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The Crown: Crítica a la quinta temporada de esta serie

Christiaan Lecarnaque
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The Crown: Crítica a la quinta temporada de esta serie

La quinta temporada de The Crown llegó con cierta expectativa por la muerte de la reina Isabel II quien lideró el reinado más largo de la historia británica.

Crítica a la cuarta temporada de The Crown

La despedida de Isabel II elevó entre los espectadores el interés por conocer su historia y la serie de Netflix ayuda a conocer los eventos más importantes de la vida personal y laboral de la reina.

La quinta temporada tocó el conflicto matrimonial entre la princesa Diana y el príncipe Carlos, además de otros momentos relevantes de ese periodo del reinado de Isabel II.

Otros actores toman el mando de la historia como Imelda Staunton en el papel de la reina Isabel II; Elizabeth Debicki, princesa Diana; Dominic West, príncipe Carlos y Jonathan Pryce como el rey Felipe. Cada dos temporadas hay un cambio de actores.

The Crown: actuaciones que solo cumplen

Precisamente el cambio de actores es uno de los principales problemas de esta temporada. Una de las fortalezas de The Crown ha sido las interpretaciones sutiles y fuertes que hemos visto a lo largo de la serie. En la quinta temporada se nota que las nuevas inclusiones son correctas y cumplidoras, salvo el trabajo de Debicki como la princesa Diana.

Elizabeth Debicki le copia todo a la princesa Diana, principalmente, su forma de mirar, el sello personal de este personaje. Cuando la ves en pantalla quieres más de ella, pero te ofrecen poco y de lo poco no la aprovechan bien.

El trabajo de la actriz como Diana es bueno, pero parece que los directores no repararon en ese potencial.

The Crown
Josh O’Connor (Carlos) y Emma Corrin (Diana)

La temporada anterior Olivia Colman, Helena Bonham Carter, Josh O’Connor y Emma Corrin hicieron un trabajo notable para contar detalles de la vida de Isabel II.

¿Hay un lavado de imagen a Carlos?

Otro detalles, que para algunos puede ser un problema, es que los personajes no están planteados bajo los mitos o leyendas creados alrededor de la historia de Carlos y Diana. Es decir que en esta temporada no hay una Diana indefensa, víctima absoluta de la monarquía o un Carlos convertido en un villano. Todo lo contrario. En esta nueva historia tenemos a una pareja en crisis haciéndose daño como la mayoría de relaciones que existen en el mundo.

Pero un sector de seguidores de la serie no han tomado a bien estos detalles ya que consideran, por ejemplo, que la quinta temporada de The Crown funciona como un lavado de imagen del príncipe Carlos a quien muchos todavía ven como el villano de esta historia.

Además si comparamos con la temporada anterior hay diferencias o contradicciones en el planteamiento de la historia de la familia real. Se venía sosteniendo que el clan real era terrible, frío y distante. Pero en esta temporada se les ve más humanos y cálidos. Hay misericordia hacia ellos en esta quinta temporada.

The Crown: los detalles desconocidos

No obstante la quinta temporada de The Crown trae detalles interesantes como la forma en que se gestó la entrevista de la princesa Diana con la BBC. O cómo es que Mohamed Abdel Moneim Fayed llegó a la vida de Diana y la familia real. De alguna manera se intenta romper con ese imaginario popular que contaminó la historia de Diana con conspiraciones y espionajes.

No es la mejor temporada de la serie, ni la mejor actuada, pero igual se disfruta. Ojalá mejore en la siguiente y final entrega.

 

Buena suerte Leo Grande: Crítica a la película de Emma Thompson

Christiaan Lecarnaque
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Buena suerte Leo Grande: Crítica a la película de Emma Thompson

Buena suerte Leo Grande pasó desapercibida para la audiencia. Esta película independiente, grabada principalmente al interior de una habitación, entrega una historia interesante. Además de una de las mejores interpretaciones de Emma Thompson.

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La película narra la historia de la maestra Nancy Stokes. La profesora contrata los servicios sexuales de un joven llamado Leo Grande. Ambos se encuentran en una habitación de un hotel. A partir de esta cita inicia una relación que habla sobre las relaciones de pareja y el trabajo sexual.

Nancy es una mujer que busca un orgasmo, un placer desconocido para ella pese a su larga relación con su esposo ya difunto. Su objetivo es explorar su cuerpo y conocer esta satisfacción no encontrada en su matrimonio. De alguna manera se deja llevar por la cordialidad y carisma del joven gigolo con quien entabla largas conversaciones francas e interesantes sobre su matrimonio.

Pero esa confianza también le permite conocer la verdadera historia de Leo Grande escondida detrás de este nombre falso.

Esta película no sale de la habitación de hotel. Buena suerte Leo Grande es una cinta de interpretación y diálogos. Es una propuesta teatral donde importan más las actuaciones de los personajes. En ese sentido sobresale Emma Thompson, una actriz cuya carrera es reconocida por el medio, pero que en esta oportunidad, añade riesgo y osadía en su performance.

En la escena final Thompson protagoniza un desnudo cuyo objetivo es que el personaje sea honesto con su cuerpo y lo acepte frente a un espejo. La toma resulta franca y honesta que ayuda a entender mejor la naturaleza del personaje. Este momento de la cinta me hizo recordar a Gloria de Sebastián Leilo, cinta del 2013, en que la protagonista también decide desnudarse para demostrar que no tenía miedo de aceptar su cuerpo.

Interesante película que desafortunadamente no tiene mapeada el público y que ojalá entregue algunos premios, principalmente, al trabajo de Emma Thompson.

Better Call Saul: Crítica al final de la temporada de la serie

Christiaan Lecarnaque
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Better Call Saul: Crítica al final de la temporada de la serie

Better Call Saul nació de Breaking Bad. La historia de la serie se centró en Saul Goodman, un abogado sin escrúpulos capaz de venderse por una buena cantidad de dinero. En Better Call Saul ahondan más en los orígenes del personaje y otorgan el final que no tuvo en Breaking Bad.

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A veces este tipo de producciones, conocidas como spin off, historias auspiciadas para seguir sacándole el jugo a una serie o película con buena audiencia, se hacen por cumplir. Pero este no es el caso. En esta serie, disponible en Netflix, no solo hay un buen guion, sino excelentes interpretaciones y un notable lenguaje visual.

Por qué mirar Better Call Saul

Pero por qué mirarla. Por qué destinar parte de tu tiempo a ver esta serie que algunos consideran una de las mejores del año. Pues hay muchas razones. Para empezar no es una serie sencilla llena de obviedades o diálogos explícitos. Hay mucha sutileza en su ejecución dejando rastros en su historia para que el espectador arme el rompecabezas. El objetivo de esta serie es buscar que el espectador sea más activo.

Luego ofrece buenas interpretaciones pronunciando diálogos cotidianos, reflexivos y relevantes para la historia. No hay mucho drama o exageración en las actuaciones, sino roles precisos y suficientes para darle interés a la serie. En esta categoría destacan el trabajo de Bod Odenkirk (Saul Goodman), Rhea Seehorn (Kim Wexler), Patrick Fabian (Howard Hamlin) y el fenomenal Tony Dalton como Lalo Salamanca.

Imágenes que dicen mucho en Better Call Saul

Pero uno de los valores más importantes es que el alma de Better Call Saul se cuenta con un lenguaje visual hermoso, a veces a color, otros, principalmente, hacia el final, a blanco y negro. Son imágenes bonitas, pero con significado. Revelan mucho de las emociones de los personajes. Como aquella toma final en que los protagonistas aparecen separados por unas mallas de seguridad mirándose con amor y dolor. No tienen que decir nada para entender qué sienten en ese momento.

Por estas razones es que Better Call Saul es buena. Está al nivel de Breaking Bad, aunque con ejecuciones diferentes. Breakind Bad ofrece la progresiva conversión de un noble profesor con cáncer en un frío narcotraficante, mientras que esta serie va un poco  más despacio, pero entreteniendo con las argucias y cálculos de un abogado que parece no darse cuenta de las consecuencias de sus actos.

Así se hace un fan service

Están al nivel más aún cuando los fanáticos empezaron a encontrar coincidencias entre una y otra serie lo que habla de la importancia de ambas. Pero lo más interesante es cómo cruzan las historias entre ambas series trayendo personajes de Breaking Bad a esta historia de Netflix. El resto está ahí, incluso el inolvidable Walter White. Son más que cameos en un guion que no es de superhéroes. Estas inclusiones podrían responder a pedidos de los fanáticos, pero el «fan service» se hizo bien, sin que se notara accesorio o poco importante.

Esta es una buena propuesta que no decepcionara, salvo que el espectador busque otro tipo de producciones más ligeras y divertidas. Si no es así, Better Call Saul es su opción.

Carajita: Crítica a la película dominicana (26FCL)

Christiaan Lecarnaque
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Carajita: Crítica a la película dominicana (26FCL)

Carajita ofrece una escena inicial en que una mujer y una joven mantienen una relación maternal. Sin embargo la toma es engañosa porque en los siguientes minutos enfrentarán una prueba poderosa que colocará a ambas contra las cuerdas. La película es una de las competidoras del 26 Festival de Cine de Lima.

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Las mujeres que vemos en la escena inicial son Sara y su niñera Yarisa. Aunque hay una relación laboral, ambas se tratan como madre e hija. La niñera tiene su pequeña, pero parece querer más a la niña de sus patrones que a la propia.

Pero el problema viene cuando una tragedia pondrá a prueba a las tres. En ese momento el amor será probado, las lealtades preguntarán en qué bando te encuentras y la culpa aparecerá para generar miedo y rechazo.

Toda esta buena historia se desarrolla en un contexto en que sutilmente se discutirá el trabajo doméstico. Aparentemente la niñera parece formar parte de la familia de sus patrones por criar a los dos hijos. Pero cuando aparecen conflictos, qué prevalece: la relación fraternal o laboral.

No es que Carajita discuta abiertamente los problemas del trabajo doméstico con ayuda de sus diálogos o alguna escena dramática. Simplemente, con algunos detalles, se siente esa tensión. Ese hilo que en cada momento se romperá mientras avance el conflicto. Esa confrontación que colocará en su lugar a cada actor social.

Pero principalmente ayudan las interpretaciones femeninas. Por un lado de Cecile Van Welie quien interpreta a la adolescente Sara y por otro de Magnolia Núñez como la niñera Yarisa. Núñez, principalmente, ofrece una proyección interesante de su personaje hacia el final de Carajita. Un epílogo que solo da pistas para que los espectadores se den una idea de cómo se resuelve esta historia. Recomendable.

 

Tiempos futuros: Crítica a la película de Víctor Checa (26FCL)

Christiaan Lecarnaque
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Tiempos futuros: Crítica a la película de Víctor Checa (26FCL)

La película peruana, Tiempos Futuros, sale del molde y se sumerge en la ciencia ficción para retratar la relación padre e hijo durante un experimento para salvar Lima. La película es una de las competidoras en el 26 Festival de Cine de Lima.

Crítica a La Pampa de Dorian Fernández

Luis y su hijo adolescente Teo están embarcados en sacar adelante una máquina milagrosa que provoque una lluvia en Lima. Sin embargo cuando llega la notificación de un embargo, el joven Teo cambia sus prioridades y busca formas para solucionar este problema.

Mientras su padre está más obsesionado en concretar su creación, Teo busca ayuda en un grupo de jóvenes dedicados a espiar casas en Lima. Con ellos el muchacho obtiene una oportunidad para conseguir dinero, pero también es una ocasión para conocer otro tipo de vida y liberarse de la rutina creada alrededor del experimento de su padre.

Para Teo esa máquina ya no es una prioridad, sino una tarea más conforme avanza la película. Le seduce más la libertad y escapar de esa rutina, que continuar al lado de su padre. Evidentemente esta situación generará un choque que podría poner en riesgo ese experimento.

La película se ambiente en una Lima de tonalidades opacas, ambientes poco iluminados y calles semivacías. Además de mezclar celulares modernos, con ellos que solo servían para llamar o enviar mensajes de texto. O recurrir a la nostalgia para incluir una de las escenas del cortometraje de Aldo Salvini, El gran viaje del Capitán Neptuno, con el actor Aristóteles Picho.

Tiempos futuros se narra con diálogos sencillos, incluso aquellos dedicados a dar algunas lecciones de física, e interpretaciones tranquilas sin alterar este mundo futurista limeño. Quizás una película demasiado tranquila.

Medusa: Crítica a la película de Anita Rocha (26FCL)

Christiaan Lecarnaque
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Medusa: Crítica a la película de Anita Rocha (26FCL)

Medusa podría ser un resumen o un capítulo de la serie El cuento de la criada. La película brasileña de Anita Rocha Da Silveira fue proyectada en el 26 Festival de Cine de Lima.

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Crítica al documental Cartas a distancia de Juan Carlos Rulfo

La analogía no se hace en mala onda, sino para apuntar que ambas producciones presentan historias similares en que las mujeres deben someterse a los designios masculinos.

Por lo menos en las primeras temporadas de El cuento de la criada funciona como una dictadura masculina en que el género femenino solo baja la cabeza y obedece. En Medusa sucede lo mismo.

En esta película, las jóvenes no reniegan de un destino de permanente adoración a Dios, recitación de versículos bíblicos y preparación al matrimonio, donde el hombre manda y la mujer obedece.

Además de ello estas jóvenes fanáticas deben perseguir a quienes consideran herejes y, a punto de golpes, convertirlas al bien y llevarlas hacia el encuentro con Jesús.

Sin embargo cuando esa perfección se ve desfigurada aparece otra realidad ante sus narices. Surge un mundo más libre y pecaminoso que seduce a una de las protagonistas. El mundo en que vivían ya no resulta atractivo. Esa rígida disciplina ya no es lo mismo cuando se «come» el fruto prohibido y se produce la liberación.

Medusa es una crítica directa al fanatismo religioso en que vive Brasil. No es la primera película que denuncia los excesos de estas organizaciones religiosas. Hay documentales y otras obras fílmicas que retratan estos momentos complicados, principalmente, para las mujeres en ese país. Incluso varios diálogos de Medusa, que los personajes pronuncian con seriedad, suenan a burla cuando uno los escucha con mucha atención.

Esta historia contada en imágenes, donde el verde prevalece, es bastante directa al retratar un peligroso escenario en que las decisiones se toman en función a los mandatos bíblicos. Lo que muchos imaginan como un mundo idílico podría ser un panorama rígido y duro para todos.

 

Cartas a distancia: Crítica al documental de Juan Carlos Rulfo (26FCL)

Christiaan Lecarnaque
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Cartas a distancia: Crítica al documental de Juan Carlos Rulfo (26FCL)

El documental, Cartas a Distancia, presentado en el 26 Festival de Cine de Lima (FCL) afectados por la COVID-19 en México.

Las vacaciones de Hilda: una buena película uruguaya

La pampa: crítica a la película de Dorian Fernández

La pandemia del coronavirus obligó a todos los países a encerrar a la población para evitar la transmisión del virus. Los enfermos evacuados a hospitales no tenían contacto con sus parientes salvo por medio de las enfermeras o enfermeros.

En Cartas a distancia, dirigida por Juan Carlos Rulfo (hijo del escritor Juan Rulfo), se observa, al inicio de la película, a las familias entregando cartas escritas a mano para sus parientes internados en los nosocomios.

Las misivas contienen mucho amor y aliento de quienes deseaban ver a sus parientes sanos y otra vez en casa. Hay momentos en que pasan de las cartas a los vídeos para contactarse con los pacientes. En esta comunicación los trabajadores de salud fueron vitales. Su trabajo consistía en curar a los enfermos, pero también se sumaron a informar a las familias del estado de salud de sus parientes.

Pero el documental va más allá porque no se queda en esa comunicación. Sino que se adentra en las historias familiares y en los orígenes de esa devoción. Conforme avanza la película cierran los relatos, algunos con final feliz y otros no. Incluso hay un momento en que Dios aparece en el debate y las respuestas revelan que la fe se perdió cuando llegó el dolor de ver partir a un ser querido.

El valor de este documental, también, es que deja registro de este momento para futuras investigaciones que cuenten la historia de esta pandemia.

Cartas a distancia, de poco más de una hora de duración, no hace más que recordar esos momentos de intranquilidad y ansiedad en que no podíamos abrazarnos, pero que gracias a iniciativas como esta se encontró un poco de alivio.

La pampa: Crítica a la película de Dorian Fernández (26FCL)

Christiaan Lecarnaque
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La pampa: Crítica a la película de Dorian Fernández (26FCL)

La pampa toma el nombre de esa área dedicada a la minería ilegal y trata de personas en Madre de Dios. La película dirigida por Dorian Fernández fue proyectada en el 26 Festival de Cine de Lima.

Las vacaciones de Hilda, la historia uruguaya que gustó en el festival de Lima

Hace varios años que La pampa opera con impunidad en esta región del Perú. Las mujeres, en su mayoría, menores de edad, son esclavizadas y prostituidas a los obreros dedicados a la extracción de oro. Por un lado hay trata de personas y por otro una depredación y contaminación progresiva de la amazonía.

No es que a raíz de la película de Fernández nos estemos enterando de estas miserias. Es un problema conocido, pero irrelevante para la mayoría. La película (asumo) intenta generar debate y reacción contra esta problemática.

Este problema social funciona como contexto para la nueva película de Fernández conocido por sus filmes como Cementerio General, Secreto Matusita y Desaparecer. En la película La pampa el protagonista es Juan, un prófugo de la justicia, que busca redimirse al encontrarse con Reina, una joven explotada por una red de prostitución de la zona.

La misión no será fácil. Los traficantes no olvidan con facilidad a sus mujeres. Por eso es que una vez conocida la desaparición de la joven emprenderán una búsqueda para llevarla a la fuerza a su «centro de trabajo».

El filme expone esta problemática a través de la historia de Juan. En la primera mitad vemos a los personajes huyendo de los traficantes por hermosos paisajes amazónicos. Luego ingresa a La Pampa recreando primero la zona destinada a la extracción del oro (esta escena quedó bien), y luego los centros nocturnos dedicados a prostituir a las mujeres.

En la película queda claro como funciona esta zona. Pero la historia tiene problemas, principalmente, hacia el final. Al inicio la película no funciona mal. Sigue la fórmula del personaje fugitivo, aunque con poca acción o persecución de los villanos. Pero en el camino no cuaja. Conocemos La pampa, pero la película no se mete en la mente de los traficantes. Solo hacia el final, cuando le faltan segundos al filme, aparece un antagónico, pero como accesorio para elevar la heroicidad de Juan.

No obstante el valor de la película es que se ponga en debate este tema y genere algo de discusión desde el cine. Ojalá lo consiga.

Las vacaciones de Hilda: Crítica a la película uruguaya (26FCL)

Christiaan Lecarnaque
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Las vacaciones de Hilda: Crítica a la película uruguaya (26FCL)

La protagonista de Las vacaciones de Hilda esconde una tristeza. No sonríe. Aunque cortés, solo ordena. Se le ve solitaria hasta que en una habitación aparece una foto familiar: está ella, su esposo e hijos en una playa. Entonces intuyes que en esa escena nació ese dolor oculto.

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Las vacaciones de Hilda es una de las películas proyectadas en el 26 Festival de Cine de Lima (26FCL). El filme gira sobre Hilda cuya rutina se ve interrumpida cuando uno de sus hijos anuncia que la visitará. La noticia aparentemente alegra a la protagonista, aunque su cara diga la contrario. Hace cambios en su centro de trabajo e invierte en arreglos en la casa. Pero todo se derrumba cuando el mismo hijo anuncia que no regresará.

En ese momento Hilda se derrumba e intenta canalizar esa decepción, pero no de una buena manera. Por eso es que se ve en una situación de riesgo que pone en peligro su vida. En ese terrible momento sus recuerdos se activan y vamos al pasado: las vacaciones.

Las vacaciones de verano muestran una Hilda más hogareña, risueña y sensual, hasta que un conflicto familiar termina por engendrar a la Hilda actual.

Las vacaciones de Hilda son de aquellas películas que dejan pistas a lo largo de su desarrollo. La idea es que el espectador junte estos rastros y saque sus propias conclusiones. Por eso es que al finalizar la cinta no queda claro que pasa con los personajes de la película. El filme te deja en una ambigüedad que te coloca en el peor de los escenarios. ¿Pasó lo que estamos pensando? ¿O es que solo es una simple historia de ruptura familiar? Hilda tiene tres hijos, pero solo escuchamos a uno ¿Qué pasó con los otros dos? ¿Acaso la conversación inicial entre Hilda y un trabajador tiene la clave del final de la película?

No obstante queda claro que Hilda sufre, aunque no lo demuestre. Su vida pesa (y mucho) por un dolor cuyo origen el espectador debe averiguar. Lo bueno es que la película tiene una buena actriz, Carla Moscatelli, quien nos ayuda a entender mejor a Hilda. Gracias a su interpretación no se hace difícil adivinar la tristeza de la protagonista.

 

 

The boys: Crítica a la serie de Prime Video

Christiaan Lecarnaque
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The boys: Crítica a la serie de Prime Video

The Boys es una serie atípica en el género de superhéroes. Ni siquiera se parece a Deadpool que es una cinta que intenta salir del molde, pero tiene sus clichés. En esta serie los superhéroes funcionan como una excusa para hacer política y negocios en un mundo como el nuestro.

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The Boys es una serie popular dentro de la plataforma de Prime Video de Amazon, aunque no tan conocida fuera de ella. Las redes sociales, en los últimos años, generan un buen boca a boca a favor de este producto que poco a poco ha ido posicionándose en el mercado audiovisual. Pero como dijimos si bien los personajes tienen capa o trajes ajustados, no es precisamente el típico relato del supehéroe al que nos tienen acostumbrados.

Su historia es más adulta, madura y política. Hay mucha sátira y se apropia de algunas posturas que han ido polarizando, principalmente, Estados Unidos en los últimos años. Hay varias escenas en que hacen guiños a posturas conservadoras fácilmente reconocibles.

Por otro lado, otra característica de este producción es la violencia explícita de sus escenas. No la esconden, ni la filtran. La muestran sin problemas. Son seres cuyos talentos hacen daños terribles y así son mostrados en la pantalla chica. Solo que este tipo de tomas son recurrentes en esta serie. Mientras que los creadores son bastante creativos con las escenas de sexo, principalmente, en la tercera temporada (vean el primer episodio y se llevarán las manos a la cabeza de lo que hicieron en esa toma)

Van tres temporadas de The boys y en esta última, disponible en Prime Video, las caretas no son necesarias. Las posturas políticas ya no requieren de maquillaje, sino que en estos tiempos hay nichos para todos y los villanos, en la serie, han encontrado el suyo, y van tras él en la siguiente temporada.

Como toda historia hay bandos: supuestos malos y supuestos buenos. No hay personajes absolutos, sino seres con matices que tienen sus motivaciones y un corazón bien escondido. Solo que en ambos grupos el fin justifica los medios y si hay que tomar medidas radicales para vencer al rival, pues adelante. Lo importante es llegar a la meta.

Una serie de superhéroes recomendable para salir del molde. Va por Prime Video de Amazon.

 

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