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Crítica a Belle de Mamoru Hosoda

Christiaan Lecarnaque
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Crítica a Belle de Mamoru Hosoda

Belle (Ryū to Sobakasu no Hime) parecía la versión japonesa de La bella y la bestia en un mundo de realidad virtual. Sin embargo resultó una historia donde la protagonista se embarca en un viaje para curar resentimientos pasados.

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Belle, dirigida por Mamoru Hosoda (Mirai, mi hermana pequeña) es una cinta animada japonesa, donde una triste adolescente llamada Suzu se deja atrapar por un juego de realidad virtual para calzar en un personaje que le otorga la popularidad que no encontraría en el mundo real.

Sin embargo el problema de Suzu no es su impopularidad, sino la herida que lleva el alma. De pequeña tenía una relación fuerte con su madre. Sin embargo un día trágico su mamá decide rescatar a una pequeña atrapada en un río. La mujer muere y Suzu destrozada vive con tristeza y desmotivación.

Entonces encuentra en la realidad virtual de un videojuego un escape para animar un poco su vida gris. Sin embargo este viaje se convierte en una oportunidad para ayudar a un personaje que finge la fuerza que gustaría tener en la vida real. Pero también para sanar sus propias heridas.

En la mitad del relato la historia resulta habilidosa porque engaña al espectador al llevarlo por una historia conocida como es el cuento de La bella y la bestia. Parecería que la intención de la historia es que identifiquemos al personaje anónimo que se topó en el camino de Suzu. Sin embargo casi al final la película da un giro y devela su verdadero objetivo.

El personaje central debe recurrir a su propia experiencia para ayudar a otro que lleva similar tristeza en su corazón. La situación implica también entender la decisión tomada por su madre hace unos años y así llevar paz a su alma.

Al mismo tiempo resulta interesante como Belle expone la dinámica de las redes sociales centrándose en el contenido de los comentarios que tienen mucho de gaseoso y poco de contundente. Interesante cómo es que plantea la reacción de las comunidades digitales frente al heroísmo de la madre de Suzu. Lejos de aplaudir esta hazaña la reacción del público es indolente y ligera.

La película presenta una buena fotografía que no se sale del molde de la animación japonesa. Para verla en los cines.

 

Crítica a Rescate en las profundidades, estreno de Disney+

Christiaan Lecarnaque
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Crítica a Rescate en las profundidades, estreno de Disney+

El documental, Rescate en las profundidades (The rescue), estrenado en Disney + aborda el rescate de 12 adolescentes atrapados en una cueva en Tailandia en el 2018.

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La película está a cargo de los esposos, Elizabeth Chai Vasarhelyi y Jimmy Chin, ganadores del Óscar a mejor documental por Free Solo en el 2018.

Para esta pareja de documentalistas, Rescate en las profundidades, supuso un reto mayor debido a que iniciaron el proyecto en momentos en que los países se cerraban para contener el avance del coronavirus. Además que no estuvieron desde el inicio del rescate en Tailandia.

Por eso es que recurrieron a los protagonistas de esta hazaña para reconstruir esta historia con material inédito. Además de testimonios que subrayan datos desconocidos hasta el estreno de esta película.

Las imágenes obtenidas revelan la interacción de los muchachos con el equipo de rescate. Además del mismo momento en que sacan a los adolescentes de esa cueva después de varios días de encierro.

Pese a las desventajas descritas, la película ofrece una narración interesante, que mantiene la atención del espectador, contada con mucho nervio y tensión. Se conoce el final de este rescate, pero el documental te retrata una historia nueva en que percibes que cualquier cosa podría suceder. Te da la impresión que otro sería el epílogo de este relato.

Rescate en las profundidades resulta revelador desde las imágenes como también de los testimonios de los protagonistas de esa labor, sentados frente a una cámara al estilo de la National Geographic.

Es cierto, como destacan otras críticas, que faltó el punto de vista tailandés en esta película, ya que se toca superficialmente con algunos testigos de ese momento. Abarcar estas voces quizás hubiera entregado una película más completa.

Rescate en las profundidades está disponible en Disney+.

Crítica a La tragedia de Macbeth de Joel Coen

Christiaan Lecarnaque
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Crítica a La tragedia de Macbeth de Joel Coen

Hay mucho que destacar en La tragedia de Macbeth de Joel Coen, y protagonizada por Denzel Washington y Frances McDormand.

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La película estrenada en Apple TV es una adaptación de la novela del mismo nombre de William Shakespeare, probablemente el autor que más novelas ha inspirado a Hollywood. Macbeth es una de las historias más conocidas y apreciadas por los seguidores del escritor inglés, y una debilidad confesada por la actriz, Frances McDormand. Ella interpreta a la esposa de Macbeth en esta película.

La cinta adopta el estilo de los diálogos de la novela shakesperiana para expresar la ambición y locura de los personajes de esta historia.

Los protagonistas de esta guerra sin cuartel es llevada a ambientes fríos, amplios y oscuros donde se escuchan las voces que importan, sin extras, ni personas anodinas que podrían darle otra atmósfera a las escenas.

El blanco y negro utilizado para contar esta obra no son colores accesorios, sino que contribuyen a incidir en un lenguaje visual de tensión y terror. Además que hace recordar al estilo empleado en clásicos de décadas pasadas, como Otelo de Orson Welles.

Acostumbrados a un retrato joven de Macbeth, Denzel Washington ofrece un personaje maduro, ambicioso cuya locura queda evidenciada conforme busca mantener el poder a cualquier precio. Su interpretación fortalece la película como la de la manipuladora lady Macbeth, interpretada con mucha frialdad por la reciente ganadora al Óscar, Frances MacDormand.

Pero también merece destacarse el trabajo de la actriz neoyorkina, Kathryn Hunter. Interpreta a una de las brujas que auguran un porvenir de poder y paranoia a Macbeth. Hace un estupendo trabajo con su voz, pero principalmente con su cuerpo. La forma como mueve sus brazos para asemejarse a un ave resulta impresionante. Ayuda mucho a este estilo, el blanco y negro empleado para narrar la película.

la tragedia de Macbeth

Joel Coen experimenta por primera vez la dirección en solitario ya que sus anteriores trabajos se desarrollaban en alianza con su hermano Ethan. Pero esa colaboración se limitaba a relatos violentos y frontales. En cambio aquí hay literatura en los diálogos, aunque la violencia está presente, la cinta no se parece a otros trabajos entregados por los hermanos. Además que tiene buenas tomas, como la inicial en que tres aves rondan el cielo gris del mundo de Macbeth o los golpes de las gotas de agua con el árbol que contribuyen a una tensión necesaria para presionar al personaje central.

Queda bien La tragedia de Macbeth como la mayoría de obras de Shakeaspeare llevadas al cine de Hollywood.

 

 

Las mejores películas y series del 2021

Christiaan Lecarnaque
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Las mejores películas y series del 2021

En los últimos días del año se suele realizar un balance de lo visto en el cine, en la televisión y ahora el streaming. Aunque todavía afectado por las medidas adoptadas por los gobiernos para frenar el coronavirus, el cine volvió Perú a mediados del 2021. Hoy con una pandemia controlada y con aforos reducidos, las salas de cines ofrecen estrenos cada semana.

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El problema es que los hábitos de los espectadores han cambiado. La presencia de los servicios de streaming como Netflix, Disney, HBO Max, Prime Video, Star+, ha incrementado la oferta con productos populares que pueden verse en casa y ya no en una sala oscura comprando una entrada.

De alguna manera las salas de cine se están convirtiendo en escenarios de grandes espectáculos sin espacio para pequeñas cintas o de producción local. Un ejemplo de ello es Spiderman: Sin camino a casa que acaparó las funciones en Perú.

Las cintas peruanas, por ejemplo, no han tenido buena acogida, incluso las consideradas comerciales. Lo positivo es que poco a poco van ingresando el streaming como Canción sin nombre, La cantera, Wiñaypacha. Pronto llega Utopía y se especula sobre la presencia de Un mundo para Julius y Manco Cápac. La colección de películas de Palito Ortega puede verse en Prime Video.

El streaming se va consolidando en el mercado peruano. Ofrece una variedad de películas y series con ninguna diferencia en la fecha de estreno. Se estrena el mismo día en Estados Unidos como en Perú. Todas están adecuadas al usario que puede verlas en cualquier lugar y momento del día. Además que uno puede ver las obras en los idiomas que uno por conveniente, y de cualquier parte del mundo. En los cines ya se extinguieron las funciones subtituladas.

Cómo será el próximo año. Pues con un streaming más agresivo y salas de cine amenazadas por el coronavirus, lo más probable es que se mantenga un modelo híbrido donde las salas de cine prioricen los grandes eventos cinematográficos, donde las pequeñas cintas serían las más afectadas encontrando aún espacio en festivales y la «buena fe» del streaming y la piratería, o la única semana de estreno que ofrezca un multicine, en horarios inadecuados.

Aquí las mejores películas y series del 2021

PELÍCULAS

Películas peruanas y latinas

MEJORES SERIES

Crítica a No mires arriba de Adam Mckay

Christiaan Lecarnaque
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Crítica a No mires arriba de Adam Mckay

Adam Mckay tiene un gusto por la sátira y el sarcasmo en el cine. Parece gustarle hallarle incoherencias y absurdos en las historias que va contando como La gran apuesta (The big short), El vicio del poder (Vice) y ahora con No mires arriba (Don’t look up).

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En No mires arriba, dos científicos advierten que un cometa llegará a la Tierra y extinguirá la humanidad. Buscan ayuda en el gobierno para elaborar una solución que evite el fin del mundo, pero las reacciones son contradictorias, absurdas e increíbles.

La película calza perfectamente en el género de desastres: evento sobrenatural que destruirá el mundo. Solo que en No mires arriba se van directamente a la crítica. Aquí no vemos genios traídos de diferentes partes del mundo para esbozar una solución como en Armagedón combinada con escenas motivas, despedidas dramáticas y finales felices. Sino que se aproxima a como reaccionaría el mundo a un evento de tal magnitud.

La pandemia del coronavirus ha dejado mucho material para este tipo de sátiras. Cuando se suponía que deberíamos remar hacia un solo objetivo salen políticos, empresarios y ciudadanos a crear conspiraciones y sembrar dudas.

En No mires arriba a los personajes capaces de tomar una decisión no les importa la humanidad, sino sus intereses. Los empresarios ven una oportunidad, los políticos una cortina de humo y los medios popularidad. El planeta está en ninguna prioridad. Salvo los científicos, como en el caso de la pandemia del coronavirus, están como locos advirtiendo a la humanidad de las consecuencias de la llegada de este cometa.

Mckay explota bien el absurdo cuando, por ejemplo, elabora una escena en que los políticos piden a sus seguidores que no miren arriba, porque les están recortando su libertad, cuando ese ejercicio hubiera permitido a los pobladores creer en la llegada del cometa.

EL PÚBLICO

La reacción del público ha sido sorpresiva. Personalmente no pensé que estaría entre las más vistas en Perú hasta el día de hoy, ni tampoco tendencia en las redes sociales con una mayoría que entendió y aplaudió la película.

Al contrario la crítica ha sido negativa. En parte porque la cinta tiene unos problemas. Uno de ellos es que no se explota al máximo un elenco integrado por Leonardo DiCaprio, Cate Blanchett, Meryl Streep, Jennifer Lawrence, Mark Rylance y Timothee Chalamet. Los mejores actores de Hollywood. Salvo Leonardo DiCaprio, las interpretaciones del resto están en el promedio y quizás el resultado hubiera sido el mismo con otros actores. Tal reparto generó expectativas altas sobre escenas inolvidables que no se han visto.

Los personajes, por ejemplo, de Meryl Streep, Jonah Hill, Cate Blanchett, Mark Rylance, son caricaturas de gestos exagerados, como el caso de Rylance, quien interpreta al empresario que ve una oportunidad en el fin de la humanidad.

DiCaprio está bien, principalmente hacia el final cuando a diferencia del resto de la humanidad decide esperar el fin del mundo con su familia. El actor protagoniza una escena emotiva en medio del absurdo.

Otro problema son las obviedades. Remarcar situaciones que se entienden, sin necesidad que un personaje funcione como una nota aclaratoria.

Pero al final parece que el objetivo se ha cumplido y el espectador ha entendido la idea de la película. Que la crítica la haya olvidado no quiere decir que la audiencia también lo haga. Va por Netflix.

Crítica a Being The Ricardos de Aaron Sorkin

Christiaan Lecarnaque
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Crítica a Being The Ricardos de Aaron Sorkin

La fortaleza de la película Being The Ricardos de Aaron Sorkin está en la actuación de Nicole Kidman.

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La película funciona como un biopic que explora al personaje de Lucille Ball (Nicole Kidman) y su esposo, Desi Arnaz, interpretado por Javier Bardem. El filme de Sorkin se concentra en la semana de grabación de un capítulo en momentos en que Lucille enfrentaba una denuncia por una supuesta vinculación con el comunismo en 1952.

Lucille Ball fue una conocida actriz y comediante en los Estados Unidos, ganadora de cuatro premios Emmy y reconocida con un Óscar a su trayectoria por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.

Kidman ofrece un personaje exigente en su trabajo, atento a los detalles durante las grabaciones, con un talento para conectar con el público a través de la comedia. Además de vislumbrar todo aquello que podría gustarle a la audiencia.

Se ve carismática y fuerte, además que sabe jugar en equipo con su esposo quien, de alguna manera, se convierte en una pieza importante en la carretera de Ball. No obstante, lidiando con los excesos de su marido y aceptando su trabajo.

Nicole trabaja, no solo a nivel de maquillaje para asemejarse al personaje, sino también en gestos, dicción y sobre todo al final se le ve completamente desaparecida en la protagonista esta historia.

UN NUEVO ESTILO

La semana tomada para contar la historia de la actriz supone una presión extra por la información sobre su presunta vinculación con el comunismo. Pero Lucille parece manejarlo bien, sin desesperarse ni perdiendo el ritmo en su trabajo. Precisamente porque la película busca transmitir una protagonista fuerte, talentosa y capaz de moverse entre algunas tormentas. Su presunta filiación con el comunismo no es un elemento central en la historia, sino solo accesorio. El objetivo es mostrar las bondades y debilidades del personaje.

El estilo presentado por Sorkin en esta película es diferente. En otros proyectos la edición y los diálogos van a un ritmo más rápido, frenético en algún momento. Sin embargo, aquí se apuesta por una propuesta más convencional dejando que los actores hagan su trabajo.

Being The Ricardos vale la pena por el trabajo de Nicole Kidman quien ofrece una buena interpretación, sin dejar de lado el trabajo de Javier Bardem. La película va por Prime Video.

Dónde ver las finalistas al Óscar 2022

Christiaan Lecarnaque
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Dónde ver las finalistas al Óscar 2022

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas dio a conocer las finalistas en diez categorías del Óscar 2022.

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Vale destacar que en la categoría de mejor película internacional aparecen tres películas iberoamericanas como Plaza catedral (Panamá), El buen patrón (España) y Noches de fuego (México).

Algunas de las películas clasificadas pueden verse en plataformas de streaming como Netflix, Disney+, HBO Max y Prime Video.

MEJOR BANDA SONORA

“Being the Ricardos” (Prime video)
“Candyman”
“No mires arriba” (Netflix)
“Dune” (HBO Max)
“Encanto”
“La crónica francesa”
“The Green Knight”
“Más dura será la caída” (Netflix)
“Rey Richard” (HBO Max)
“El último duelo”
“Sin tiempo para morir”
“Madres paralelas”
“El poder del perro” (Netflix)
“Spencer”
“La tragedia de Macbeth” (Apple)

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

“So May We Start?” from “Annette”
“Down To Joy” from “Belfast”
“Right Where I Belong” from “Brian Wilson: Long Promised Road”
“Automatic Woman” from “Bruised”
“Dream Girl” from “Cinderella”
“Beyond The Shore” from “CODA”
“The Anonymous Ones” from “Dear Evan Hansen”
“Just Look Up” from “Don’t Look Up”
“Dos Oruguitas” from “Encanto”
“Somehow You Do” from “Four Good Days”
“Guns Go Bang” from “The Harder They Fall”
“Be Alive” from “King Richard”
“No Time To Die” from “No Time to Die”
“Here I Am (Singing My Way Home)” from “Respect”
“Your Song Saved My Life” from “Sing 2”

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

“Coming 2 America”
“Cruella” (Disney+)
“Cyrano”
“Dune” (HBO Max)
“The Eyes of Tammy Faye”
“La casa Gucci”
“El callejón de las almas perdidas”
“Sin tiempo para morir”
“El escuadrón suicida” (HBO Max)
“West Side Story”

MEJORES EFECTOS VISUALES

“La viuda negra” (Disney+)
“Dune” (HBO Max)
“Eternals”
“Free Guy”
“Ghostbusters: Afterlife”
“Godzilla vs. Kong” (HBO Max)
“The Matrix Resurrections”
“Sin tiempo para morir”
“Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos” (Disney+)
“Spider-Man: Sin camino a casa”

MEJOR SONIDO

“Belfast”
“Dune” (HBO Max)
“La última noche en Soho”
“The Matrix Resurrections”
“Sin tiempo para morir”
“El poder del perro” (Netflix)
«Un lugar en silencio: parte II”
“Spider-Man: Sin camino a casa”
“tick, tick…BOOM!” (Netflix)
“West Side Story”

MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL

Austria, “Great Freedom”
Bélgica, “Playground”
Butan, “Lunana: A Yak in the Classroom”
Dinamarca, “Flee”
Finlandia, “Compartment No. 6”
Alemania, “I’m Your Man”
Islandia, “Lamb”
Irán, “A Hero”
Italia, “The Hand of God” (Netflix)
Japón, “Drive My Car”
Kosovo, “Hive”
México, “Noche de fuego” (Netflix)
Noruega, “The Worst Person in the World”
Panamá, “Plaza Catedral”
España, “El buen patrón”

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL

“Ascension”
“Attica”
“Billie Eilish: The World’s a Little Blurry”
“Faya Dayi”
“The First Wave”
“Flee”
“In the Same Breath” (HBO Max)
“Julia”
“President”
“Procession” (Netflix)
“The Rescue” (Disney+)
“Simple as Water” (HBO Max)
“Summer of Soul (…Or, When the Revolution Could Not Be Televised)”
“The Velvet Underground”
“Writing with Fire”

MEJOR CORTO DE FICCIÓN

“Ala Kachuu – Take and Run”
“Censor of Dreams”
“The Criminals”
“Distances”
“The Dress”
“Frimas”
“Les Grandes Claques”
“The Long Goodbye”
“On My Mind”
“Please Hold”
“Stenofonen”
“Tala’vision”
“Under the Heavens”
“When the Sun Sets”
“You’re Dead Helen”

MEJOR CORTO DE ANIMACIÓN

“Affairs of the Art”
“Angakusajaujuq: The Shaman’s Apprentice”
“Bad Seeds”
“Bestia”
“Boxballet”
“Flowing Home”
“Mum Is Pouring Rain”
“The Musician”
“Namoo”
“Only a Child”
“Robin Robin” (Netflix)
“Souvenir Souvenir”
“Step into the River”
“Juntos nuevamente” (Disney+)
“The Windshield Wiper”

MEJOR CORTO DOCUMENTAL

“Águilas”
“Audible” (Netflix)
“A Broken House”
“Camp Confidential: America’s Secret Nazis”
“Coded: The Hidden Love of J. C. Leyendecker”
“Day of Rage”
“The Facility”
“Lead Me Home” (Netflix)
“Lynching Postcards: “Token of a Great Day””
“The Queen of Basketball”
“Sophie & the Baron”
“Takeover”
“Terror Contagion”
“Three Songs for Benazir” (Netflix)
“When We Were Bullies”

Crítica a La crónica francesa de Wes Anderson

Christiaan Lecarnaque
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Crítica a La crónica francesa de Wes Anderson

La crónica francesa de Wes Anderson funciona como un homenaje al viejo periodismo de Estados Unidos al estilo de Anderson.

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Lejos de enfocarse en el proceso de captación de la información para la publicación de los reportajes, como se hace en la mayoría de películas dedicadas al periodismo, en La crónica francesa se centra en profundizar tres historias relatadas por periodistas. Como escribieran una prosa elaborada y precisa van narrando oralmente los interesantes y detallados reportajes ejecutados visualmente bajo el sello de Wes Anderson.

Pero es a nivel visual cuando la película presenta sus mejores fortalezas. Las tonalidades del blanco y negro usadas en la cinta se asemejan a las observadas en los antiguos diarios. Las fotografías publicadas en esos periódicos presentaban, por ejemplo, un negro más intenso al actual. Anderson recoge ese detalle para la película.

Al final se inspira en la diagramación del New Yorker para trazar sus historias. El diseño de este diario norteamericano es uno de los más reverenciados a nivel mundial por su estilo, color y mensaje.

Estas dos bondades identificadas en La crónica francesa funcionan con una innovación dentro del trabajo de Wes Anderson que aportan algo más al estilo ya visto en sus anteriores trabajos. A ello habría que sumarle los momentos en que las tomas se congelan para describir algún detalle en la película.

Los reportajes descritos en la película resultan interesantes sobre todo el primero en que interviene Benicio del Toro y Lea Seydoux. Un relato extraño, atrevido y loco con detalles que elevarían la nota a cualquier portada de periódico.

Desde el punto de vista de Wes Anderson, La crónica francesa funciona como un homenaje a ese viejo periodismo liderado por periodistas cultos, leídos, cazadores de historias sin dejar ningún hueco suelto, acompañado de una buena prosa que convierten los artículos en coleccionables.

Spiderman sin camino a casa: Crítica a la película con Tom Holland

Christiaan Lecarnaque
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Spiderman sin camino a casa: Crítica a la película con Tom Holland

No podemos negar que Spiderman: sin camino a casa es una de las mejores películas de superhéroes del año (sino la mejor, porque Eternals solo fue diferente). Porque resulta entretenida, no decepciona a los fans y en realidad es buena en su género.

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Peter Parker debe enfrentar el problema que su identidad haya sido revelada por Misterio, en la película anterior. Automáticamente se observa un acoso social y mediático, hasta un increíble rechazo de un sector que lo considera una amenaza y responsable de eventos sucedidos con anterioridad.

Ante esta situación, y teniendo en cuenta que la develación de su secreto afecta a sus seres queridos, recurre a Dr. Extraño para que realice un hechizo y logre que todos olviden este evento.

Pero bien dicen que tengas cuidado con lo que deseas porque al final se genera un problema que pone contra las cuerdas al superhéroe y sus amigos.

No obstante queda claro, como en anteriores películas, que el problema lo genera, una vez más, Spiderman. Su inocencia y no tomarse en serio, lo lleva a plantear soluciones infantiles a los conflictos que se le vienen encima. Los otros hombres arañas, Tobey Maguirre y Andrew Garfield, eran personajes torpes, pero ellos no ocasionaban los conflictos. Los recibían y solos solucionaban el problema. En este caso sucede lo contrario.

Pero como sucedió en anteriores secuelas tiene la capacidad de enmendar errores, solo que en esta película, en el final, se observa madurez que deviene de un momento trágico generado por sus torpezas. Ojalá que cuando veamos de nuevo al Hombre Araña se apueste por alguien más centrado. Dudo mucho que explotar más la imagen adolescente e infantil del superhéroe vaya a seguir conectando con la audiencia.

DIVERTIDA Y ENTRETENIDA

Sin embargo, como se ha planteado la película, hablamos de la forma, está bien. Es entretenida, divertida y cumple con lo que ofrece al público. Es como cuando vas a un concierto y te prometen un sinnúmero de estrellas que están a las alturas de tus expectativas. Así funcionan ahora este tipo de películas. Y es la forma, lo que disfrutas de Spiderman: Sin camino a casa.

Incluso hay segundos para reivindicar a algunos que no les fue bien en anteriores oportunidades.

Destacar, y esto no es spoiler, que el trabajo de Willem Dafoe como el Duende Verde fue bueno con Tobey Maguirre en la primera película, y ahora también. En verdad se disfruta su trabajo y como los gestos del villano se apoderan en su rostro filmado para una pantalla grande.

Spiderman: Sin camino a casa es una película recomendable para ver con los amigos y familia que les guste el superhéroe. Sobre todo para disfrutar de las reacciones del público que no se veían hace casi dos años por culpa de una inesperada pandemia.

 

Crítica a Fue la mano de dios de Paolo Sorrentino

Christiaan Lecarnaque
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Crítica a Fue la mano de dios de Paolo Sorrentino

Los recuerdos de Paolo Sorrentino son divertidos en su película Fue la mano de Dios, una película ideada para explorar la juventud del director italiano.

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La nueva historia de Sorrentino tiene como protagonista a Fabietto Schisa, un joven cuya adolescencia transita entre la llegada de Maradona a Nápoles, la trágica pérdida de sus padres y una crisis por decidir qué hacer con su futuro.

Estos hechos pertenecen a la juventud de Sorrentino. Así como Pedro Almodóvar en Dolor y Gloria, Alfonso Cuarón en Roma y ahora Kenneth Branagh con Belfast, Torrentino adapta un pedazo de su vida para el cine.

No obstante la seriedad de estos acontecimientos, Sorrentino los cuenta con mucha diversión y ocurrencia. Incluso cuando acontece la trágica partida de sus padres, hay unos segundos para las bromas. Solo al final la película se vuelve solemne, se toma en serio, porque el protagonista tiene qué decidir su camino seguir hacia su adultez.

Ni mencionar lo importante que resultó la llegada de Maradona a Nápoles, localidad donde vive Fabietto y que, por las escenas, se convirtió en un acontecimiento de vida o muerte para esos pobladores.

Fue la mano de Dios hace referencia precisamente al momento en que Maradona mete con la mano el balón al arco de Inglaterra en los cuartos de final del mundial de fútbol de 1986. Ese gol clasificó a Argentina a semifinales que luego ganaría la copa mundial.

Incluso las explicaciones para justificar esa viveza maradoniana lindan con lo divino y hablan de la percepción que tenían los hinchas sobre el argentino.

A favor de la película también hay buenas tomas que aprovechan el mar napolitano y sus paisajes verdes. Pero hay dos en particular que merecen la atención. Aquella, por ejemplo, en que los hermanos aceleran un vehículo para acudir al hospital donde se encuentran sus padres. Otra donde Fabietto discute al pie del mar con un cineasta de esa localidad. Las imágenes son tremendas en esa parte de la película.

Fue la mano de Dios resulta divertida, familiar, cómica, bien actuada y se asemeja al acto que mayoría realiza cuando explora el pasado de una familia: quedarse con los mejores recuerdos. La película va por Netflix y solo dejarles esta frase: «Sin conflicto no hay progreso». 

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