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Los Asesinos de la Luna: Crítica a la película de Martin Scorsese

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Martin Scorsese aborda con mucho respeto su nueva película Los Asesinos de la Luna (Killers of The Flower Moon). En esta narra los asesinatos cometidos por los hombres blancos contra la nación indígena Osage en Estados Unidos, una comunidad asentada en una zona rica en petróleo.

Generalmente en las películas de Scorsese hay un tufillo de burla o sarcasmo cuando retrata a sus personajes envueltos en una riqueza obscena e inmerecida como Buenos Muchachos, El Lobo de Wall Street o Casino. Sin embargo en Los Asesinos de la Luna hay mucha solemnidad para retratar un tema delicado y poco tocado, y hasta olvidado, en la actualidad.

De qué va

La historia cuenta que los indígenas fueron asesinados uno a uno por los hombres blancos para quedarse con las riquezas del petróleo. Previamente se casaban con las mujeres, y también hombres, a efecto de recibir directamente las jugosas herencias.

Había métodos para desaparecerlos. Desde envenenamientos hasta asesinatos y atentados con explosivos. Lo que describe Scorsese en su película no es más que la adaptación de hechos reales.

Por eso es que retrata con respeto esta historia. Deja atrás la narración en primera persona, como suele hacerlo en la mayoría de sus obras. La violencia se frena un poco y el sarcasmo se mide con pinzas para que el espectador entienda este retrato de ambición sin límites pocas veces vista en la historia de la humanidad.

Esta cinta se parece mucho, en planteamiento, a Silencio, aquel filme que habla sobre el sacrificio de sacerdotes católicos por evangelizar Japón. En esa cinta se ve el mismo respeto que hay con esta historia reciente.

No obstante el director no se frena y cuenta con detalles este genocidio lento, pero eficaz de una tribu ambiciosa que ve en la inocencia de sus rivales una oportunidad para quedarse con todo.

Un trío de respeto

Gracias a esta historia Martin Scorsese contó con la oportunidad de trabajar con sus colaboradores más frecuentes: Robert De Niro y Leonardo DiCaprio.

De Niro trabajó en sus inicios con Scorsese hasta en nueve ocasiones siendo Taxi Driver, Toro Salvaje y, antes de Los Asesinos de la Luna, El irlandés, sus más destacados trabajos con el director. Mientras que Leonardo DiCaprio protogonizó seis películas con Scorsese entre ellas El aviador, El lobo de Wall Street y Los infiltrados.

Pero esta es la primera en que ambos actores coinciden con el director. El resultado es extraordinario. Los dos ofrecen buenas interpretaciones. A DiCaprio le toca una papel pocas veces visto en su carrera. La del tonto útil que funciona a un plan perverso. Aquí tenemos una interpretación más sutil, con menos gritos (como siempre se le escucha al actor) y más contenida que en otros papeles.

A veces a su personaje se le puede tener lástima. En el tramo final se le da oportunidad de redimirse, pero el malvado siempre se hace notar y solo es hacia el epílogo, cuando tiene una última escena con la protagonista, en que sabemos de su calaña y despreciable corazón.

En tanto que DeNiro sobresale como el villano, el personaje que mueve los hilos de este plan ambicioso para quedarse con todo el dinero y tierras de los Osage, mostrando una hipocresía funcional a sus objetivos.

A ellos se suma la actriz, Lily Gladstone, quien representa a la familia de indígenas atacada por estos seres ambiciosos. Su trabajo resulta sutil, manejado con las miradas y diálogos directos como sarcásticos. Se mueve bien entre DiCaprio y De Niro, aunque por momentos sobresale por encima de ellos.

Una película poco valorada por el público

Martin Scorsese logra una película interesante de tres horas y media de duración, un promedio similar al visto con El Irlandés, disponible en Netflix. Pero termina con una propuesta innovadora para cerrar el final de cada personaje. Se evita las típicas oraciones que advierten el destino de los protagonistas, para teatralizarlo con su participación lo que habla directamente del interés puesto por el director en esta película.

Los Asesinos de la Luna es una buena película. Lástima que no haya tenido un buen paso en la taquilla de los cines. Ojalá que su pronto estreno en Apple TV ayude a apreciar esta obra y darle el valor que se merece. Si aún puede vaya a verla al cine y si está subtitulada mejor.

Juego Limpio: crítica a la película de Netflix

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Juego Limpio (Fair Play) plantea una pregunta desde el inicio: Qué pasaría si tu pareja consigue un ascenso en el mismo centro de trabajo donde laboras.

También lea: Crítica a la película ¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margaret

La película no se hace problemas cuando plantea esta situación si el hombre avanza laboralmente: la mujer celebra y asunto cerrado. En cambio cuando sucede al revés, es decir, si la mujer sube de puesto, empiezan los problemas.

Juego Limpio cuenta la historia de Emily y Luke, una joven pareja empleada en una empresa financiera que ve sometida su relación a esta prueba de fuego.

Emily avanza e intenta llevar consigo a Luke, pero este está más estancado en indagar por qué ascendieron a su pareja y no a él, pierde las oportunidades.

Luke se deja llevar por sus celos y dudas, mientras Emily intenta avanzar con quien se convierte en una carga en su vida. Esta experiencia ya no es maravillosa, sino desagradable e incluso violenta. La primera escena marca el tono de la cinta cuando vemos un intercambio de besos y caricias, mezcladas con sangre. Esta toma nos dice que esta relación será intensa y hasta violenta.

Si bien hay una pregunta por responder, los personajes no son ni buenos ni malos. Cada uno tiene una dosis de ambición, pragmatismo e ironía. Sobre todo hacia el final queda claro que ninguno merece una medalla al buen comportamiento.

El mensaje de Juego Limpio es claro. No es lo mismo que una mujer crezca laboralmente a que un hombre pase por lo mismo. Cuando un varón avanza en su trabajo todos celebran y callan, pero, al contrario, todos murmuran e inventan historias.

Buenas actuaciones

La película logra que el espectador se identifique con rapidez con Emily, interpretado por la actriz, Phoebe Dynevor, protagonista de la serie Bridgerton, un personaje decidido, inteligente, pero leal con el supuesto amor de su vida, hasta el final de su vida.

Mientras que el actor, Alden Ehrenreich, a quien vimos recientemente en Oppenheimer, como uno de los asesores del personaje de Robert Downey Jr., logra que Luke en Fair Play sea inseguro, injusto y hacia el final desconsiderado.

Mención aparte para este buen intérprete a quien le llovieron críticas cuando protagonizó Han Solo, pero que luego ha conseguido llamar la atención por interesantes papeles como el visto en el filme de Christopher Nolan.

Qué pasa cuando una mujer gana más dinero y ejerce un mejor puesto, pues la respuesta queda clara a lo largo de una película entretenida, bien actuada y con personajes en una permanente crisis de nervios. Recomendable.

¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margaret: crítica a esta comedia

Religión y adolescencia, ¿Qué relación podrían tener estos dos tópicos? Pues para la comedia ¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margaret (Are You There God? It’s Me, Margaret) de Kelly Fremon, mucho. Aunque este relato no pretende ser un tratado académico tiene la creatividad de convertir los ruegos de una muchacha en una ocasión para hablar sobre la fe.

Como lo indica el título la película cuenta la historia de Margaret, una joven adolescente que conoce a otras muchachas de su edad al mudarse a un vecindario de New Jersey. A este grupo les une sus ganas de crecer y empezar a experimentar los cambios biológicos en su cuerpo. Es decir tienen enormes ganas de dejar atrás a las niñas y empezar a sentirse mujeres.

En ese camino Margaret apela a Dios para que esos cambios físicos empiecen a notarse con celeridad en su cuerpo y de esta manera tener ventajas sobre sus compañeras.

Lo interesante es que la pequeña adolescente no profesa ninguna religión pese a que proviene de padres con creencias definidas. Uno es judío y la otra cristiana. A ella le permitieron esperar para que elija la fe que le convenga.

Sin embargo a su corta edad no tiene problemas en rezar para pedir algo que tarde o temprano llegará solo por quedar bien con las amigas.

En esta espera a que la biología haga su trabajo en ella va profundizando sobre las religiones.

Esta búsqueda no es tan divertida como el crecimiento de su busto o la llegada de la menstruación, sino contradictoria, aburrida, distante y hasta decepcionante.

Lo otro es bienvenido, llega sin mucho aspaviento, sin ningún reparo, en cambio asistir a una iglesia puede suponer lo contrario.

¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margaret resulta una combinación divertida para ver el crecimiento de una niña a adolescente y todos los miedos y anhelos que supone este proceso, y la importancia o no de la religión en nuestras vidas sin caer en debates densos y muchas veces violentos.

Una película recomendable.

27 Festival de Lima: No habrá proyección virtual de películas peruanas

ACTUALIZACIÓN 14/08/2023

Tres días después de iniciado una nueva edición del 27 Festival de Lima, la organización anunció que no proyectaría ninguna de las películas peruanas en su plataforma virtual.

Inicialmente se iban a transmitir todas las cintas nacionales programas en las diferentes secciones del festival, sin embargo aludiendo a una supuesta amenaza de descargas ilegales o piratería, decidieron suspenderlas e invitar al público a apreciarlas presencialmente en Lima.

El 27 festival de Lima venía transmitiendo las películas en su plataforma hace tres años, pero parece que solo en esta edición se presentó esta amenaza de piratería y no en las anteriores competencias.

La organización publicó un comunicado e informó que el dinero de las entradas compradas será devuelto. De esta manera se dejó sin oportunidad de ver estos filmes a cinéfilos de provincia, incluso de la misma capital que no alcanzaron a comprar un boleto debido a que las salas se llenaron con rapidez.

Las películas peruanas en competencia son:

  • También lea: Conoce los estrenos del 27 Festival de Lima

  • Historias de shipibos de Omar Forero
  • Yana-Wara de Óscar Catacora y Tito Catacora
  • La erección de Toribio Bardelli de Adrián Saba
  • Diógenes de Leonardo Barbuy La Torre
  • Aula 8 de Héctor Gálvez
  • Tayta Shanti de Hans Matos Cámac
  • Reinaldo Cutipa de Oscar Gonzales Apaza
  • Muerto de Risa de Gonzalo Ladines
  • Islandia de Ina Mayushin
  • Sonido Amazónico de Luis A. Chumbe
  • Cielo abierto de Felipe Esparza
  • Rojo profundo de Maga Zevallos

Pueden adquirir sus entradas AQUÍ

Recuerden que el 27 Festival de Lima va del 10 al 18 de agosto. Además de las cintas nacionales también se presentarán presencialmente películas latinas aclamadas en importantes festivales como Cannes.

La inspiración más profunda: Crítica al documental de Netflix

No sabía que existía un deporte dedicado a sumergirse en el mar o piscina, llegar a lo más profundo aguantando la respiración sin recibir oxígeno. Esta disciplina se denomina apnea o buceo libre practicado por hombres y mujeres del mundo que se retrata en el documental de Netflix, La inspiración más profunda (The Deepest Breath).

Esta película sigue a la deportista Alessia Zecchini en su afán por romper un récord en el mar. En el camino hacia su objetivo conocerá a otros con experiencia que la ayudarán a introducirse en lo más profundo del mar sin necesidad de usar oxígeno.

Suena divertido, pero en realidad es un deporte extremo. Lo que muestra este documental es una belleza de ritmos y colores al navegar dentro del mar. Pero que deja una fatiga increíble y peligrosa cuando salen de él.

Hay momentos en que los buceadores pierden la conciencia y quedan boca arriba con los ojos abiertos, como si estuvieran muertos. Pero es tanto el esfuerzo que realizan, junto aguantar la respiración por tiempos prolongados, que los coloca al borde de la muerte.

Pero esto parece un aliciente entre ellos que, más allá de alejarlos de esta práctica deportiva, continúan hasta romper sus límites como el caso de Alessia Zecchini.

La inspiración más profunda es un documental novedoso e interesante que va centrándose en las habilidades de la deportista y junto a ella desarrollado otros personajes que suman a sus objetivos.

El final no es precisamente feliz como se puede presumir durante el desarrollo de la película. Pero igual, como en el teatro, el show debe continuar. Recomendable.

27 Festival de Lima: Conoce los estrenos de esta edición

En agosto llega la 27 edición del Festival de Lima con estrenos de películas latinoamericanas y peruanas. Varias vienen de festivales importantes como Cannes. Por ejemplo, en esta edición estará la última ganadora de la Palma de Oro. También se proyectará el cortometraje de Pedro Almodóvar. Además habrá una fuerte presencia de estrenos nacionales.

PRESENCIA PERUANA

En la sección nacional destaca la obra póstuma de Óscar Catacora, director de Wiñaypacha, Yana-Wara que habla sobre la violencia de género en una comunidad campesina.

También regresa Omar Forero (Chicama, Casos complejos) con Historias de shipibos; Gonzalo Ladines, director de Como en el cine y coguionista de Viejos Amigos, con Muerto de Risa; Adrian Saba (El limpiador) con La erección de Torobio Barderelli, entre otros.

En los documentales llama la atención Rojo profundo, que hace un perfil de Javier Diez Canseco, un político de izquierda apreciado en el país así como Aula 8 de Héctor Galvez.

DESDE CANNES A LIMA

A nivel latinoamericano destaca Los delincuentes de Argentina, estrenada en el festival de Cannes donde obtuvo buenas críticas; el documental cubano, El caso Padilla, y el ganador en el festival de Berlín, El Eco de Tatiana Huezo, directora de Noche de Fuego, proyectada hace unos años en el Festival de Lima.

También estará la cinta chilena, Los colonos, ganadora del premio de la crítica en el festival de Cannes. Además está protagonizada por Alfredo Castro a quien vimos en las películas de Pablo Larraín, No y El club.

LA PALMA DE ORO PRESENTE


Del mismo modo se proyectará el cortometraje de Pedro Almodóvar, Extraña forma de vida; la última ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes, Anatomía de una caída, la cinta española, 20 000 especies de abejas, ganadora de premios en el festival de Berlín.

El festival se desarrollará del 10 al 18 de agosto de manera presencial en cines de Lima y virtual, aunque esta última modalidad estarán disponibles algunas películas, pocas a diferencia de otras ediciones.

Para más información pueden ingresar a este link: https://festivaldelima.com/2023/

PROGRAMACIÓN 

SECCIONES EN COMPETENCIA

COMPETENCIA FICCIÓN

Argentina
EUREKA de Lisandro Alonso
LOS DELINCUENTES de Rodrigo Moreno
LA BARBARIE de Andrew Sala

Brasil
CROWRÃ de João Salaviza y Renée Nader

Chile
LOS COLONOS de Felipe Gálvez
EL CASTIGO de Matías Bize

Colombia
MEMENTO MORI de Fernando López Cardona

Costa Rica
TENGO SUEÑOS ELÉCTRICOS de Valentina Maurel

México
PERDIDOS EN LA NOCHE de Amat Escalante
TÓTEM de Lila Avilés

Nicaragua
LA HIJA DE TODAS LAS RABIAS de Laura Baumeister

Panamá
LAS HIJAS de Kattia G. Zúñiga

Perú
HISTORIAS DE SHIPIBOS de Omar Forero
YANA-WARA de Óscar Catacora y Tito Catacora
LA ERECCIÓN DE TORIBIO BARDELLI de Adrián Saba
DIÓGENES de Leonardo Barbuy La Torre

COMPETENCIA DOCUMENTAL

Argentina
EL CASTILLO de Martín Benchimol
EL JUICIO de Ulises de la Orden

Brasil
RETRATOS FANTASMAS de Kleber Mendonça Filho

Chile
LA MEMORIA INFINITA de Maite Alberdi

Colombia
TRANSFARIANA de Joris Lachaise
AMANDO A MARTHA de Daniela López

Cuba
EL CASO PADILLA de Pavel Giroud

México
UNA JAURÍA LLAMADA ERNESTO de Everardo Gonzáles
EL ECO de Tatiana Huezo

Paraguay
GUAPO’Y de Sofía Paoli Thorne

Perú
AULA 8 de Héctor Gálvez

HECHO EN EL PERÚ

TAYTA SHANTI de Hans Matos Cámac
REINALDO CUTIPA de Oscar Gonzales Apaza
MUERTO DE RISA de Gonzalo Ladines
ISLANDIA de Ina Mayushin
SONIDO AMAZÓNICO de Luis A. Chumbe
CIELO ABIERTO de Felipe Esparza
ROJO PROFUNDO de Maga Zevallos

Barbie: Crítica a la película de Margot Robbie

Hay una escena en Barbie en que el personaje de América Ferrara, Gloria, (conocida por su papel de Betty, la fea-versión norteamericana) expresa todo lo que la sociedad espera de una mujer. Es en ese momento que los espectadores guardan silencio (Bueno, es lo que viví durante el visionado de la película protagonizada por Margot Robbie).

Probablemente ese silencio sea una aprobación o la invitación a una reflexión, pero esa escena refleja la idea de esta película.

Margot Robbie interpreta a una Barbie esterotípica. En Barbieland (tierra de estas muñecas) hay barbies presidentas, físicas, doctoras, sin embargo ella representa un estereotipo: la chica de la cara y cuerpo perfecto. La mujer soñada por los hombres y la aspiración de algunas mujeres.

Pero cuando Gloria (de niña conectaba con este juguete) idea una muñeca con conflictos mundanos y ordinarios ajenos a la vida perfecta de esta muñeca, logra que esos sentimientos se transmitan a la Barbie quien empieza a tener problemas.

Su mundo perfecto se resquebraja y debe dejar Barbieland para visitar el mundo real que le permita volver a conectar con esa niña y encontrar soluciones a sus problemas. En este viaje de la heroína es que empieza a averiguar quién es y hacia dónde quiere ir con su vida.

A través de los ojos de Barbie es que vemos un mundo real gobernado por los hombres poco amable con su género . El rosado de Barbieland cambia a tonos opacos para retratar una realidad poco cálida y divertida para las mujeres.

Ese viaje es que se aprovecha con ironía para criticar el entorno en que viven las mujeres. El humor ayuda a decir algunas verdades para que no duelan y esta premisa se utiliza bien en la película.

Contribuyen a esta idea también las buenas actuaciones de Margot Robbie, interpretando una barbie, al inicio, perfecta y luego arrastrada hacia el drama necesario para averiguar su rol en Barbieland o el mundo real (las barbies también lloran). Para ello la intérprete juega bien con su cuerpo simulando varias veces el desplazamiento de una muñeca.

Ryan Gosling lo hace bien como Ken, el hombre sumiso a Barbie y luego rebelde intentando también ser parte importante en este mundo de muñecas.

LOS MENSAJES DE GRETA GREWIG

No se habla mucho del trabajo de América Ferrara, pero lleva bien el momento más importante de la película en que las barbies, y la audiencia, deben reflexionar y cambiar el chip. Las muñecas no pueden dejarse contaminar por ideas que las sometan a las necesidades de otros, sino recordar que tiene un rol importante en la sociedad. Greta Gerwig, directora de este filme, suele aprovechar sus películas para reforzar estos mensajes.

barbie
America Ferrara en Barbie.

Lo hizo en Mujercitas (la película está en Netflix) cuando Amy, personaje de Florence Pugh, le dice a Laurie (Thimotee Chalamet): «Solo soy mujer y como mujer no tengo forma de ganar dinero por mi cuenta (…) Y si tuviera dinero pertenecería a mi marido en el momento en que nos casáramos y si tuviera hijos, serían suyos, no míos». O cuando el editor de un diario le dice a la protagonista Jo (Saoirse Ronan): «Al final de su novela, que la mujer se case».

BUENA PUESTA EN ESCENA

A todo ello hay que sumarle la impresionante puesta en escena o diseño de producción de la película. Retrata a la perfección un mundo de muñecas colorido, divertido y plástico, sin dejar de lado el vestuario combinado e idóneo para cada ocasión.

Barbie es una comedia, a veces un musical y algunas veces un drama. Es una película divertida con muchos toques de ironía, con un mensaje feminista que no intenta decirte lo que debes hacer, pero que en mi caso invita a reflexionar y empezar a cambiar el chip. Antes de enojarte por sus ideas, respira, piensa y pregúntate si no tienen razón. Recomendable.

Oppenheimer: Crítica a la buena película de Christopher Nolan

Cada película de Christopher Nolan genera expectativa entre los cinéfilos. Sus obras cinematográficas innovan y retan al espectador. Cuando anunció que su nueva cinta adaptaría la vida de Robert Oppenheimer, padre de la bomba atómica, me generó curiosidad acerca de cómo iba a plantear esta historia.

Este director no es precisamente convencional al momento de contar una idea. Por ejemplo, con Dunkerke, una película de la Segunda Guerra Mundial, narró el drama mezclando el presente, pasado y futuro, con pocos diálogos, dejando al espectador que armara el rompecabezas.

Sus colegas hubieran privilegiado la sangre, estallidos y el sacrificio militar antes que ejecutarla como lo hizo Nolan.

Oppenheimer es una película de diálogos y actuaciones que apela a la metáfora para transmitir a las audiencias una sensación de tensión, angustia, arrepentimiento e incertidumbre.

Para ello se apoya en la edición y música, que no descansa en ningún momento, para comprender esas emociones. Nolan no ha sido muy aliado de la sutileza en su cine y dejar que el espectador suponga cosas.

Las interpretaciones son buenas. Quizás se pudo aprovechar más a Florence Pugh, quien actúa como la amante de Oppenheimer, pero en el general el casting lo hace bien. Destacan Cillian Murphy, el progonista; Emily Blunt, la esposa y Robert Downey Jr. quien interpreta a Lewis Strauss, aliado y enemigo del creador de la bomba atómica.

¿QUIÉNES DESTACAN EN LA PELÍCULA?

Robert Downey Jr. conocido por las actuales generaciones por su papel de Ironman interpreta con mucha irreverencia e ironía a un político que solo busca satisfacer sus intereses.

oppenheimer

A veces hemos visto esos modos de hablar, mover los brazos o lanzar dardos en sus diálogos en Ironman o en Los vengadores. Solo que en este caso Nolan le da libertad para utilizar ese cinismo que calza perfecto en un personaje desagradable y ruin.

Emily Blunt tiene su mejor momento hacia al final. Desde el inicio notamos que no es la típica esposa de casa. Todo lo contrario. Es una mujer temperamental. Sin embargo al final, cuando sale a apoyar a su esposo en un interrogatorio, es que deja a su personaje mostrar sarcasmo e inteligencia para defenderlo de los ataques.

Cillian Murphy, habitual colaborador de Nolan, a quien hemos visto en las tres películas de Batman, El origen y Dunkerque, obtiene por primera vez un protagónico en una película de este director. Lo hace excelente. No es él, sino Oppenheimer. Un personaje brillante, pero contradictorio. Entusiasmado con su creación hasta que repara en las consecuencias. Solo después de reparar en los efectos nocivos de su invento es que transita por un camino hacia la redención pidiendo inconscientemente perdón por sus actos.

Este es el tipo de película que ayuda a los actores a lucirse y el reparto lo aprovecha bien. Aunque hacia el final, cuando vemos un duelo entre dos personajes hubiera sido apropiado quitar la música para dejar que el silencio destaque el trabajo de los actores. Pero entiendo que la propuesta de Nolan era equiparar ese momento con la explosión de una bomba atómica.

Oppenheimer va de menos a más teniendo dos momentos brillantes. Uno cuando prueban la bomba atómica (¡qué manera de jugar con el suspenso!) y otro cuando el físico es interrogado por una junta que lo acusa de espía ruso.

¿ES UNA DRAMA CONVENCIONAL?

Si bien priman los diálogos la narración se hace rápida como si se tratase de una cuenta regresiva. En ese sentido la edición y banda sonora ayudan a que esta cinta de tres horas fluya.

A veces me hizo recordar a El gran truco (The prestige) donde los planos se colocaban con rapidez y se incluían a personajes para ubicar al espectador. Por ello no creo que sea un biopic convencional, sino un drama que se va contando en dos tiempos hasta confluir en un centro donde los dos personajes antagónicos explosionan.

No se si sea una obra maestra como se escrito con facilidad en estos días. Creo que para colocar este calificativo hay que dejar pasar años, reposar la cinta y ver si tiene el mismo impacto. Pero lo que sí creo es que es una buena película, bien actuada con un nivel técnico que contribuye a conocer las contradicciones de un hombre que creía hacer el bien, pero que la realidad creó un arma para el mal, que en la actualidad mantiene en vilo a la humanidad. Altamente recomendable.

 

Misión Imposible: Sentencia Mortal, parte uno, crítica a la película de Tom Cruise

Luego del éxito de Top Gun, Tom Cruise regresa con su marca registrada: Misión Imposible, Sentencia Mortal. En esta oportunidad una sola historia se dividió en dos. Este año se estrenó la primera parte y lo más probable, si es que no hay pandemias o huelgas, es que el segundo capítulo o final se proyectará el próximo año.

El inacabable Ethan Hunt enfrentará a un villano posible: la inteligencia artificial (IA). Resulta oportuno aprovechar esta tecnología para fines «hollywodenses» en momentos en que el mundo discute más sus perjuicios que ventajas. Así que incluirla como antagónica en un blockbuster no hace más que reforzar esos miedos.

También lea: Crítica a Top Gun con Tom Cruise

La fortaleza de esta Misión Imposible es que utiliza bien esos temores en hechos cotidianos que un espectador podría vivir en su día a día. Por ejemplo ser víctima de una estafa con una voz generada por IA tal como hemos visto en algunos vídeos. Eso ya existe. No es ciencia ficción y la película toma esas realidades para contar su historia.

Resulta interesante esta premisa sin dejar de lado el factor humano. En La leyenda del jinete sin cabeza de Tim Burton hay un diálogo en que el detective encargado de investigar una serie de asesinatos cometidos por este fantasma concluye que: «El asesino es un hombre de carne y hueso, y pienso descubrirlo». Lo mismo sucede en Misión Imposible. La IA no se manda sola sino que tiene aliados terrenales interesados en utilizar este poder, teóricamente ilimitado, para sus fines malévolos.

La franquicia de Misión Imposible siempre se ha caracterizado por tener del lado del protagonista lo último en tecnología para llevar a cabo sus complicadas misiones como el uso de máscara para cambiar de rostro, sistemas de seguridad con reconocimiento de movimientos o lentes con realidad aumentada. Pero en este caso utiliza una tecnología ya conocida y hasta usada por la mayor parte del planeta. Esto no es ficción, sino una realidad o una advertencia de lo que podría suceder pronto.

También lea: Crítica a Misión Imposible, Repercusión

Alrededor de esta interesante idea es que prepararon, como en las anteriores películas, escenas de acción. En ese sentido queda bien aquella recreada en Venecia con la inclusión de un minicarro. Pero también resultan atractivas esas tomas en que la IA demuestra su poder en el aeropuerto y en una estrecha calle italiana.

No todo es espectáculo, sino también hay tiempo para el drama. Principalmente cuando se debe poner punto final a uno de sus personajes. Aunque inesperado ese epílogo el resultado no ha sido precisamente óptimo. Faltaba un poquito de emoción y quedaba bien.

No obstante Misión Imposible: Sentencia mortal, parte I, es una buena película, con una premisa interesante ejecutada dentro de secuencias de buena acción. Además de su dosis de humor que la pone a la altura de las últimas entregas de esta franquicia. Recomendable.

¿Qué pasó con Asu Mare: Los amigos?

No vi Asu Mare: Los amigos en los cines. Hace tiempo que perdí interés en la saga de las películas Asu Mare. Pero cuando anunciaron que estaba disponible en Netflix le di una ojeada teniendo en cuenta las terribles críticas que le habían hecho luego de su estreno en los cines.

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A las críticas no les falta razón. Asu Mare: Los amigos no tiene muchos atributos cinematográficos. No hay mucho que destacar y señalar lo mismo sería redundar en lo que se ha publicado en los últimos meses.

Pero mi punto va hacia la siguiente pregunta: ¿Por qué seguimos ofreciendo este tipo de películas al espectador? ¿Por qué se invierte en cintas que cualquiera con un ojo poco entrenado se daría cuenta que no funcionaría en el mercado?

No es que en Hollywood haya este tipo de películas. Las hay, pero, en entretenimiento, también hay propuestas destacables. Sin embargo en el Perú, en lo comercial, no hay nada bueno para presumir.

Parece que las ideas se han extinguido y el riesgo consiste en presentar cualquier producto y cruzar los dedos para sacar algo para los bolsillos.

El espectador también es un problema porque no es tan exigente con este tipo de películas. Las consume una y otra vez dejando la percepción en los realizadores que sí funcionan y por lo tanto hay que seguir con lo mismo una y otra vez.

El usuario del cine no repara que para ver estos filmes paga un promedio de 60 soles si van dos personas (las entradas subieron luego de la pandemia) y más de 100 soles si acude una familia de cuatro integrantes. Hay una inversión significativa para ver una película en una pantalla grande. Entonces por qué gastar en algo que no vale la pena. Como repito no hay que ser muy conocedor para darse cuenta que lo que ven a lo largo de casi dos horas es malo. Pero e ahí el detalle siguen apoyando este cine.

Bajo este panorama la audiencia no exige y los directores, productores y actores no crecen viviendo en una burbuja creyendo que sus trabajos son buenos, extraordinarios, imaculados y tristemente célebres. Así se cierra un círculo vicioso conveniente y este negocio no crecerá.

No recomiendo Asu Mare: Los amigos.