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Crítica a La isla de Bergman de Mia Hansen-Løve

Christiaan Lecarnaque
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Crítica a La isla de Bergman de Mia Hansen-Løve

La isla de Bergman hace un breve recorrido a la obra del director sueco, Ingmar Bergman, y analiza la crisis del cineasta cuando está estancado en su historia.

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Dirigida por Mia Hansen-Løve la película tiene como protagonistas a una pareja de cineastas quienes viajan a la isla de Fårö en busca de inspiración para sus relatos. En esa localidad vivió Ingmar Bergman.

La escritura de Tony parece fluir sin problemas y a través de él conocemos un poco más al director de sueco. Sabemos de sus obsesiones, contradicciones y aciertos en su vida cinematográfica así como personal.

Mientras que Chris busca que su pluma llegue al final de su historia donde parece estar estancada. No se le percibe ansiosa o irritable por hallar el epílogo perfecto, sino más bien dispuesta a recibir recomendaciones.

La primera parte de la película está destinada a conocer más a Bergman y casi a la mitad viene la puesta en escena de la historia de Chris quien buscando desatar el nudo alrededor del final busca ayuda en su esposo Tony. La historia fluye bien y se hace interesante, incluso parece asemejarse a Escenas de un matrimonio de Bergman, mencionada en la película y recientemente estrenada como serie por HBO.

Aquí es donde la ficción se mezcla sin problemas con la realidad. Los personajes de Chris interactúan alrededor de ella sin problema y con verosimilitud llegando al final añorado.

Hay dos detalles de la película que parecen interesantes mencionar. Uno el contraste entre la tonalidad de las películas de Bergman y el lugar donde vive. Una isla de paisajes idílicos que transmiten calidez y tranquilidad, elementos difícilmente encontrados en las obras de Bergman.

Segundo es que los foráneos están más interesados en conocer un poco más al director sueco. Los lugareños parecen desconocerlo y eso se observa en una escena en que Chris se topa con tres pobladores quienes parecen no conocer a la celebridad que busca el mundo exterior.

La isla de Bergman se hace fluida, educativa, interesante. Transmite mucha tranquilidad y la quietud que buscan los protagonistas para acabar con sus historias.

Crítica a Imperdonable de Sandra Bullock

Christiaan Lecarnaque
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Crítica a Imperdonable de Sandra Bullock

Sandra Bullock protagoniza un drama de redención llamado Imperdonable (The Unforgivable) estrenado en Netflix.

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Bullock interpreta a una expresa, Ruth, que deja la cárcel con el único objetivo de buscar a su hermana perdida. No obstante esta misión no será fácil. Tendrá que enfrentar las consecuencias del acto que la llevaron a prisión.

Al personaje se le ve más angustiado por conseguir información sobre el paradero de su hermana. Difícilmente sonríe. Todo el tiempo intenta controlar sus sentimientos porque está primero su obsesión por recuperar a su familia.

Pero esta misión será complicada. Primero, enfrentará a los afectados del delito cometido por Ruth. Ellos no creen que la cárcel haya sido suficiente. Todo lo contrario. Consideran que merece un castigo mayor que los ponga a ambos en el mismo nivel de sufrimiento.

Por otro lado, tiene que enfrentar a las personas que conocen del paradero de su hermana, pero no quieren ayudarla a encontrarla, porque consideran que sería una mala influencia.

Por último la sociedad no la acepta de regreso ya que creen que el delito cometido es imperdonable.

Bajo este panorama, Ruth no la tiene fácil. En Imperdonable la reinserción no es precisamente relevante, sino este reencuentro familiar torpedeado por las circunstancias y gente que desconoce la verdad de este asunto.

Imperdonable solo es un melodrama que busca apelar al sentimiento, jugando al misterio con flaschback que ayudan a mantener cautiva a la audiencia con una historia contada a pedazos y luego resuelta hacia el final.

No es precisamente una de las mejores películas de Bullock, pero por las historias que protagoniza se nota que conoce bien a su audiencia. Va por Netflix.

Crítica a Succession tercera temporada

Christiaan Lecarnaque
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Crítica a Succession tercera temporada

Lo que al inicio de la tercera temporada parecía una pelea entre los hijos de Logan Roy por liderar las empresas de la familia se redujo a un conflicto abierto entre padre e hijos en la tercera temporada de Succession.

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El final de la temporada definió este conflicto familiar y alineó los bandos que chocarán en las siguientes temporadas a estrenarse en HBO.

Succession es la historia de una familia y su constante lucha por el poder de las empresas. Por un lado un padre resistente a dejar el mando y por otro, tres hijos (hay uno más, pero está más interesado en otros asuntos) que buscan sacarlo y quedarse con las compañías (luego pelear entre ellos).

En este permanente enfrentamiento Logan Roy ha sabido golpear duro y sin piedad, mientras sus hijos han sido más tímidos, pretendiendo más agradar a su padre que alcanzar su objetivo por encima de todo y de todos, como la hecho su padre.

El último episodio demostró que a Logan no le interesa ni siquiera el amor de sus hijos y probablemente para ellos ha sido duro enterarse de esta dura realidad que probablemente ya intuía la audiencia.

¿Qué se viene ahora una guerra sin cuartel o más intentos por ganarse la aprobación del padre?

Lo que seguramente vendrá será una buena historia como la entregada en esta temporada con capítulos fascinantes como extraordinarias escenas.

LO MEJOR

Como aquella en que Kendall Roy aparece caminando solo por un pasillo luego de leer la decepcionante carta de su hermana. O cuando tiene una conversación con Connor en un restaurante y este le aclara que apenas le ha hecho algunos rasguños a su padre. En esa secuencia se define el personaje de Tom, un hombre que ha movido mejor sus fichas que los hijos de Logan.

Ni mencionar los buenos minutos finales de la tercera temporada o aquella conversación entre Shiv y su madre quien le recuerda que mejor no hubiera tenido hijos.

La tercera temporada de Succession viene con buenas historias, mejores actuaciones y lo que toda buena serie deja al final: ganas de seguir viéndola. Va por HBO Max.

Escucha las canciones de West Side Story

Christiaan Lecarnaque
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Escucha las canciones de West Side Story

West Side Story es la nueva película de Steven Spielberg, uno de los mejores musicales estrenados este año en los cines. Las canciones de West Side Story (Amor sin barreras) está disponible en Spotify y YouTube.

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Con nuevos arreglos y nuevas voces se ponen en vigencia canciones ya conocidas y estrenadas en la película de 1961.

Las composiciones originales estuvieron a cargo de Leonard Bernstein quien compuso la música y Stephen Sondheim, las letras, quien falleció algunos meses y colaboró de alguna manera con la nueva propuesta de Steven Spielberg.

Este musical bien hecho por Spielberg seguramente gustará a los amantes de este género.

CANCIONES DISPONIBLES EN SPOTIFY

EN YOUTUBE
MARÍA

THE DANCE AT THE GYM: MAMBO

PRÓLOGO

Más canciones en este enlace: AQUÍ

También te dejamos las canciones de West Side Story de 1961, disponibles en Spotify.

Crítica a West Side Story de Steven Spielberg

Christiaan Lecarnaque
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Crítica a West Side Story de Steven Spielberg

En West Side Story o Amor sin barreras, Steven Spielberg hace un musical clásico, perfecto, bien cantado y actuado como aquellas joyitas clásicas de la mitad del siglo pasado.

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Amor sin barreras es el remake del clásico de 1961 West Side Story. Esta película inspirada en la historia de Romeo y Julieta presenta dos pandillas de jóvenes que luchan por su territorio. En medio de este enfrentamiento dos jóvenes se enamoran, aunque cada uno pertenece a cada bando enemigo.

La historia puede ser conocida para aquellos que vieron el filme de 1961, pero resulta nueva para estas generaciones que tampoco han visto este tipo de musicales.

Las coreografías están bien hechas y cronometradas. Están bien coordinadas y con buena armonía. Cada golpe o salto coincide con la música de la banda sonora. Los chasquidos de los dedos combinan bien con esta melodía. Ni mencionar cómo fluyen los colores de las prendas de los bailarines en estas escena. Las tomas son realmente coloridas, explosivas, divertidas y notables.

Fiel al estilo de Spielberg, su trabajo está al servicio de la imagen y aprovecha estas secuencias para sacarle el jugo a la iluminación de los exteriores e interiores de las locaciones de esta película. La cinta adquiere tonalidades semejantes a las películas de los 50 o 60. Además hay una inclusión de tomas cenitales o aéreas que elevan mejor el musical.

WEST SIDE STORY: BUENAS ACTUACIONES

Pero Steven Spielberg no se queda solo con el aspecto técnico, sino que aprovecha bien las interpretaciones de sus actores como de Ariana DeBose, quien interpreta a Anita en esta película. Lo mejor de ella se ofrece en los minutos finales de Amor sin barreras donde embargada por el dolor y la ira expresa su frustración de vivir en un mundo donde desprecian a los inmigrantes.

También mencionar el trabajo de la protagonista, Rachel Zegler, una pequeña actriz que interpreta a María. Una mujer enamorada, tierna, ocurrente y divertida. Además de ofrecer una buena interpretación canta las canciones de este musical con un tono bastante clásico como se escuchaban en las voces de los antiguos musicales de Hollywood. Si bien el drama le permite explorar un actuación más convicente, mejor queda cuando conecta con el otro protagonista, Angel Elgort, su pareja en la película, interpretando a Tony.

En general todo el elenco está bien. Cantan y bailan de manera óptima. Incluso actúan bien cuando hay silencios.

West Side Story es buena. Cómo es que Spielberg hizo esta película si nos tenía acostumbrado a dirigir proyectos vinculados más al drama, ciencia ficción y no al musical. Es la primera vez que prueba con este género y lo hace muy bien.

A quien le encanta los musicales, le va gustar West Side Story. Pero en general es una de las mejores películas del año.

Crítica a Las leyes de la frontera de Daniel Monzón

Christiaan Lecarnaque
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Crítica a Las leyes de la frontera de Daniel Monzón

Las leyes de la frontera tiene como director al responsable de películas como Celda 211 y El niño, Daniel Monzón, y es una adaptación del libro, que lleva el mismo nombre, de Javier Cercas.

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En esta historia un adolescente llamado Ignacio, víctima del bullying, se une a una banda de ladrones más por atracción a Tere que por las fechorías que podría ofrecer este grupo.

Impulsado por el amor hacia Tere, Ignacio se involucra en actividades ilícitas. No pone reparos ni ingresa en conflictos morales, simplemente los hace guiado por el sentimiento hacia Tere.

Así el adolescente tímido va quedando atrás dando paso a un pequeño hombre más fuerte y menos temeroso.

Pero si bien hay una transformación no es precisamente por una atracción a las fechorías de esta banda, sino por Tere. De alguna manera Ignacio busca ganarse la atención de esta mujer interesándose en las actividades que gustan a su amor platónico.

Incluso uno de los integrantes de esta pandilla lo respeta, pero no lo reconoce como uno de ellos. En momentos cruciales Ignacio está completamente convencido que ha cruzado la línea y no debe seguir adelante.

Para ejecutar esta historia están todos los elementos de película de crímenes: persecuciones en carretera, asaltos (la parte final de la película ofrece un atraco bastante divertido que habla de las limitaciones de esta banda), bailes y tragos.

Lo gracioso es que al final ofrece una versión adulta de Ignacio, que francamente no combina con la imagen del joven avezado de los asaltos, más se parece al Ignacio introvertido víctima del bullying de sus compañeros.

No obstante, Las leyes de la frontera resulta entretenida para aquellos seguidores de este género. Va por Netflix.

Crítica a Madres paralelas de Pedro Almodóvar

Christiaan Lecarnaque
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Crítica a Madres paralelas de Pedro Almodóvar

Madres Paralelas, la nueva película de Pedro Almodóvar, coloca la maternidad como eje de una historia protagonizada por Penelope Cruz, como ya lo hizo con Todo sobre mi madre, Volver, Dolor y gloria, etc.

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Penelope Cruz, interpreta a Janis, una joven fotógrafa madre soltera cuya vida da un giro de 180 grados cuando conoce a una madre adolescente, Ana, también soltera, el mismo día del parto en el hospital.

Janis deberá enfrentar la terrible noticia que la bebé criada por ella no es su hija. Hubo un intercambio de niños en el hospital entregándole la pequeña alumbrada por Ana.

La fotógrafa se ve un escenario impensando y traumático para cualquier madre. Su reacción no es precisamente de una enmienda inmediata del problema, sino de callar y esperar. En la vida no hay historias a medias, todas deben encontrar un final. Desafortunadamente para ella el conflicto se complica más cuando reaparece la adolescente en su camino.

Como trasfondo Janis debe lidiar con el rescate de cuerpos asesinados y enterrados durante la época de Franco en España. 

De forma explícita este detalle aparece al inicio y final de la película, pero se siente cómo si se hubiera tocado a lo largo de Madres Paralelas.

Esta historia de madres tiene motivaciones similares a la del rescate de los cadáveres enterrados en una pampa lejana de España: Encontrar la verdad. Pese a que Janis percibe que este intercambio de bebés la termina perjudicando, se desprende con mucho dolor de ese sentimiento y cede para que la historia tenga el final apropiado.

Lo mismo sucede con las familias afectadas por los desaparecidos. Ellos desean saber cuál fue el paradero final de sus parientes y por eso buscan mucho hasta encontrar una información final.

¿UNA CINTA ALMODÓVAR?

En ese sentido Almodóvar teje con mucha sutileza, sin ser explícito, esta buena historia con ayuda de la buena interpretación de Penelope Cruz.

Pero debemos decir que la cinta se siente un poco solemne, seria. No se percibe divertida como en otras cintas de Almodóvar (quizás no sea apropiado para un tema serio), incluso, pese a la variedad de colores mostrada en Madres Paralelas, se nota una cinta, desde el punto de vista cromático, menos intensa. 

Igual queda bien, sobre todo el momento dedicado a las madres, porque al final, cuando ingresa de lleno al rescate de los desaparecidos, pierde un poco la emoción conseguida en el resto de al película.

Conoce las películas favoritas al Óscar 2022

Christiaan Lecarnaque
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Conoce las películas favoritas al Óscar 2022

Está más claro el panorama de las películas favoritas al Óscar 2022. Con todas los filmes ya vistos en Estados Unidos, el grupo se ha reducido.

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Estas son las películas con más posibilidades de conseguir una nominación al Óscar 2022.

  1. Belfast
  2. El poder del perro (Netflix)
  3. Amor sin barreras (West side story)
  4. Licorice Pizza
  5. Rey Richard (HBO Max/Cartelera)
  6. Dune (HBO Max)
  7. La tragedia de Macbeth (Apple)
  8. No mires arriba (Netflix)
  9. CODA (Apple)
  10. The lost daughter (Netflix)
  11. Tick, Tick Boom (Netflix)
  12. Being Ricardos (Amazon: estreno diciembre)
  13. Nightmare Alley

Este año a diferencia de las ediciones anteriores nominarán a diez películas en la categoría de mejor película.

Desde El poder del perro hasta Dune parece que ya tienen la nominación asegurada. El resto de películas favoritas al Óscar 2022 podría disputarse los otros cuatro cupos. Nightmare Alley de Guillermo del Toro ha gustado a medias a la crítica y podría ser una opción menos probable en la Academia.

The lost daughter de Netflix con Olivia Colman y dirigida por Maggie Gyllenhaal ha tenido una performance interesante entre los premios de la crítica.

Mientras que de Being Ricardos y Tick Tick Boom se habla más de sus actuaciones que de la película. En el primer caso de Nicole Kidman y en el segundo de Andrew Garfield.

CODA es la cinta inspiradora y divertida que a la Academia le gusta nominar y No mires arriba tiene tantas megaestrellas (Leonardo DiCaprio, Meryl Streep, Jennifer Lawrence) que difícilmente la dejarán fuera. Además que las cintas de Adam McKay han estado en esta categoría, incluso la irregular Vice.

La tragedia de Macbeth es otra de las cintas que difícilmente quedará fuera por sus grandes actores: Denzel Washington, Frances McDormand; un director que no es indiferente a la Academia: Joel Coen, y un nivel técnico e innovador bastante alabado por la crítica.

Las nominaciones se difundirán el 8 de febrero, mientras que en estas semanas se irán conociendo las favoritas de los círculos de críticos y gremios técnicos.

Crítica a Belfast de Kenneth Branagh

Christiaan Lecarnaque
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Crítica a Belfast de Kenneth Branagh

Belfast es la película de la niñez de Kenneth Branagh. Los recuerdos del director son el insumo de esta pequeña película a blanco y negro, de hora y media de duración, con buenas posibilidades de ganar el Óscar de esta temporada, según los expertos de medios en Estados Unidos.

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La historia tiene como protagonista a un niño llamado Buddy cuya infancia transita en medio de un conflicto nacionalista iniciado por integrarse o no a Irlanda. Esta coyuntura separa y enfrenta a protestantes con católicos.

La primera escena transmite una vida feliz de niño: juegos, amigos, agua junto con una madre linda, alta, hogareña. Pero el recuerdo es interrumpido por una fuerte protesta que desencadena caos y destrucción en ese barrio.

El problema para Buddy no se desarrolla al interior de su familia, sino afuera ya que este conflicto condiciona su existencia en Belfast. Porque no se trata de una simple protesta, sino de una amenaza real a la vida de su familia.

Los recuerdos de Branagh apuntan al momento en que deja el barrio donde solía ser feliz para mudarse a otro que garantice seguridad a toda su familia.

Belfast es agradable, familiar, divertida con momentos explosivos cuando irrumpe este conflicto en la vida familiar. En realidad la película es bastante sencilla, no se hace problemas. Los conflictos apenas arañan a los protagonistas. No les hacen daño.

No es la primera vez que un director recurre a sus recuerdos para hacer una película. Pero la crítica la ha comparado con Roma. Pero la película de Alfonso Cuarón ejecutó un relato más duro que busca denunciar la triste vida de las domésticas en México. Quizás una historia fría y menos divertida, pero directa a la yugular, con una ambientación mucho más detallada y una fotografía notable que la vista en Belfast. Aunque ambos directores parten de la misma premisa: sus historias personales, los planteamientos son completamente diferentes.

¿Qué posibilidades tiene de Óscar? Pues tiene todos los elementos para conseguir la nominación e incluso ganar el premio. Se parece a The green book, El discurso del rey, La teoría del todo, cintas que no buscan incomodar al espectador, sino inspirarlo y animarlo a empatizar con esa historia.

 

Crítica de Herida de Halle Berry

Christiaan Lecarnaque
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Crítica de Herida de Halle Berry

Halle Berry es la única actriz afrodescendiente ganadora del Óscar. Consiguió el premio por la película, Monster’s ball. Todos recordamos el momento en que la intérprete recibió llorando este reconocimiento. Pero desde que logró la estatuilla su carrera ha sido bastante irregular. Destacando en películas comerciales de James Bond y X-Men, pero nada que merezca cinco estrellas. Ahora estrenó una película que protagoniza y dirige, Herida (Bruised) en Netflix.

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En Herida interpreta a una luchadora MMA (Artes marciales mixtas) alejada de los cuadriláteros por una mala pelea. Dedicada a la limpieza de casas, la vida le pone una nueva oportunidad de seguir en la lucha cuando regresa a sus brazos un hijo que abandonó con su padre.

Este tipo de historia no es precisamente una novedad en el cine. Barry, directora de la película, prefiere no arriesgar o imponer un estilo propio para seguir a pie de juntilla la fórmula de héroe venido a menos motivado por una fuerza externa, en este caso el pequeño.

Para la protagonista la llegada del niño será un motivo para reinsertarse en el circuito de peleas y acercarse al muchacho que maltrató. Para el niño una ocasión para conocer mejor a su madre.

Como toda película de peleas protagonizadas por hombres y mujeres hay mucho golpe, escena violenta, cabezazos impactantes y ojos morados. Recursos conocidos que llevan a la protagonista a un relato predecible.

Barry como actriz ofrece una interpretación convincente, dramática por momentos y maternal en otros. Con esta película nos hace recordar que puede hacer buenas interpretaciones. Quizás como la protagonista de su película requería de una motivación exterior para recordar que alguna vez fue buena.

Si le gusta este género, pueden verla en Netflix.

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