su hija. Coraci, cineasta y madre, de la menor trata de entender el cambio tomado ya que por sus palabras e imágenes parece que le cuesta asumir esta decisión.

Al leer la sinopsis de la película uno podría esperar un proceso donde la muchacha es llevada médicos, psicólogos, tomando medicinas. Pero el documental no se trata de eso, sino, en primer lugar, de una madre acercándose a su hija para compartir su decisión. Además, de ilustrar a la audiencia sobre esta transición de género, que, valgan verdades, manejan conceptos complicados.

Además a través del testimonio de su hija, Coraci Ruiz, da espacio a los movimientos que van surgiendo para defender a las minorías en su país. En medio de estas tomas, en una de ellas, expresa su preocupación y miedo por la asunción de un gobierno de ultraderecha, Jair Bolsonaro, que aparentemente habría esparcido la homofobia en su país.

El final de ese documental también significa el epílogo de ese proceso de aceptación y respaldo a su, hoy, menor hijo. La madre sella con su firma la autorización que permite al menor iniciar esta transición y con ello genera alegría a su hoy hijo.

Limiar sirve para acercarnos a una minoría desde nuestro desconocimiento y aceptar su forma de vida como recibimos al resto de nuestros prójimos.

Festival de cine de Lima: Conoce las películas ganadoras

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Festival de cine de Lima: Conoce las películas ganadoras

La 25 edición del festival de cine de Lima llegó a su final el domingo 29 de agosto. El jurado integrado por Maya Da-Rin, Alberto Ísola, Antonio Sebire, Fernanda Valadez y Mercedes Morán (presidenta) eligió a Clara Sola como la película ganadora de esta edición.

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Aquí te dejamos la lista con el resto de ganadores del festival de cine de Lima.

FICCIÓN 

Mejor Película: CLARA SOLA de Nathalie Álvarez Mesén (Costa Rica)

Primera mención: AUTOERÓTICA de Andrea Hoyos (Perú)

Segunda mención: Elenco de LIBORIO de Nino Martínez Sosa (República Dominicana)

Tercera mención: Elenco de EL ALMA QUIERE VOLAR de Diana Montenegro (Colombia)

Premio Especial del Jurado: EL PERRO QUE NO CALLA de Ana Katz (Argentina)

Mejor Dirección: Nino Martínez Sosa por LIBORIO (República Dominicana)

Mejor Actriz: Wendy Chinchilla Araya por CLARA SOLA (Costa Rica)

Mejor Actor: Antônio Pitanga por CASA DE ANTIGUIDADES (Brasil)

Mejor Guion: Gonzalo Delgado y Ana Katz por EL PERRO QUE NO CALLA (Argentina)

Mejor Ópera Prima: MADALENA de Madiano Marcheti (Brasil)

Premio a Mejor Fotografía: Sophie Winqvist por CLARA SOLA (Costa Rica)

DOCUMENTAL

Jurado conformado por Jordana Berg, Bruno Santamaría y presidido por Patricia Wiesse Risso

Mejor Documental: LIMIAR de Coraci Ruiz (Brasil)

Primera mención: EL CIELO ESTÁ ROJO de Francina Carbonell (Chile)

Segunda mención: ESQUIRLAS de Natalia Garayalde (Argentina)

PREMIO DEL JURADO DE LA CRÍTICA INTERNACIONAL (jurado conformado por Ivonete Pinto, Alberto Castro y presidido por Ana Josefa Silva): AMPARO de Simón Mesa Soto (Colombia). Mención especial: EL PERRO QUE NO CALLA de Ana Katz (Argentina)

PREMIO DEL PÚBLICO
HATUN PHAQCHA, TIERRA SANA de Delia Ackerman (Perú)

PREMIO DE LA COMUNIDAD PUCP

Premio a la Mejor Película de Hecho en el Perú
HATUN PHAQCHA, TIERRA SANA de Delia Ackerman (Perú)

OTROS PREMIOS

PREMIO DEL JURADO DEL MINISTERIO DE CULTURA DEL PERÚ
ODISEA AMAZÓNICA de Álvaro y Diego Sarmiento (Perú)
Mención especial
HATUN PHAQCHA, TIERRA SANA de Delia Ackerman (Perú)

PREMIO DE LA ASOCIACIÓN PERUANA DE LA PRENSA CINEMATOGRÁFICA – APRECI
NOCHE DE FUEGO de Tatiana Huezo (México)
Mención especial
LA CHICA NUEVA de Micaela Gonzalo (Argentina)

PREMIO DE LA ASOCIACIÓN DE COMUNICADORES, MONSEÑOR LUCIANO METZINGER
Premio APC SIGNIS Perú
NOCHE DE FUEGO de Tatiana Huezo (México)

Escucha las canciones de Annette de Leos Carax

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Escucha las canciones de Annette de Leos Carax

Annette es la apuesta musical del director, Leos Carax, presentada en la última edición del festival de Cannes. Las canciones de Annette ya están disponibles en Spotify y YouTube.

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A diferencia de otras películas del género, en Annette las canciones tienen letras bastante simples. Son diálogos cantados, sencillos.

Las composiciones están a cargo de Spark con ayuda del director y cantadas por los actores como Adam Driver y Marion Cotillard.

Aquí las canciones de Annette en Spotify:

También en YouTube

So May We Start

True Love Always Finds a Way

Crítica a Annette de Leos Carax

Christiaan Lecarnaque
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Crítica a Annette de Leos Carax

En un mundo que se va virtualizando con más intensidad por acción de una pandemia inesperada, las películas llegan con más facilidad a nuestras manos como Annette.

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Annette es la nueva película del director, Leos Carax, quien emocionó a mucha crítica con su cinta Holy Motors en el 2012. Se dicen muchas cosas sobre la fecha de estreno de esta película. Lo cierto es que Mubi la proyectará en Latinoamérica a fines de este año (26 de noviembre). Si llega a una sala de cine, no hay evidencia, ni indicio razonable que así sea y si se concreta probablemente se proyecte en el 2022 en el Perú. Así que amigo cinéfilo aprovecha que ya está a tu disposición para apreciarla y ponerte a pensar un poco en ella.

Esta película es un musical que como toda cinta de este género tiene sus diálogos cantados, escenografías de colores, otras de fantasía, fotografía espectacular, personajes animados y otros.

Annette no es ajena a estos a recursos, aunque los lleva a su terreno. Los diálogos cantados son bastante simples. La letra no es tan complicada ni trata de ser explícita sobre los sentimientos de los personajes. Es como si usted amigo lector se le ocurriera cantar: «Ya está el desayuno, vengan a la mesa» y lo haga una y otra vez. Así se desarrolla en Annette.

No hay escenarios pomposos ni colores destacados. Además la historia no es precisamente una alegoría o un homenaje a la diversión, sino un relato de amor con olor a tragedia. Si una película le pone al inicio una escena donde los protagonistas se aman y adoran, desconfíe. Alguna tragedia asomará en el horizonte como Annette y con eso no estoy adelantando el final; solo advirtiendo que el final no será feliz.

Otras tomas con riesgo son, por ejemplo, cantar mientras tienes sexo. Claro que en la vida real eso no existe, porque tu cabeza y manos están entretenidas en otras partes del cuerpo, y tu garganta solo expulsa una solo nota. Pero en la película funciona y se ve bien. Además de erótica, transmite el amor que se prodigan los protagonistas (no recuerdo un musical con ese tipo de escenas de sexo).

Lo mismo sucede con otra en que supuestamente los amantes bailan y discuten sobre un barco. Una escena que suena más a metáfora que algo literal, cuyo significado se daría más adelante cuando aparece una piscina abandonada, llena de musgo y cercada por una cinta amarilla.

Annette no es precisamente un musical de espectáculo o con mucho brillo, de bailes perfectos y música pegadiza, sino más sobria, simple, correcta en su fotografía, concentrada en ejecutar esta trágica historia de amor tratando de alejarse de los clichés del género. Es una apuesta arriesgada que funciona en forma correcta.

Crítica a Sweet Girl con Jason Momoa en Netflix

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Crítica a Sweet Girl con Jason Momoa en Netflix

Sweet Girl, película protagonizada por Jason Momoa es la más vista en Netflix durante varios días. La historia de venganza de un David y Goliat parece haber funcionado entre los suscriptores que la tienen como una de sus favoritas por estos días.

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Pero por qué funciona una película que casi todos los críticos la consideran regular o mala. Pues por varios factores. Primero Jason Momoa. Se hizo conocido en Juego de Tronos con su papel de Khal Drogo, el musculoso y rudo amante de Daenarys Targaryen. Luego más popular cuando apareció en la primera película de La liga de la justicia de Joss Whedon. Fue uno de los personajes, junto a Flash, que se puso al público en el bolsillo. Sin mencionar el éxito obtenido gracias a Acuaman (pronto lo veremos en la nueva adaptación de Dune). El carismático Momoa contribuye al éxito de esta película.

Además la cinta ejecuta una historia ya conocida en el cine y de enorme efectividad. ¿A quién no le gustan las historias de revancha? El relato de una venganza, de un David contra un Goliat siempre funciona (como las cintas de Liam Neeson) más aún cuando se le suma rudeza, violencia, porque el malo de esta película merece una lección ante los ojos del respetable. En este caso, golpear a una empresa de medicinas casi siempre indolentes, más aún en tiempos de pandemia, genera empatía en el espectador.

Luego viene ese giro de la historia que seguramente todos están comentando y que los dejó boquiabiertos en la última media hora de la película. Si es no o absurda, eso no importa, ya estás metido en el drama y que te lancen esa sorpresa deja boquiabierto al público y probablemente la haga más entretenida.

Por qué no me gustó ese giro. Lo intuí cuando la pequeña estaba terminando sus clases de box; al final se confirmó la sospecha. Por otro lado, durante el desarrollo de la cinta no hay un indicio de esa transformación. A la muchacha se le nota en todo momento indefensa e insegura, salvo en las tomas del boxeo. Más parece una estrategia para aprovechar a Momoa en la pantalla, que un recurso narrativo.

Sweet Girl es una película entretenida, con mucha acción, utilizando la vieja fórmula de la venganza que cumple con entretener al público. Que sea regular, inverosímil, con un exceso de drama inicial o una agente del FBI francamente ingenua o demasiado maternal con su fugitivo, es lo de menos. En esta película lo único que importa es lo que entretenga al público.

Crítica a Las siamesas de Paula Hernández (25FCL)

Christiaan Lecarnaque
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Crítica a Las siamesas de Paula Hernández (25FCL)

Las siamesas de Paula Hernández están unidas por una dependencia que ellas no reconocen, sino hasta que realizan un viaje por Argentina.

Madre e hija, Clota y Estela, abordan un bus informal para revisar unos departamentos que el padre heredó a Estela. Estela cuida a su madre ya mayor y desde el inicio de la película se observa que la mamá no es una mujer fácil de lidiar.

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Durante el viaje la madre expresa todas las inseguridades y miedos posibles haciendo complicado el periplo a Estela. A veces la señora se da cuenta de lo que hace, pero muchas veces no se controla y deja escapar ese lado oscuro de su alma. No solo es insoportable viajar con ella, sino que es muy hiriente con su hija.

En la cara de Estela y en sus frecuentes lagrimones se nota que está harta, cansada, frustrada y que no ve la oportunidad de romper ese vínculo con su madre. Solo en las conversaciones con uno de los choferes encuentra un poco de paz.

Sin embargo ninguna se da cuenta que una depende de la otra. Hay un fuerte vínculo emocional entre ellas que hace difícil una separación. La madre necesita a su hija y la hija necesita cuidar a su mamá.

LAS SIAMESAS: BUENAS INTERPRETACIONES

Eso se observa gracias a las buenas interpretaciones de las dos actrices protagonistas: Rita Cortese y Valeria Lois, dos mujeres que entienden a la perfección a los personajes, se diluyen en ellos y entregan dos versiones tóxicas de mujeres en un constante ataque de nervios. Vale la pena mencionar la buena fotografía empleada en esta historia desarrollada al interior de un bus.

Como sucede en la ciencia, las siamesas deben separarse y en este caso será de la forma más traumática posible, aunque en la toma final de la película de Paula Hernández se deja claro que la paz llegó a una de ellas. ¿A quién? Vean esta buena cinta en el 25 Festival de Cine de Lima.

 

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