Crítica a Coda con Eugenio Derbez en Apple TV

En la película Coda, el lenguaje de señas tiene más fuerza que las palabras. Estrenada por Apple TV, dirigida por Sian Heder, protagonizada por Emilia Jones y Eugenio Derbez, retrata la divertida e inspiradora historia de una familia con discapacidad auditiva (sordos).

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Esta parentela estable y con la capacidad suficiente para vivir, debe enfrentar un problema por el talento de una de sus parientes. Es que una de sus integrantes, Ruby, quien no tiene esta discapacidad, posee una hermosa voz que la puede abrir un camino como cantante. Ni ella ni su familia lo sabe, solo un maestro de música repara en esta cualidad.

El reconocimiento de este don genera conflictos internos a Ruby quien debe decidir si debe seguir este camino lo que en consecuencia significa alejarse de su familia. No solo se trata de dejar la casa, sino que sus parientes dependen de ella para comunicarse, principalmente, en su negocio. Entonces qué hacer. Ir por un sueño o mantenerse leal a la familia. Y del otro lado, dejarla ir y aprender a comunicarse, o mantenerla a su lado hasta los últimos días de su existencia.

La aparición de ese talento no hace más que aflorar inseguridades y conflictos entre los integrantes de esta familia.

Pero la película no va por el lado oscuro ni el drama, sino por la diversión y el humor de carcajadas (porque francamente hay escenas en que no puedes evitar lanzar las risotadas) bajándole tensión a este lío.

CODA: BIEN ACTUADA

La fórmula en que se ejecuta la historia no es precisamente original, ni arriesgada, sino que transita por esos recursos que te llevan por un camino conocido. Sin embargo a su favor juegan buenas escenas de actuación interpretadas por actores que en la vida real tienen esta discapacidad auditiva.

Hay dos que merecen subrayarse. Como aquella en que los hermanos se enfrentan y presionan a la protagonista a tomar una decisión. En esa toma hay una poderosa fuerza en las señales que no hacen extrañar las palabras para percibir la cólera y frustración que sienten los personajes.

Mientras que aparece otra, una más emotiva, donde el padre recurriendo a sus manos intenta reconocer el talento de su hija. Ya que ellos no pueden apreciar su buena voz debido a su sordera. E ahí la necesidad del padre de ayudarse a disfrutar de las melodías de su muchacha.

Otra fortaleza de Coda es la música que seguramente agradará a aquellos que gustan de las canciones que vienen de coros.

Coda resulta una película divertida, inspiradora, que también habla del poder de la familia y lo que significa a para uno el respaldo de todos. Recomendable.

Crítica a Secretos de un matrimonio, disponible en HBO Max

Secretos de un matrimonio (Scenes from a Marriage) se concentra en una pareja joven, diez años de esposos, aparentemente feliz.

 

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La miniserie disponible en HBO Max inicia con una escena donde los jóvenes intentan convencer a una investigadora de su tesis, sobre el supuesto éxito de su matrimonio. Sin embargo gracias a las actuaciones de Jessica Chastain y Oscar Isaac se nota incomodidad y sorpresa por escuchar la respuesta de cada uno. Hay mucha sutileza en esa primera toma y los gestos hablan mucho de los problemas que veremos más adelante en esta pareja.

Desde ese momento suceden muchas secuencias de diálogos donde cada uno expone su situación frente a este matrimonio. Exponen sus razones, toxicidades, reproches y una serie de argumentos para dinamitar o no el matrimonio.

Pero el problema es que entre ellos todavía hay amor y aunque admiten que la relación no está yendo por buen camino, todavía quieren mantenerse juntos. Porque no se trata de torpedearlo todo y odiarse mutuamente, sino de sacarse sus «cositas al aire» y luego tratar de sobrevivir así magullados y lastimados. No es precisamente un modelo de relación, pero cuando hay cariño, qué se puede hacer, el corazón muchas veces se impone a la razón.

Lo interesante de esa primera toma es cómo otra pareja ofrece una forma distinta de vivir el matrimonio que parece interesar a la mujer del matrimonio en conflicto. Pero esa propuesta atrevida no es precisamente para todos.

BUENAS ACTUACIONES

Gracias a estas tomas de diálogos es que se exponen buenas interpretaciones de Jessica Chastain y Oscar Isaac, protagonistas a quienes verán más a lo largo de los cinco episodios, de casi una hora de duración, que ofrece la miniserie. Aunque ambos explotan se les ve muy bien como una pareja enfrentándose a la realidad, sin problemas.

Lo interesante es como se marca los inicios de cada capítulo, porque vemos a los actores caminando alrededor del equipo de filmación y luego ingresan al set para dar inicio a la escena programada. Hay una fusión inmediata de la realidad con la ficción.

Secretos de un matrimonio es una miniserie para ver con mucha paciencia y atención a sus conversaciones que permitirán entender a sus personajes. Va por HBO Max.

Crítica a Cines de video de Wari Gálvez

Con un año de retraso llega esta crítica a Cines de video de Wari Gálvez. La película se estrenó en la última edición del festival de cine de Trujillo y con ello la oportunidad de conocer su historia.

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La película peruana huele a nostalgia ya que revive con imágenes los viejos cines instalados a lo largo del país, hoy desaparecidos del ojo cinéfilo.

Hubo un tiempo en que los filmes se proyectaban en pequeños teatros con butacas de madera, que estrenaban una sola película al día. Pero con el paso del tiempo estos establecimientos han cerrado. Unos han sido vendidos a iglesias evangélicas para sus cultos y otros lucen deteriorados.

Cines de video cuenta la historia de estos cines con ayuda de sus extrabajadores quienes recuerdan épocas de glorias, salas llenas, largas colas y años exitosos increíbles de creer al reparar en la abrupta caída de estos negocios.

Los relatos se sienten frescos como si se viviera en esos años y no en estos en que esos locales se pudren con telarañas y hongos.

Los extrabajadores creen que la caída de estos cines está vinculada a la aparición de los DVDs y el posicionamiento de la televisión. Uno se atreve a responsabilizar al primer gobierno de Alan García, porque en esos cinco años la economía nacional prácticamente quedó quebrada. Pero lo cierto es que los multicines también tienen «vela en este entierro» porque ingresaron con fuerza al mercado nacional ofreciendo otras comodidades que no tenían esos teatros.

Es una pena conocer el estado de estos cines, pero el tiempo avanza y no se detiene. Si no hay adaptación, la muerte es segura. Pero que bueno que Cines de video haga una historia que no los deje en el olvido infinito, sino que nos haga recordar su importante función en llevar cine a cada rincón del país. No había ciudad pequeña o grande que no tuviera un teatro para ver películas por esos años. Hoy en cambio abrir las puertas de un multicine requiere de estrictas investigaciones mercados para definir si procede o no iniciar un negocio en determinado punto del país.

Ojalá haya más oportunidades de ver esta película, aunque una cadena de cine le pondrá muchos «peros» antes de proyectarla (si es que desea hacerlo). Probablemente con un cine pequeño no hubiera existido este problema.

Crítica a Halloween Kills con Jamie Lee Curtis

Halloween Kills es la película 12 de la franquicia iniciada en 1978 bajo la dirección de John Carpenter. Solo que esta versión aparentemente da pie al final de esta larga historia con una nueva cinta a estrenarse en el 2022 bajo el título de Halloween Ends.

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En esta nueva película, protagonizada por Jamie Lee Curtis (la misma actriz quien lideró el reparto en el primer filme), se trata de dar una nueva relación entre el villano y los personajes afectados. Ya no se trata de la historia perseguidor-perseguido, sino que la víctima toma valor y va al ataque para atrapar al malo de la película.

Para tal objetivo reaparecen casi todos los personajes que se salvaron de las garras de Michael Myers en las películas anteriores para enfrentarlo en este penúltimo episodio. Todos unidos toman valor para ajustar cuentas.

Si bien hay escenas típicas de terror donde el villano muy inteligente encuentra la oportunidad para arrinconar a cada una de sus víctimas, también vemos a un pueblo envalentonado tratando de zafarse del miedo yendo de cacería, aunque signifique, incluso, cometer algunos errores.

No obstante, la película no es más que un preludio de lo que se viene de la supuesta última película de Halloween. Decimos supuesta, porque en Hollywood existe el arte de la resurrección de historias terminadas solo para mantener a la audiencia atenta. Y es evidente esa conexión hacia el final que poco a poco se dan pistas de quien sería Michael Myers. Se presume que en la película del próximo año conoceremos un poco más de sus orígenes.

Halloween Kills intenta ofrecer un punto de vista diferente, pero igual cae en los clichés del género: violencia, sangre, gritos y otros que disfrutan los amantes de estos filmes. Seguramente resultará entretenida para aquellos que disfrutan de este tipo de historias.

Ridley Scott: Siete películas para conocer su obra

Para conocer un poco la enorme filmografía de Ridley Scott, director de El último duelo, y pronto a estrenar La casa de Gucci con Lady Gaga, en esta nota te recomendamos siete películas del director. Para el 2022 entregará su obra llamada Kitbag con Joaquin Phoenix y Jodie Comer, donde hablará sobre la vida de Napoléon Bonaparte.

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El cineasta tiene 83 años. Fue nominado cuatro veces como mejor director y película. Con Gladiador ganó el trofeo a mejor película. En los últimos años ha venido adaptando cintas de corte histórico como Cruzada, Robin Hood o Éxodo y ahora El último duelo. Alien y Blade Runner se consideran dos clásicos de la ciencia ficción.

Alien: El octavo pasajero

Blade Runner: corte final de Ridley Scott

Disponible en HBO Max

Thelma y Louise

Gladiador

La película puedes verla en Netflix y Prime Video

Misión Rescate

La caída del halcón negro

Disponible en Netflix

Todo el dinero del mundo

Pueden verla en Prime Video

Crítica a El último duelo de Ridley Scott

Si El último duelo (The last duel) se hubiera reducido solo al último capítulo de la historia sería un peliculón. La película dirigida por Ridley Scott (Alien, Blade Runner, Misión Rescate) retrata una historia de reivindicación femenina en un tiempo en que se creía que el rol de la mujer solo se reducía a dar hijos.

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El último duelo cuenta la historia de un abuso cometido contra una mujer y cómo su esposo exige satisfacciones al agresor en un duelo a muerte. Para narrar este drama, este relato se divide en tres capítulos. Cada protagonista cuenta desde su punto de vista cómo ocurrieron los hechos.

El esposo, el agresor y la mujer atacada describen desde una forma particular los acontecimientos. Al tener esta oportunidad cada uno tiene un punto de vista hacia los hechos y se describe cómo ellos creen que el resto los ve. Por eso es que los hombres se ven asimismo como hombres tiernos, divertidos, leales. En el caso del esposo, amoroso con su pareja y el abusador, un hombre divertido, gracioso que se siente correspondido por su víctima.

Pero la verdad viene en el tercer capítulo, como se señala en la película, cuando llega la versión de la mujer y es allí cuando cambian las naturalezas de los personajes masculinos.

Ya no son tiernos ni amorosos, sino abusivos y déspotas. El cambio más notorio es el personaje interpretado por Matt Damon, quien interpreta al esposo de esta mujer. No se le observa protector y cálido, sino todo lo contrario, incluso agresor en la intimidad. Aquí la interpretación del actor es buena, porque entrega tres distintas interpretaciones a lo largo de la película.

EL MEJOR EPISODIO DE EL ÚLTIMO DUELO

Decimos que el mejor capítulo es el tercero, no solo por estos detalles, sino también por la tragedia que debe atravesar una mujer para demostrar que fue víctima de violencia sexual. Pero no solo se trata de sustentar el delito, sino también demostrar su inocencia. Porque para los juzgadores se debe aclarar, primero, si la mujer no dio motivos para el ataque y luego sancionar, si es que cabe esa posibilidad, al violador.

En este episodio aparece enorme, la actriz, Jodie Comer (Killing Eve, Free Guy), ofreciendo una buena interpretación al lograr un personaje inteligente, valiente y coherente.

Es obvio que por esos años (la película se ambienta en el siglo XIV) la mujer no tenía derechos. Pero al escuchar los argumentos sobre el abuso sexual se nota tan vigente en la actualidad que parece no haber mucha diferencia entre aquellos años de oscuridad y hoy.

Otra bondad de la película también son los detalles. Como aquellos en que describen los rituales previos a la luna de miel de la pareja o el final del duelo que supone un triste epílogo para el caballero perdedor. Incluso en esta escena no importa el honor de la mujer, sino la del varón ganador.

Interesante película, El último duelo, de Ridley Scott, quien este año entregará otra película, La casa de los Gucci (House of Gucci) con un reparto liderado por Lady Gaga. El último duelo es un filme que va lento, pero que ofrece una buena recompensa hacia el final.

Crítica a La cantera de Miguel Barreda

La cantera es una película filmada en la ciudad de Arequipa (Perú) cuyo estreno estaba previsto para marzo del 2020. Sin embargo la pandemia retrasó esta proyección y recién esta semana ingresa a las salas de cines.

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Previo su paso al circuito comercial fue estrenada en festivales como el de Lima en el 2019 donde obtuvo una mención honrosa junto a películas como el documental, La revolución y la tierra, Canción sin nombre y La bronca.

La cantera es una historia de venganza protagonizada por un joven escolar quien llevado a buscar justicia por la muerte de su padre, enfrenta a su madre y familia.

Desde el inicio los silencios y los paisajes rurales de Arequipa atrapan al espectador con una historia desarrollada en la cuna del sillar, piedra característica de las casonas antiguas de la ciudad.

No hay mucho que decir entre los personajes cuando es evidente su incomodidad, desinterés y ambición. El paisaje duro y gris combina con este relato duro y áspero.

La cantera se desarrolla en un ambiente agreste, rural, de construcciones de sillar ajeno a la imagen de perfección, reducida a su centro histórico, que suelen promocionar sobre Arequipa. Este es un sector que pocos conocen de la ciudad.

El tramo final viene rápido sin caer en dramatismo ni explicaciones. Aquí el espectador debe hacer su tarea y resolver el «enigma».

LA CANTERA: SECUENCIA Y ACTUACIÓN

La película tiene buenos momentos. Como la escena en que dialogan el joven, madre y tío en un comedor de la casa. La cámara no se despega de ellos hasta resolver la secuencia. No hay cortes incluso cuando uno de ellos abandona ese espacio. A ello hay que sumarle la toma inicial de ingreso a la cantera.

Además Carlos Rudas Apaza, el joven protagonista, entrega una buena actuación logrando un personaje insatisfecho, gris, incapaz de ver el lado amable a todo, resistente a aceptar el nuevo orden que viene con la muerte de su papá.  La cantera de estreno en las salas de cine.

Crítica a Distancia de Rescate de Claudia Llosa

Han pasado siete años del estreno del último largometraje de Claudia Llosa, No llores vuela. Hoy con Netflix entregó su nueva obra, Distancia de Rescate (Fever dream), basada en el libro del mismo nombre de Samanta Schweblin, quien también estuvo encargada, junto a Llosa, del guion de esta película.

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Distancia de rescate es la historia de dos madres con una visión particular de protección de sus hijos. Una de ellas cuenta que su pequeño padeció de una fuerte intoxicación que lo dejó al borde de la muerte. Decimos al borde porque acudió a una curandera quien le propuso un extraño hechizo que significaba «canjear almas», es decir, intercambiar ese espíritu envenenado por uno sano. En ese momento viene la pregunta en el espectador ¿Qué haría una madre por salvar a su hijo? ¿Acaso hasta lo imposible?

El problema es que, como se ha planteado en muchas películas, retar a la muerte trae sus consecuencias y no siempre mantenemos en vida al que conocemos, sino que revive algo diferente. Que se parece a lo que quieres, pero que es completamente diferente.

Desde la develación del secreto empieza la angustia y tensión de la madre informada llamada Amanda, quien advertida de estar rodeada de locos y curanderos, decide hacer lo imposible para proteger a su hija.

Hace exactamente lo que la otra madre: idear mecanismos para proteger a su hija de un «monstruo» que convive con ellas y que ni siquiera reparan de su existencia.

Distancia de rescate habla de eso, de la maternidad y su protección llevando los escenarios a extremos de terror, aunque la película no tenga ese perfil. Más parece encajarse en el suspenso que en el horror pese al argumento. A nivel técnico se ve bien, porque tiene una interesante fotografía. Además Dolores Fonzi, actriz argentina, entrega una buena actuación.

Una película para entretenerse este fin de semana. Va por Netflix.