Los silencios son protagonistas de El irlandés de Martin Scorsese, pero da espacio a música propia de la época y que se supone fueron éxito, o bastante escuchadas, por esos días.
En ese soundtrack tenemos canciones como Qué rico mambo que aparece casi al final de la película.
También incluye el tema característico de la película. Está escrito por Robbie Robertson.
Aquí te dejamos la lista disponible en Spotify:
CÓMO LE HA IDO A LA PELÍCULA
Según Netflix, El irlandés ha sido una de las películas más vistas en México.
🎬Top de Películas en México 🎬
1. El Irlandés 2. Belleza inesperada 3. Klaus 4. Navidad, loca Navidad 6. El caballero de la Navidad 6. Justicia del Ártico: Escuadrón del trueno 7. Rápidos y furiosos 8 8. El Hombre Araña 3 9. Baywatch: Guardianes de la bahía 10. Yo antes de ti
De acuerdo a un estudio de Nielsen, la cinta de Martin Scorsese ha sido vista por 13.2 millones de cuentas. Pero solo la mitad ha terminado de verla. Porque la película dura tres horas y media, además tiene un ritmo diferente al de sus anteriores cintas de gánster.
🎟Nielsen estima que 13,2 millones de personas vieron #TheIrishman en sus primeros cinco días en Netflix USA. ¿Pero cuántos la terminaron?
Si la mitad de esa cifra hubiera ido al cine a verla, la película habría recaudado más de $50M. https://t.co/HpyXEWiyGJ
Dónde está mi cuerpo inicia con una mano escapando de un refrigerador. Sí, esa extremidad tiene voluntad y empuja la pegajosa puerta de este electrodoméstico, busca una ventana y huye, no sin antes dejar regado en el piso un ojo que tiene un triste final por culpa de un pisotón distraído.
Por eso resulta una película animada extraña. No es que haya cintas animadas raras, porque en este género hay animales que hablan, emociones humanizadas discutiendo en nuestra mente o robots viajando por el universo siguiendo el rastro de su única oportunidad de enamorarse. Pero ver una mano con vida buscando algo, sí que es desconcertante. Aunque funciona, encaja en la historia.
Esa extremidad le pertenece a alguien y de alguna manera busca retornar a ese cuerpo.
El dueño de esa mano no es precisamente feliz. Lo fue. Tenía una buena familia y un buen porvenir, sin embargo, un accidente le cambió esa suerte y terminó en el lado opuesto, con una familia fría y con pocas oportunidades de alcanzar su sueño.
Lo más triste es vivir pensando que esa vida, ya comprada, se te escapó de las manos por culpa tuya. Así vive el protagonista de la historia sin ganas y resignado. Encuentra una oportunidad de amar, probablemente de reinsertarse en el camino construido en su niñez, pero la tragedia, una vez, asoma en su vida. Parece un final evidente.
Solo en esos momentos de tristezas, la mano es fiel. Contra viento y marea quiere reintegrarse a su cuerpo, y darle un nuevo aliento a su dueño. En ese momento final, cuando parece todo decidido, esa fuerza se pone de manifiesto. Un nuevo aliento que viene desde nuestro interior.
TODO ENCAJA
Otro punto interesante de Dónde está mi cuerpo es que cada elemento es importante. Por ejemplo, una mosca refuerza el vínculo del protagonista y su padre, y el mismo insecto lo pone en el lado oscuro. Una radio testimonia una vida pasada y le salva vida, y ese mismo artefacto…ya verán al final de la película. No hay personaje u objeto que no encaje en la película. Todo tiene su propósito y por eso es que funciona.
Dónde esta mi cuerpo sigue siendo extraña, pero mejor que otras cintas animadas dominantes de las discusiones en redes sociales. Véanla. Disponible en Netflix.
Hay películas que destruyen una verdad mediática. Que te quitan una venda de los ojos y profundizan en esa información que los gobiernos desean ocultar. The Report funciona así, como una herramienta útil para advertirnos de la manipulación realizada a la información de torturas aplicadas por la CIA en su captura de Osama Bin Laden, líder de Al Qaeda.
The Report, estrenada en el festival de Sundance, ya está disponible en Amazon Prime o Prime Video. La película está protagonizada por Adam Driver, quien este año sumará tres películas: The Report, Star Wars: El ascenso de Skywalker y Marriage Story, disponible en Netflix (disponible en Netflix el 6 de diciembre), con la cual obtendría su segunda nominación al Óscar (además que es uno de los favoritos para ganarlo).
En The Report, interpreta a Daniel Jones, un joven investigador quien asume la tarea de investigar posibles torturas de la CIA cometidas durante la guerra contra Al Qaeda, encargada por la senadora Dianne Feinstein (Annette Bening).
Jones involucra su conocimiento y corazón en la investigación logrando hallazgos importantes.
En la primera parte de esta recolección de información, Jones se topa con datos reveladores e indignantes que prueban estas torturas.
MANIOBRAS POLÍTICAS
Pero el problema no se centra en conseguir la información, porque aparentemente se logra de una manera sencilla, sino después, cuando el reporte está listo para su publicación. En esa parte de la cinta se denuncian las maniobras políticas de personajes de imagen intachable (como el presidente Barack Obama) para que este enorme informe no vea la luz, o sí la ve, que sea a medias: tachando párrafos con plumón negro, según el criterio de la agencia de inteligencia.
Las maniobras son absurdas y las justificaciones para oponerse son burdas y risibles. Si bien la investigación se hizo pública, no afectó ni a la Casa Blanca, ni a la CIA, ni mucho menos a los responsables, quienes incluso ascendieron y obtuvieron réditos en sus carreras.
The report es una película reveladora. A Jones se le utiliza para denunciar estos crímenes y en él se refleja la indignación de una sociedad cansada de exigir sanciones a los responsables. Además, queda en evidencia que no siempre el fin justifica los medios, porque en ese camino caen más inocentes que culpables.
Véala y no tema conocer la verdad. Disponible en Prime video.
QUÉ DICE LA CRÍTICA
MetacriticRotten Tomatoes
PELÍCULAS RECOMENDADAS DE ADAM DRIVER
Lincoln
El infiltrado del Kkklan
Star Wars: Despertar de la fuerza y Star Wars: El último jedi
Volver a ver, documental dirigido por Judith Velez, retrata el retorno de tres experimentados fotógrafos a Ayacucho, después de varias décadas de fotografiar la tragedia gestada por el terrorismo de Sendero Luminoso.
Los profesionales seleccionan sus mejores fotografías y buscan a los protagonistas de estas imágenes.
Jóvenes en el retrato, hoy con arrugas, mantienen intactos esos tristes recuerdos. “No tenemos ganas de nada”, dice una de ellas víctima del terrible castigo aplicado por los senderistas.
El documental no borra ni censura nada. Deja que los personajes hablen de sus remembranzas, de esa secuela imborrable en sus memorias.
La presencia de los fotógrafos sirve para conocer esos testimonios y también saber de ellos. Qué pasó luego de esa guerra no deseada por nadie. Así como los entrevistados tienen en común esa tragedia, también una vida triste y marginada del resto de la sociedad, y un Estado indolente que parece no haber aprendido la lección.
TRISTE IRONÍA
El caso más triste lo protagoniza Maximinia (ojalá no me equivoque su nombre), una joven víctima de la crueldad de las fuerzas policiales, también responsables en este conflicto. Perdió toda su familia en lo que se supone el día más feliz de su vida: la pedida de mano para su matrimonio. No le quedó ninguno, salvo sus abuelos.
Décadas después la fotógrafa testigo de sus lágrimas y corazón roto la encuentra en un penal de Ayacucho. Fue sentenciada a ocho años, porque llevar droga. Triste ironía de esta joven cuya historia nos demuestra que, a veces, la tragedia puede ser perpetua y que no siempre nuestras penas son consoladas en esta vida.
Volver a ver es un documental que merece verse para darnos cuenta que las secuelas del terrorismo se mantienen. Esa guerra la ganó el Estado y sus comunidades, pero parece una derrota porque esas víctimas siguen enfrentando el olvido estatal y la indiferencia social.
Contra lo imposible (Ford vs. Ferrari) es química, carros y humor. La película dirigida por James Mangold (Logan, Inocencia interrumpida, En la cuerda floja) se basa en la dura competencia de autos de Le Mans de Francia en 1966.
La película Contra lo imposible tiene dos personajes: Carroll Shelby (Matt Damon), un antiguo competidor retirado por problemas del corazón, y Ken Miles (Christian Bale), aficionado y mecánico, con una personalidad complicada y un ego enorme, aunque al mismo nivel de su talento.
Shelby tiene una oportunidad: lucir los vehículos de Ford, antigua empresa de automóviles norteamericana, en la competencia de Le Mans. Es ocasión de oro para volver a su pasión: las carreras de autos.
Pero necesita la visión y pasión de Ken para ganar ese evento deportivo.
No es fácil convencer a Ken, ni mucho menos convivir con él. Pero Carroll lo conoce bien. Sabe cómo engancharlo. Pero tampoco es difícil embarcarlo, porque Ken tiene problemas de embargo de su casa. Este proyecto significa proteger económicamente a su familia con ayuda de su pasión. Al igual que Carroll, necesita sentir la velocidad en sus venas para vivir tranquilo.
Todo parece ideal, pero la empresa auspiciadora no cree en Ken. No es que duden de su talento, sino que temen que abra la boca y les genere un problema de imagen ante los medios. Carroll insiste, a Ken le da igual. Pero más por la terquedad de Carroll, el proyecto prospera.
BUEN TRABAJO DE BALE
En ese tira y afloja, esa tensión semejante a una competencia automovilística, ese vaivén en que no sabes si lograrás la curva perfecta o evadirás al contrincante, se explora bien la química entre ambos personajes. Uno cree en esa amistad. Porque amigos no implica solo complicidad y risas, sino también palabras duras y a veces peleas. Matt Damon es Matt Damon, es él, pero Bale es un chofer flaco, de mirada altiva y labios arqueados hacia abajo cuando te escucha a la defensiva. De esa soberbia se burla y saca un personaje francamente divertido, más aún con ese marcado acento británico (recomiendo verla subtitulada) que en momentos hilarantes te arranca una carcajada.
De ese día a día se llega a la competencia automovilística, más cohesionados y coordinados. Esa parte de la película no estafa. Te regala lo que un amante de las carreras le gusta ver: velocidad, obstáculos, dolor, miradas, fuerza, sonido de llantas, incertidumbre desde el interior y exterior de la competencia. No es una recreación plana donde los autos corren uno tras otro, sino hay una historia, un drama que contar, un viaje que superar y una gloria que alcanzar.
Contra lo imposible de Mangold te regala amistad, paternidad, carros, humor y música. Pero es una excusa para darle una segunda oportunidad a dos personajes con mucho talento que vivían entre dudas de su capacidad y conflictos. Los dos ganan, aunque se percibe que Ken obtiene más en una competencia que nadie creía en él.
QUÉ DICE LA CRÍTICA
MetacriticRotten Tomatoes
PELÍCULAS RECOMENDADAS DEL ELENCO
James Mangold (director)
Logan con Hugh Grant, la historia final de Wolverine
En la cuerda floja con Joaquin Phoenix y Reesse Whiterspoon
Ver una película dos veces te ayuda a concluir si te gustó o no. Si en el segundo visionado te agradó, entonces el filme es muy bueno. No sé si El irlandés sea una obra maestra, porque la frase ha sido manoseada tantas veces por los críticos que no estás seguro qué significa. Pero sí sé que me gustó. Definitivamente es una de las mejores del año.
El irlandés tiene como protagonista a Frank Sheeran (Robert De Niro), un camionero encargado de trasladar carne a restaurantes. En ese camino conoce a Russell Bufalino (Joe Pesci). A Russell le otorga su lealtad y se convierte en un hombre de cumplimiento estricto de órdenes. Por ese camino de fidelidad, aparece Jimy Hoffa (Al Pacino), un hombre de sindicato, igual de poderoso que cualquier presidente de los Estados Unidos. Con él mantiene una relación de amistad, acaso de hermanos. Pero cuando las relaciones empiezan a deteriorarse, Sheeran deberá tomar una decisión.
Martin Scorsese ofrece otra película de gánster que no se parece a sus hermanas Buenos muchachos o Casino. Se siente reflexiva. Hay silencios y las amenazas son sutiles. La violencia no se regodea ni se verbaliza, sino que va directa, sin dramas. Sheeran es tan eficiente con sus misiones que a la víctima no le da oportunidad ni a saludar.
Joe Pesci no es el mismo de Buenos Muchachos o Casino. Su papel es completamente diferente: más tranquilo, poco cómico, aunque decidido a defender sus intereses.
Robert De Niro ofrece, también, una interpretación calmada, pero acentuada con una transformación física notoria en su forma de caminar y la posición de su espalda. Pero hay un mejor trabajo cuando maneja los silencios y se nota en la escena en que recibe un terrible mandato. Ahí se siente una contradicción: dolor, por un lado, y convicción, por otro, porque es una determinación que debe cumplirse. “Lo que pase, pasará”, dice, con él o sin él al mando.
Al Pacino, quizás sea el mejor, hace un buen manejo de su mirada, voz y tiene unos diálogos bastante hilarantes como cuando intenta indagar qué Tony le está dando una respuesta. “Por qué los italianos utilizan tanto ese nombre”, se pregunta, y nosotros también. El adicto a los helados te gana con su carisma y te conmueve cuando asistimos a sus últimos días.
UNA BUENA PELÍCULA
Es una película para ver con paciencia, a tu ritmo, para prestarle atención a los diálogos. Cualquier película de tres horas y más aún, de tres horas y media, cansa, no podemos negarlo, pero no aburre, sino que el resultado final es satisfactorio. El rejuvenecimiento digital no distrae, aunque se nota en Robert De Niro, más no en el resto de actores.
Es un filme que acompaña al protagonista en su viaje de lealtad. Solo cumple órdenes que, si bien le generan un bienestar económico y una buena reputación ante sus jefes, lo aleja terriblemente de su familia. Dice que lo hizo todo por ellos, pero El irlandés es un hombre de fidelidades extremas, de organizaciones con espíritu de cuerpo. Se le ve afectado por perder a su parentela, pero no estoy seguro si su sentimiento es genuino. ¿Si tuviera una segunda oportunidad se retractaría y se dedicaría a sus hijas? No lo creo.
La nueva película de Martin Scorsese es una de las mejores películas del año. En los diálogos se percibe experiencia, sabiduría y humor; en los silencios, se siente tensión y suspenso, y en las actuaciones peso de tres grandes nombres desconocidos por las actuales generaciones, que El irlandés los ofrece en vitrina para conocer su talento. Disponible en Netflix.
Frozen perdió emoción en este camino de seis años que demoró el estreno de Frozen 2. No se siente igual. Se percibe una obra menor a la primera parte que enamoró a niñas, crítica y el Óscar.
Si en la primera entrega Elsa, protagonista de Frozen 2, tenía conflictos existenciales, buscaba su identidad y su lugar en este mundo, en la segunda busca en el pasado de su familia reparar errores que afectan a la aldea que gobierna junto a su hermana.
Ella se siente ajena a la rutina del resto, porque percibe que hay una tarea pendiente. Esa es su prioridad, por eso se embarca en una misión que integra a los personajes principales presentados en la primera película, liderados por Ana, su hermana.
Unos dicen que es una película con un contenido medioambientalista, otros que no supera a la primera película lo cual es cierto, porque a veces se siente tan fría como el significado de su nombre, hay poco de emoción, poco de riesgo, dejando a los personajes hacer lo suyo como Olaf, creado exclusivamente para hacer reír a las audiencias. No tiene otro rol que ese. Es como si hubieran tomado el armazón de la primera entrega para repetir lo mismo y adherirle un nuevo reto a la protagonista sin entrar en dilemas u otros conflictos.
Mientras Ana, quizás por la experiencia pasada, se vuelve más exigente. Quiere saberlo todo, y quiere hacer notar a Elsa que siempre estará a su lado para lo que necesite, pese a sus limitaciones. A veces cansa, porque en la primera parte de la película más resta que suma. Solo al final tiene un rol importante para ayudar a su hermana en problemas.
En todo caso Frozen se disfruta, pero no es igual ni mucho mejor que la primera película. Lamentablemente es una película que olvidas rápido.
El director del documental, La revolución y la tierra, Gonzalo Benavente presentó en Arequipa su película y otorgó una entrevista sobre las decisiones y posiciones que le dejó su trabajo.
Además Gonzalo Benavente revela que quiso hablar con los hijos de hacendados, pero aceptaron la invitación.
Fotos: Encuentro latinoamericano de cine de no ficción
–Christiaan Lecarnaqué: ¿Inesperada la respuesta del público hacia tu documental? Gonzalo Benavente: Sí. Le teníamos fe al proyecto, porque sentíamos que era un tema importante para todos en general. Pasaba que cuando decíamos que teníamos un documental sobre la reforma agraria, la gente pensaba que no iba a funcionar, pero pensamos que sí podía enganchar con el público, igual no calculamos el nivel de cariño que ha tenido el público con la película.
–¿Cómo llega este tema a ti? Pasa por un interés por conocer qué tan cierto es lo que hemos aprendido en el colegio. Te decían que Velasco atrasó al Perú por 30 años, que acabó con el rock y que no dejó tocar a Santana, son como tres cosas que siempre se escuchan. Después te das cuenta que esta historia es mucho más compleja, más grande de eso que sabíamos. Fue una inquietud de entender que es lo que realmente había pasado. Porque sí entendíamos que había un avance social importante que no era parte del discurso oficial. El discurso oficial es que fue un desastre económico, que es algo cuestionable, pero lo social no estaba en esa discusión.
–Parece que todos tenemos una posición sobre la reforma agraria. Sí, Velasco polariza como ningún otro tema, puedes estar muy a favor o muy en contra, es un héroe o villano, pero entendimos que la verdad no está en los extremos, sino en los puntos medios, uno se sentía más cómodo criticando a Velasco en voz alta. Sí teníamos un punto más favorable a Velasco lo decía en un entorno más cerrado, no con libertad. Esto no te hace velasquista, sino te hace reconocer que en este periodo histórico hay cosas por rescatar e importantes para el país.
-Tu documental demoró tres años en nacer, ¿por dificultades o porque no encontrabas respuestas que buscabas? No, por (esas respuestas) se dan por el camino a través de viajes por el Perú. Iban apareciendo nuevas historias. Este tiempo hizo que investigáramos un poco más y que pudiéramos grabar más, pero sobre todo que pudiéramos pensar mejor la historia, para entender que esto escapaba de ese momento, no solo es de los 60 a 70, sino una narrativa de 500 años para entender el Perú de hoy. Creo que eso dio gracias a que le pudimos dar muchas vueltas en el tiempo y contar la historia de la mejor manera posible. No es la “historia”, sino una visión de nosotros.
NO FUE FÁCIL CONSEGUIR LAS PELÍCULAS
-Lo fascinante de tu trabajo es la inclusión de películas que mucha gente no sabía que existían. ¿Por qué tomas esta decisión de soportar la historia con estas imágenes? Porque fue parte de la investigación ver estas películas. Nos dimos cuenta que no hay muchas imágenes de esta historia que queríamos contar, entonces el cine peruano fue nuestro rescate. Gracias a estas películas contamos esta historia. Nos dimos cuenta que estamos haciendo una película, por lo tanto construyendo un imaginario más como estas películas lo hicieron. Son imaginarios, no es la realidad. Son visiones desde un punto de vista específico sobre el Perú. No pensamos que la nuestra es la última voz, sino una más que se inserta dentro de un camino largo. Es una pena que no haya tantas películas. El 70% de las películas que se hicieron en el siglo XX en el Perú ya no existen, por incendios, accidentes, por olvido, porque el Estado no se ha hecho cargo de velar por el material audiovisual que tenemos.
-¿Cómo conseguiste estas películas? Tocando puertas, contactando cineastas. En caso hayan fallecido, con sus hijos, nos daban el permiso, pero no tenían las películas, las copias, teníamos que ver dónde estaban. Rastrear si había una copia de 35 milímetros o 16, proyectarla, grabarla en 4K, sacar la cinta Betacam, que la gente daba por desechas, y buscar que reproductor de Betacam podría existir para sacar las imágenes. Hemos escarbado y sacado de donde podíamos. Esta película se hace gracias a estos archivos familiares de gente que ha mantenido esas películas. Hay películas desaparecidas.
-Hay imágenes donde se ven a los indígenas rindiendo pleitesía a los patrones. Cuando las ves de alguna manera piensas que la reforma agraria fue justificada. ¿Cómo conseguiste estas imágenes? Investigando mucho. Una de las cosas fundamentales del cine es investigar. Sí es fundamental buscar todo lo que hay sobre un tema y en esa búsqueda encuentras material fantástico. En este caso fueron estas imágenes que llenaron un vacío, porque las imágenes que teníamos eran de ficción. Estas estaban ancladas en la realidad con una potencia que la verdad no había visto antes. Quien narra la historia es Walter Cronkite, periodista que narró la muerte de John F. Kennedy, no es que te lo esté diciendo alguien velasquista, sino el reportero más famoso del mundo. Creo que eso ha hecho pensar en la gente que quizás sí era bueno hacer una reforma agraria, porque tenía que hacerse, porque lo decían todos los políticos de la época, incluso de la derecha. Hay un recuerdo confuso, qué fue Velasco, qué fue la reforma agraria, lo recuerdan como comunista, pero Velasco se inserta en el programa de Kennedy de Alianza para el progreso para luchar contra el comunismo.
-Pero el tema no está agotado, sino que el debate continúa. Son temas que se arrastran 500 años, no son de hace 50 años, que es lo que nosotros pensamos cuando iniciamos el proyecto, sino 500 años. Por eso necesitamos contar esta historia. La revolución peruana es trunca en ese sentido. Sí dio pasos importantes en muchas cosas, pero quedan cosas pendientes, seguimos teniendo asuntos pendientes, seguimos viviendo en una sociedad de exclusión donde nos diferenciamos en función a nuestro color de piel, género, etc. Tenemos que empezar a luchar para que eso cambie, para que todos seamos iguales. Frente a los conflictos sociales, tenemos que aprender las lecciones de la reforma agraria. Si no se respetan los derechos de las comunidades, entonces se pueden generar actos de violencia como sucedió con Bagua.
UNA EXTRAÑA NOSTALGIA
-En tu documental hay personas que extrañan las haciendas. ¿por qué crees que hay esa nostalgia? Es algo que nos llamó mucha la atención, nos sorprendió cuando estuvimos grabando la película, pensamos que quizás en la ciudad era más común identificar a Velasco como un villano y en el campo como un héroe, como un libertador. De hecho, es casi así, pero también hay casos que nos hicieron ver que la realidad es mucho más compleja, porque sí se construyó una narrativa de que los campesinos no podían hacer cargo de sus vidas y se repitió constantemente. (…) Aun así hay una narrativa que se ha creado, que es peligrosa, hace que un grupo humano, un grupo social piense que no está capacitado para hacerse cargo de su vida y si todos los medios te lo dicen, si en la escuela te lo repiten, te lo terminas creyendo y no porque necesariamente sea verdad. Eso hay que cuestionarlo.
-¿Pero Velasco no debía acompañar a los indígenas después de esta reforma agraria? Siempre se pueden hacer las cosas mejor, efectivamente quizás la reforma agraria no se debió hacer en ese esquema de cooperativas, sino de otra manera y con un mayor acompañamiento, pero lo cierto es que las cooperativas, no es que fracasen inmediatamente, fracasan en los 80, cuando todo el Perú fracasa, las empresas también. Pero queda la idea que los campesinos fracasaron. Se hubieran hecho las cosas mejor. No lo desarrollamos tanto en el documental, pero otra película lo podría hacer. Nosotros contamos el lado social, y nuestro hilo conductor fue la lucha por la ciudadanía, en esa lógica, en la edición final fuimos sacando algunas cosas que hablaban más de ese lado económico, porque no iban ligadas a nuestra idea central.
LOS HIJOS DE HACENDADOS NO QUERÍAN HABLAR
-Al incluir tantas voces en el documental no se caía en el riesgo de disipar el mensaje. Lo justo era incluir muchas voces, porque era una historia que nos interpelaba a todos. También siendo la primera vez que se tocaba el tema, sentimos que debíamos contar esta historia larga, no ir a temas específicos, entonces la idea de las muchas voces la sentíamos importante. Sin embargo, muchas personas piensan que hay ausencia de voces, quizás sea cierto, abarcamos el 0.0001 por ciento de esta historia, siendo generosos con nosotros mismos, hay muchas voces que no están, pero igual creo que el cine no debe buscar la neutralidad, no porque haya muchas voces, no hay una visión política de por medio (…)
-Si se incluía más voces críticas, no hubieran tenido un perfil más redondo, porque al final el documental parece una reivindicación de Velasco. Buscamos el lado social de la reforma agraria, que tiene una connotación positiva para mucha gente, incluso incluimos a gente visible de derecha como Jaime de Althaus, cuyas críticas iban más a lo económico que a lo social, aunque reconocían avance en lo social. Por lo tanto, como el camino que nos habíamos trazado tenía que ver con lo social, incluso las voces de derecha no cuestionaban tanto ese aspecto, cuestionaban más el lado de productividad. Muchos hijos de hacendados, o nietos, preferían no hablar en la medida que nosotros queríamos dar una visión honesta de lo que pensamos de la reforma agraria, y que había tenido alcances positivos. Muchos no querían participar, porque preferían que se hable mal de Velasco.
-Sí hubo una invitación con ellos para que hablen en documental Sí. Hemos ido a haciendas donde no nos abrieron las puertas, por eso hay tomas desde afuera. Gracias al archivo es que esas voces están presentes. Aparece Fernando Graña quien habla bastante. La voz de los hacendados ya estaba ahí también, no desde el presente ni del Perú de hoy, pero sí de ese momento. No nos importaba que fueran entrevistados o no. Todas esas voces pesan igual.
-En tiempo de redes sociales, te han llegado críticas a este trabajo El más visible fue Aldo Mariátegui quien nos dedicó cuatro columnas y una videcolumna pidiendo que nos saquen, pero siempre diciendo: ‘no he visto el documental de la reforma agraria, pero lo tienen que sacar de la sala’. Sin verlo lo critica. Pasa que mucha gente no se fija tanto cuál era nuestra intención, sino que se fijan en las historias que ellos consideran importantes relacionados al tema y que deberían haber estado. No dudamos que no sean importantes, pero creo que hay un millón de historias que no estamos contando. Esta película no pretende ser la historia absoluta y final, sino plantearse una voz más, ojalá vengan otras que complementen y contradigan en función a lo que descubran. Pero la verdad está en un punto medio entre muchas voces.
-Cuando tu documental no era popular, te daban horarios de 1 de la tarde o 10 de la noche, ¿por qué las cintas peruanas tienen que lidiar con este problema? Porque los cines tienen un prejuicio en el cual las películas peruanas no iban a funcionar a nivel comercial, menos este tipo de películas que buscan contar historias y se han dado cuenta, con esta película, que sí hay un público para nuestras propias historias. Espero que esta experiencia sirva para que a otras películas les vaya mejor.
FICHA Gonzalo Benavente fue también director de la película Rocanrol 68 y el documental Largo aliento sobre la clasificación de Perú al mundial. Alista otro documental sobre los artistas durante el terrorismo. El documental La revolución y la tierra de Gonzalo Benavente continúa en cartelera, pero solo en Lima.
La película de Gonzalo Benavente inauguró el Encuentro Latinoamericano de cine de no ficción. Durará hasta el 30 de noviembre.
Parece que nada ha cambiado en la tercera temporada de The Crown con la inclusión de nuevos actores. Como tampoco con la principal misión de la reina Isabel: mantener estable la monarquía.
La monarca debe lidiar con nuevas complicaciones, solo que, en esta temporada, en varios episodios, se le intenta mantenerla distante en algunos sucesos ocurridos a sus parientes. Pero no es precisamente un mero testigo, sino alguien que emana fortaleza y decisión.
Gracias a la exploración de los matices de otros personajes es que se dejan ver hasta tres buenos episodios: “El margarismo”, dedicado a la honestidad de la princesa Margarita. Empoderada por la reina concreta un buen acuerdo para su país recurriendo a su estilo directo y espontáneo. Este es el episodio en que Helena Bonham Carter, se luce en el personaje.
También aparece “Bubbikins”, otro buen capítulo dedicado al esposo de la reina Isabel, Felipe de Edimburgo, y su reconciliación con su madre refugiada en Grecia. Hay uno más por destacar “Grito de amor” (quizás el mejor) también dedicado a la princesa Margarita y la fractura de su matrimonio. Si bien el contexto gira sobre los últimos días del matrimonio de Margarita, sirve también para mostrar a una Isabel más vulnerable, menos rígida, más temerosa, y una buena ocasión para subrayar la interpretación de Olivia Colman.
Si bien los personajes de la monarquía tienen sus problemas, la corona no se mancha. Se mantiene, y aunque la reina Isabel dice que nada hace, su presencia y decisiones dicen lo contrario. Porque de alguna manera la monarca influye y pesa en esta vida frívola, pero conflictiva.
THE CROWN 3 NO HA SIDO BLANDA
También hay episodios en que se cuestiona las posiciones de la reina. Cuando se aborda el romance de un joven príncipe Carlos y Camila, se refleja una familia maquiavélica analizando las relaciones del futuro monarca de Inglaterra en función a los intereses de la corona más no del corazón del sucesor de la reina.
Otro capítulo parece recordarle a la monarca que alguna vez defendió la democracia y fustigó los golpes de Estado, mientras hace unos meses avaló una controvertida disolución del Parlamento en momentos que se discutía un difícil Brexit.
Esta temporada no ha sido tan blanda con la familia real. Por el contrario, a veces, se le observa ajena a los intereses de sus súbditos, a Felipe de Edimburgo se le nota más duro (como sus comentarios con los astronautas que pisaron la Lina), y a Margarita más descontrolada. Por el único que podemos sentir lástima es Carlos, por vivir con una familia que no lo comprende y enamorarse de una mujer que a veces lo quiere y otras no.
The Crown, temporada 3, ahonda más estos seres que parecen tenerlo todo: dinero, lujos, servicios, admiración, pero que en el fondo padecen los mismos problemas de sus súbditos, siendo la reina ese roble necesario en toda familia para mantener la estabilidad. Para que todos tengan la oportunidad de echarlo a perder, pero con la confianza que se mantendrá esa seguridad. Buena temporada, no decepciona.
Por primera vez, una película peruana es nominada a los Independent Spirit Awards, reconocimiento a lo mejor del cine independiente estrenado en los Estados Unidos. Retablo, película peruana hablada en quechua, y también representante peruana en los Óscar, logró ubicarse entre las seis nominadas para este año.
Retablo competirá con Parásito de Corea del Sur (la favorita de la temporada), La vida invisible de Brasil, Portrait of lady on fire de Francia y Los miserables de Francia, así como El souvenir de Reino Unido.
La nominación de la cinta nacional significa una espaldarazo en su objetivo por conseguir una postulación al Óscar en esta categoría. Los Independent Spirit Awards son una buena tribuna para llamar la atención de los votantes.
El año solo dos películas lograron una nominación al Óscar: Roma de México y Asuntos de familia de Japón.
Precisamente la película se estrenará este viernes en cines de Los Ángeles, San Francisco y Londres. Aunque ya obtuvo buenas reseñas en medios norteamericanos. «Aparicio esculpe un mundo para Segundo tan delicado como las figuritas de su padre«, señala Seattle Times.
Screendaily también halagos para la película: «Elaborada de forma adorable (…) Asombrosamente detallada (…) Un largometraje sensible, tranquilo e inmersivo».
¿EL AÑO DE ADAM SANDLER?
Adam Sandler en Uncut Gems
Por otro lado, Uncut Gems de los hermanos Sfadie y protagonizada por Adam Sandler ha salido bien parada en esta lista de nominaciones.
Logró cinco candidaturas, entre ellas, mejor película, dirección y actuación con Adam Sandler, por encima de la favorita, Historia de un matrimonio de Noah Baumbach, aunque esta película quedó fuera porque recibirá un homenaje en la premiación.
Lighthouse también ha recibido un buen espaldarazo al lograr, también, cinco nominaciones, aunque no en la categoría a mejor película.
Los medios y crítica apostaban por The Farewell y Waves, de buenas críticas en festivales, pero deslucida con estos reconocimientos.
Con los Independent Spirit Awards la temporada de premios empieza a tomar forma. Desde la última semana de noviembre empezaremos a conocer los primeros veredictos de la crítica y gremios para darnos una idea de lo que se viene.
NOMINADOS A LOS INDEPENDENT SPIRIT AWARDS 2020
MEJOR PELÍCULA A HIDDEN LIFE CLEMENCY THE FAREWELL MARRIAGE STORY (Estreno 6 de diciembre por Netflix) UNCUT GEMS
MEJOR DIRECCIÓN Robert Eggers – THE LIGHTHOUSE Alma Har’el – HONEY BOY Julius Onah – LUCE Benny Safdie, Josh Safdie – UNCUT GEMS Lorene Scafaria – Las estafadoras de Wall Street
MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA Karen Allen – COLEWELL Hong Chau – DRIVEWAYS Elisabeth Moss – HER SMELL Mary Kay Place – DIANE Alfre Woodard – CLEMENCY Renée Zellweger – JUDY
MEJOR ACTOR PROTAGONISTA Chris Galust – GIVE ME LIBERTY Kelvin Harrison – Jr., LUCE Robert Pattinson – THE LIGHTHOUSE Adam Sandler – UNCUT GEMS Matthias Schoenaerts – THE MUSTANG
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA Jennifer Lopez – LAS ESTAFADORAS DE WALL STREET (En cartelera) Taylor Russell – WAVES Zhao Shuzhen – THE FAREWELL Lauren “Lolo” Spencer – GIVE ME LIBERTY Octavia Spencer – LUCE
MEJOR ACTOR SECUNDARIO Willem Dafoe – THE LIGHTHOUSE Noah Jupe – HONEY BOY Shia Labeouf – HONEY BOY Jonathan Majors – THE LAST BLACK MAN IN SAN FRANCISCO Wendell Pierce – BURNING CANE
MEJOR GUIÓN Noah Baumbach – MARRIAGE STORY Jason Begue, Shawn Snyder – TO DUST Ronald Bronstein, Benny Safdie, Josh Safdie – UNCUT GEMS Chinonye Chukwu – CLEMENCY Tarell Alvin Mccraney – HIGH FLYING BIRD
MEJOR FOTOGRAFÍA Todd Banhazl – HUSTLERS Jarin Blaschke – THE LIGHTHOUSE Natasha Braier – HONEY BOY Chananun Chotrungroj – THE THIRD WIFE Pawel Pogorzelski – MIDSOMMAR
MEJOR MONTAJE Julie Béziau – THE THIRD WIFE Ronald Bronstein, Benny Safdie – UNCUT GEMS Tyler L. Cook – SWORD OF TRUST Louise Ford – THE LIGHTHOUSE Kirill Mikhanovsky – GIVE ME LIBERTY
MEJOR ÓPERA PRIMA BOOKSMART THE CLIMB DIANE THE LAST BLACK MAN IN SAN FRANCISCO THE MUSTANG SEE YOU YESTERDAY
MEJOR PRIMER GUIÓN Fredrica Bailey, Stefon Bristol – SEE YOU YESTERDAY Hannah Bos, Paul Thureen – DRIVEWAYS Bridget Savage Cole, Danielle Krudy – BLOW THE MAN DOWN Jocelyn Deboer, Dawn Luebbe – GREENER GRASS James Montague, Craig W. Sanger – THE VAST OF NIGHT
MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL AMERICAN FACTORY (Disponible en Netflix) APOLLO 11 FOR SAMA HONEYLAND ISLAND OF THE HUNGRY GHOSTS
MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA INVISIBLE LIFE, Brazil LES MISERABLES, France PARASITE, South Korea PORTRAIT OF A LADY ON FIRE, France RETABLO, Peru THE SOUVENIR, United Kingdom
JOHN CASSAVETTES AWARD (A una película con menos de 500.000 $ de presupuesto) BURNING CANE COLEWELL GIVE ME LIBERTY PREMATURE WILD NIGHTS WITH EMILY
ROBERT ALTMAN AWARD Al director, director de cásting y reparto de ‘Marriage Story’
PIAGET PRODUCERS AWARD Mollye Asher Krista Parris Ryan Zacarias
TRUER THAN FICTION AWARD Khalik Allah – BLACK MOTHER Davy Rothbart – 17 BLOCKS Nadia Shihab – JADDOLAND Erick Stoll & Chase Whiteside – AMÉRICA
BONNIE AWARD Marielle Heller Kelly Reichardt Lulu Wang
SOMEONE WHO WATCH AWARD Rashaad Ernesto Green – PREMATURE Ash Mayfair – THE THIRD WIFE Joe Talbot – THE LAST BLACK MAN IN SAN FRANCISCO
