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El arma del engaño: Crítica al estreno de Netflix

Basada en hechos reales, El arma del engaño es la historia de un grupo de ingleses intentando engañar a Adolph Hitler y garantizar un ingreso sencillo de las tropas aliadas en Europa.

La peculiar historia estrenada en Netflix cuenta que para esta trampa recurrieron a un soldado fallecido. Tomaron este cuerpo, le dieron una vida falsa, lo llenaron de documentos supuestamente oficiales y lo arrojaron al mar.

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El objetivo era que los nazis recogieran el cadáver, analizarán los documentos y creyeran en esa información. Sin embargo los planes no necesariamente salen como uno espera. Hay situaciones que el humano, ni siquiera el más brillante, puede controlar.

La película está dirigida por John Madden, director que ganó el Óscar por la película Shakeaspeare Enamorado en 1998. Además hizo cintas recientes como El exótico hotel Marigold y Sola contra el poder o Miss Sloane con Jessica Chastain.

El arma del engaño va con el estilo del director. Sencillo, directo y entretenido. Hay momentos que intentan ponerle conflicto a la hazaña. Pero el principal objetivo de la cinta es enaltecer el esfuerzo de los ingleses por derrotar a los nazis durante la Segunda Guerra Mundial.

Si esperan una película sobre nazis donde exponen la crueldad de los seguidores de Hitler, pues esta no es la cinta. Todo lo contrario, es una película para pasarla bien, que no cuestiona nada ni a nadie.

Aquí no importan los conflictos internos, ni las complejidades de los personajes, sino describir la hazaña y llevarla hacia al final.

 

Lakers: Crítica a la serie de HBO Max

La miniserie Lakers: Tiempo de ganar aborda los exitosos años de este equipo de baloncesto en los Estados Unidos.

Cuenta con diez episodios disponibles en la plataforma de HBO Max. El primer episodio inicia con la compra de un joven «magic» Jhonson y el ingreso de un nuevo dueño a este club. Se trata de Jerry Buss o también conocido como Dr. Buss, un novato en estas lides, pero altamente competitivo y apasionado por la victoria.

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La primera parte de la miniserie está enfocada en la construcción de un equipo y la contratación de un entrenador ideal para llevar a la gloria a los Lakers. Después empiezan a notarse los resultados de movidas riesgosas y apuestas peligrosas.

En los Lakers los personajes centrales son novatos. El propietario, el entrenador, Magic Jhonson, hasta la futura vicepresidenta del club. Pero comparten un interés en común: alcanzar la victoria.

La narración se matiza entre elementos recurrentes en producciones que abordan el deporte. Luciendo jugadas, subrayando enemistades, implementando cámaras lentas para elevar la tensión y dar la sensación que habrá un resultado diferente al conocemos en la vida real.

También se incluye un estilo conocido en Hollywood. Es que uno de los directores de estos episodios es Adam McKay, conocido por películas como No mires arriba, estrenada el 2021 en Netflix. Además de The big short o Vice. El estilo de este director es sacar al personaje de la ficción, hacerlo mirar a la cámara para que explique sus sensaciones frente a la historia. Por lo menos esta narración se observa en los dos primeros episodios. El resto apunta más a elevar las jugadas y pases que otros elementos.

No hay mucha profundidad en los personajes. Hay bastante diálogo reflexivo o esos momentos en que se busca sacar lecciones de cualquier momento de sus vidas.

En general la miniserie se siente entretenida. Simpática. Por momentos divertida. Ya se anunció  la segunda temporada. Hay mucho que contar con los Lakers.

Las ilusiones perdidas: Crítica a la adaptación de la novela de Balzac

Las ilusiones perdidas (Illusions perdues) es una película francesa que adapta la novela del mismo nombre de Honoré de Balzac.

El protagonista es un joven ambicioso llamado Lucien. Es un trabajador de imprenta que tiene un talento para escribir y emocionar con su trabajo. Vive en una provincia de Francia y tiene la oportunidad de viajar a Paris por el sueño de convertirse en escritor. Cuando llega a la capital se topa con una realidad completamente distinta.

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Aunque el sueño continúa intacto, la vida cultural no es precisamente romántica o idílica, como lo imaginó. Sino corrupta y comercial.

En este nuevo entorno Lucien tiene que decidir si sumarse a este entorno para tener algo de éxito como escritor, o regresar a su provincia, trabajar y escribir sin que nadie reconozca su trabajo.

Pero el problema es que Lucien no repara que está rodeado de lobos y le falta mucha experiencia para cazar como ellos.

La película se regodea con esa atmósfera de corrupción que contamina la cultura francesa. No deja ningún detalle al aire. Describe bien cómo es que se fabrican los éxitos literarios y también los fracasos. Cómo se compran los aplausos y abucheos. Es una vida en que el dinero literalmente decide el futuro de los artistas de la capital. Los diálogos son mordaces y satíricos para criticar esta industria.

Parece un mundo en que nadie puede escapar. Donde ni siquiera los honestos pueden evitar contaminarse. Los personajes requieren de mucho tacto para mantenerse a flote o caer en el intento. Todos estos excesos me recordaron a El lobo de Wall Street de Martín Scorsese.

La historia de Las ilusiones perdidas va acompañada de un buen diseño de producción que recrea a la Francia del siglo XIX. Los exteriores se apoyan bien con carruajes, extras y coloridos vestidos para narrar esta comedia bastante trágica. A los amantes del drama de época les va a gustar esta cinta.

Pero también vale la pena destacar el buen trabajo del actor Benjamin Voisin, quien interpreta a Lucien, ofreciendo un retrato desolador del personaje, principalmente, al final de esta cinta.

Un dato no menor es que Las ilusiones perdidas ganó el premio César (los Oscar franceses) a mejor película, además de obtener otros seis premios más. No era para menos, porque es una buena película.

Entre estos árboles que he inventado: Crítica a la película de Martín Rebaza

Entre estos árboles que he inventado, ópera prima del trujillano, Martín Rebaza Ponce de León, tiene realizando una exhibición alternativa en algunas regiones del país como Arequipa.

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Recientemente presentada en el cine Umbral de esta ciudad, la película filmada en Trujillo cuenta una historia a blanco y negro de una fotógrafa llamada Mel. Ella vive sola, luego de la muerte de su madre. Quiere vender su casa, mientras retrata la ciudad. Pero no precisamente a través de tomas turísticas o históricas. Sino escenas que el ojo común no ve ni reflexiona.

La protagonista parece no tener claro su camino. Aunque está segura que su estilo de trabajo no va a cambiar y que le importa lo que ocurra en su país. A veces se le observa gris y sin ánimo.

Sin embargo su vida da un giro cuando conoce a una de las protagonistas de sus fotografías. Son almas parecidas que conectan de inmediato al punto de intercambiar historias privadas. Solo con ella, Mel se atreve a sonreír y ser más divertida.

Gracias a ella es que su camino parece más claro y la protagonista decide dar un paso importante para su carrera.

La película Entre estos árboles que he inventado protagonizada por dos mujeres no actores ofrecen interpretaciones naturales y fluidas. Se cuenta en una hora, tiempo suficiente para retratar esta interesante historia donde Trujillo aparece como una locación de reflexión y entendimiento de dos almas aparentemente grises.

Buen debut de Rebaza.

Doctor Strange en el multiverso de la locura: Crítica a la película de Marvel

Doctor Strange en el multiverso de la locura es una película de Elizabeth Olsen con Wanda o La bruja escarlata que del mismo superhéroe.

La heroína genera un problema al obsesionarse con visitar un multiverso en que pueda disfrutar de sus hijos que no tiene. Wanda no tiene hijos. Pero todo el dolor soportado en las últimas películas como la muerte de su hermano o Visión, el amor de su vida,  la llevaron a idear un mundo en que sí era madre (véanse Wandavision).

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Qué sucede cuando una persona se obsesiona con una meta. Pues llega un momento en que el fin justifica los medios.

En esta historia hay un camino para alcanzar ese paraíso añorado por Wanda y se llama América Chávez. Una niña con el poder de transitar entre uno u otro multiverso como si se fuera de paseo. Wanda la quiere a ella para robar su poder y buscar a los hijos que no tiene.

Sin embargo, en su camino aparece el doctor Strange. El superhéroe más sarcástico del mundo Marvel se coloca del lado de América. A Wanda no le importa e inicia el conflicto. Quizás este sea la primera vez en que un conflicto entre superhéroes de Marvel se vea verosímil. No como Guerra Civil en que las peleas parecían más una sesión de entrenamiento que un choque de rivalidades.

Es en esta pelea que aparece la buena interpretación de Elizabeth Olsen. Apoyándose en el estilo de Sam Raimi, director conocido por la primera trilogía de Spiderman, y cintas de terror como Muerte diabólica (The evil dead), es que ofrece la imagen de una bruja terrorífica, loca y diabólicamente contorsionista.

WANDA EN ACCIÓN

Doctor Strange en el multiverso de la locura se disfruta gracias a ella. Cuando aparece en escena la atención crece más aún cuando se convierte en una villana que no da tregua. En su cabeza conseguir sus hijos es su norte y literalmente no descansará hasta verlos otra vez. Hay un momento en que parece replicar la imagen de Carrie de 1976 donde no dice mucho, pero hace bastante.

Lástima que los cines peruanos ofrezcan pocas funciones subtituladas. Tenemos que escuchar a una Wanda con un doblaje que hace énfasis en las «r» para advertir al público que el personaje es ruso. Un recurso bastante fácil que refuerza un estereotipo. Escucharla en inglés probablemente mejore su interpretación que en general es muy buena.

El resto es conocido. Los efectos ya vistos en la primera película del Doctor Strange y en varias de Los vengadores. La presencia de La bruja escarlata demuestra que una película es buena cuando el villano es bueno, un elemento que no siempre está presente en las historias de Marvel.

No queda claro si habrá más Wanda, pero definitivamente ha dejado una buena impresión entre el público adicto a las cintas de superhéroes.

La ciudad perdida: Crítica a la película de Sandra Bullock

La ciudad perdida (The lost city) con Sandra Bullock y Channing Tatum arranca como una burla al género de aventuras. Como si quisiera ridiculizar sus clichés, pero termina por caer en lo mismo.

Bullock interpreta a una escritora de libros de aventuras. Un oficio que resulta una contradicción. La autora tiene una vida nada divertida, pero sí la habilidad describir estas historias.

Crítica a Ambulancia de Michael Bay

Crítica a Moonfall de Roland Emmerich

Mientras del otro, el galán, la inspiración de estas hazañas, no es precisamente el hombre macho, moreno, indomable y sin miedo a nada. Todo lo contrario. Solo es un modelo, escultor de su cuerpo cuya experiencia no abarca más allá del gimnasio donde se ejercita y las sesiones de fotos como modelo.

Ambos personajes parecen haberse ideado para burlarse un poco de los tópicos del género de aventura. Generalmente en este tipo de películas hay un hombre valiente, empedernido, tosco y ambicioso. Por el otro lado una mujer aparentemente débil, engreída, que termina por sumarse a la misión imposible del hombre.

Pero el inicio de La ciudad Perdida solo es engañoso. La burla a estos clichés y darnos una idea de que estamos ante algo nuevo, solo es un gancho para sumergirnos en la misma fórmula que intentaron criticar. Durante el desarrollo de esta hora y media que dura la película vemos lo mismo una y otra vez. No necesariamente porque esté bien estructurada, sino porque copia una fórmula de una manera fácil y algo entretenida. No hay nada más en esta película, como si se copiara a pie de juntillas las instrucciones para escribir un guion por primera vez.

Cuando sabes lo que viene y encima sin ningún valor agregado, no genera interés, ni atención. Una película más en este horizonte del entretenimiento de Hollywood.

Great Freedom: Crítica a la película de Sebastian Meise

Great Freedom o Gran Libertad es una película que saca su historia desde una cárcel en Alemania donde, entre otros reos, encerraban a homosexuales.

Hubo un tiempo en que los gais no podían expresar libremente su amor, sino a escondidas. De lo contrario iban directo la cárcel. Aunque le sorprenda, ser gay en los años 40, 50 o 60 significaba perder su libertad.

Crítica al documental Cow estrenado en Mubi

La película habla de esta época oscura para la comunidad LGTBI. El filme arranca con encuentros furtivos en baños públicos y luego se centra en las vivencias de una cárcel. Viktor, personaje central de Great Freedom, va preso luego de ser grabado en encuentro furtivo.

Al inicio trata de olvidar y someterse a la rutina carcelaria, sin embargo no siempre puede adaptarse al molde, más aún cuando le prohíben acercarse a otros reos.

Progresivamente se observa que los castigos de la cárcel empiezan a debilitarlo tanto física como emocionalmente. Pero hay en él una rebeldía que le impide comprender que someterse en prisión es el mejor camino para llevar la fiesta en paz.

La calma llega solo cuando encuentra una oportunidad de amar. Esa relación condiciona, luego, el final de la película.

Great Freedom nos dice que no fue fácil amar a una persona del mismo sexo en el pasado, como tampoco ahora. Si bien se avanzó en algunas libertades todavía la sociedad, en su gran mayoría, no ve como uno de los suyos a los miembros de la comunidad LGTBI.

La película busca esa reflexión y no intenta dulcificar nada, sino más bien mostrar la dureza con que el entorno trata a un homosexual: sin compasión, con burlas e incluso asco. Pero queda claro que los golpes y la represión no funcionan en quienes se sienten y morirán así. Great Freedom está disponible en la plataforma de Mubi. Una gran película.

Heartstopper: Crítica a miniserie LGTBI de Netflix

Heartstopper es una miniserie LGTBI disponible en Netflix que habla sobre el amor adolescente en un colegio del Reino Unido.

La historia tiene como protagonistas a Charlie y Nick. Charlie, músico, es abiertamente gay en su escuela, mientras Nick es un jugador de rugby que empieza a descubrir su sexualidad en esta etapa de vida.

Crítica a Severance, estreno de Apple TV

Crítica a Dopesick, protagonizada por Michael Keaton

La primera parte de esta miniserie de ocho capítulos se enfoca en mostrar una relación tóxica entre Charlie y otro compañero de la escuela quien prefiere el anonimato a mostrar su romance. El problema es que no solo quiere mantener el secreto, sino que incluso niega a Charlie en público. No lo quiere aceptar ni como amigo. Charlie herido decide dejarlo. En ese momento aparece Nick.

La relación entre Charlie y Nick florece más allá de una amistad y en medio de confusiones. Aquí lo importante es que Nick empieza a descubrir su sexualidad con miedo, valentía, sin negaciones. Aceptando que no tiene nada de malo el sentimiento que nace hacia Charlie.

La miniserie juvenil resulta entretenida, divertida, ligera e informativa. Probablemente muchos se hayan identificado con estos momentos de su vida que transitan entre el rechazo y la aceptación.

Heartstopper no es dura con los personajes LGTBI. No niega las agresiones, ni los comentarios hirientes, pero trata de enfocarse en cómo sacar adelante relaciones que para la gran mayoría deberían ser prohibidas en las escuelas.

A diferencia de muchas historias LGTBI, el final no es trágico o agridulce, sino que deja fluir el romance llevándolo a un buen camino. Recomendable. Una miniserie que se consume con mucha rapidez.

Severance: Crítica a la serie de Apple TV

Severance o separación como se lee en los subtítulos de esta nueva serie de Apple TV plantea una ficción que un gerente explotador gustaría aplicar en su empresa.

Crítica a Dopesick con Michael Keaton

Crítica a Succesion, tercera temporada

En el mundo de Severance, la tecnología avanzó a tal punto que cuatro trabajadores: tres hombres y una mujer, son sometidos a un experimento de separación de sus recuerdos personales de los laborales. Es decir que cuando ingresan a su centro de trabajo olvidan su vida personal. Mientras que al salir de la empresa no recuerdan que pasó en su empleo.

Esta proeza tecnología se realiza gracias a la implantación de un chip en la cabeza. Los interesados se someten a una breve intervención quirúrgica y reciben el dispositivo.

Conforme avanza la serie de nueve capítulos conocemos que los escogidos tomaron esta decisión para olvidar momentos trágicos de su vida. Sin embargo esta tecnología no controla el entorno y poco a poco empiezan a sentir la necesidad de regresar a sus vidas anteriores.

No obstante la empresa está feliz. Estos trabajadores se dedican exclusivamente a sus tareas y no mezclan sus vidas personales con las laborales. Sin embargo el ser humano es tan complejo que si por lado quieren atar sus ímpetus de libre albedrío, por el otro se desatan.

La serie me recuerda mucho a la película Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, escrita por Charlie Kauffman. Los planteamientos parecen similares. En este filme los personajes se someten a una operación para olvidar momentos dolorosos de sus relaciones amorosas. Sin embargo igual terminan enamorándose otra vez.

PISTAS EN EL CAMINO

En Severance sucede casi lo mismo. Los cuatro protagónicos guiados por sus corazones empiezan a quebrar las ataduras tecnológicas impuestas por esta empresa.

El interés de la serie crece progresivamente hasta entregar dos capítulos notables donde se devela el pasado que intentaron olvidar.  La primera parte de Severance describe cómo funciona este mundo corporativo en largos pasillos blancos, televisores de los 70, oficinas grandes y solitarias. En tanto que hacia el final se describe una labor detectivesca donde uno de los personajes busca indagar quién es y por qué llegó a ese experimento.

En eso ayuda las buenas interpretaciones de los actores, principalmente, de Adam Scott. El actor ofrece un personaje completamente ajeno al dolor en su empresa, pero destrozado en el exterior.

La dosis emocional viene gracias a John Turturro (Falcone en Batman), junto a Christopher Walken, el conocido jinete sin cabeza de la película de Tim Burton. Ambos con mucha sutileza conectan sus personajes y retan al chip implantado en sus cabezas. De esta relación solo se dan pistas, pero hay mucho por hilvanar, en una siguiente temporada.

Severance es una serie para los amantes de la ciencia ficción, de esas historias que dejan detalles episodios a episodios hasta completar el rompecabezas al final. Hay mucho por ver en Severance. Mucha respuesta en el aire que ojalá se responda en la siguiente temporada.

Cow: crítica al documental de Andrea Arnold

Cow o Vaca es un documental que tiene como protagonista a Luma, una vaca lechera productiva en las granjas de Reino Unido.

La película dirigida por Andrea Arnold (American Honey, Fish Tank) y estrenada en Mubi sigue la historia de esta vaca desde que concibe su cría. La primera imagen del documental es el momento exacto en que una pequeña vacuna llega al mundo a engrosar el enorme ganado de esta granja.

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Pero la habilidad de la directora consiste en contar una historia y darle sentido a la vaca. Narrando una vida monótoma, sedentaria y hasta miserable, donde Luma no tiene otra opción que someterse a a sus amos.

De alguna manera el documental llega a humanizar esta tragedia vacuna al exponer con ayuda de una triste mirada y mugidos «desgarradores» de Luma.

La directora pasó cuatro año retratando a Luma en Reino Unido y según dice su cinta es un reconocimiento al papel que juegan las vacas lecheras en la alimentación mundial. Pues tiene razón porque después de mirar este documental de hora y media ya no se pensará en las vacas de la misma manera, sino como seres sin voz ni voto, ni sentimientos.

Porque en Cow, Luma no la pasa bien. No es que sus amos la maltraten, sino que vive una vida sin libertades en corrales húmedos, condenada a no criar a sus crías para garantizar la producción de leche en esa granja.

El documental también incluye el método de crianza de estas vacas. Muestra sin problemas el nacimiento de las crías así como la copulación de toro con una vaca, momentos elementales para narrar el círculo de vida de Luma.

Cow resulta interesante y será difícil no ver de otra forma a las vacas lecheras, luego de ver este documental. De estreno en Mubi.